Cele mai bune 50 de filme de pe Netflix

Cele mai bune filme de pe Netflix pot fi greu de gasit, dar nu este posibil sa ramanem fara filme grozave in curand. Exista o multime din care sa alegi, fie ca cauti cele mai bune filme de actiune, cele mai bune filme de groaza, cele mai bune comedii sau cele mai bune filme clasice de pe Netflix. Am actualizat lista pentru 2022 pentru a elimina filmele grozave care au ramas, evidentiind in acelasi timp excelenta subobservata.

In loc sa-ti petreci timpul deruland prin categorii, incercand sa gasim filmul perfect de vizionat, am facut tot posibilul sa-ti fie usor la Paste, actualizand cele mai bune filme de vizionat pe lista Netflix in fiecare saptamana, cu noi completari si trecute cu vederea. filme deopotriva.

Iata cele mai bune 50 de filme in flux pe Netflix chiar acum:

1. Daca strada Beale ar putea vorbi

Timpul pentru personajele noastre eliptice, iar povestea de dragoste dintre Tish (Kiki Layne) si Fonny (Stephan James) ritmul la care vom reveni iar si iar. In calitate de narator al nostru, Tish vorbeste atat in ​​declaratii scurte, cat si in koan-uri, scenariul lui Barry Jenkins traducand romanul lui James Baldwin ca un pic oniric de voyeurism: Cand cei doi isi desfasoara in sfarsit relatia dupa o viata (abia doua decenii) de prietenie intre ei si familiile lor. , starea de spirit este divina si revelatoare. Oamenii chiar fac sex asa? Doamne, nu, dar poate ne-am dori sa facem? Si uneori ne convingem ca avem, cu persoana potrivita, doar doua trupuri singure, impotriva lumii, intr-un spatiu – poate singurul spatiu – al lor.

Povestea cuplului este simpla si nu: Un politist (Ed Skrein) cu un scor marunt de rezolvat impotriva lui Fonny stapaneste o femeie portoricana (Emily Rios) care a fost violata pentru a-l alege pe Fonny dintr-o gama, chiar daca alibiul sau si toate dovezile sugereaza contrariul. In prima scena a filmului, o vedem pe Tish vizitand-o pe Fonny in inchisoare pentru a-i spune ca este insarcinata. Este extaziat; recunoastem imediat acea alchimie unica a terorii si bucuriei care insoteste orice proaspat parinte, dar stim, de asemenea, ca pentru un tanar cuplu de negru, lumea este inclinata impotriva dragostei lor infloritoare. „Sper ca nimeni nu a fost nevoit vreodata sa priveasca pe cineva iubit prin sticla”, spune Tish. Spera ei? Performantele lui James si Layne, atat de minunat de sincronizate, sugereaza ca trebuie, un singur trup fara alta alegere.

Ca mama lui Tish, Regina King poate intelege cel mai bine rautatea acelei sperante, jucand-o pe Sharon in rolul unei femei care nu prea poate obtine ceea ce isi doreste, dar care pare sa intuiasca ca un astfel de progres poate fi mai departe decat majoritatea in situatia ei. Asezata, dar nedesfiata, ea este matriarha filmului, o forta de atata caldura incat, chiar si in frica noastra, privind cum burta lui Tish creste si speranta ei scade, prezenta lui Sharon ne linisteste – nu ca totul va fi bine, ci ca totul va fi. Sfarsitul filmului If Beale Street Could Talk este practic un dat – cu exceptia cazului in care ignoranta ta te ghideaza prin aceasta lume idioata – dar exista inca dragoste in acele momente finale, la fel de multa dragoste cat a fost in deschiderea simetrica a filmului. Exista speranta in asta, oricat de putin patetic. — Dom Sinacola o forta de o asemenea caldura incat, chiar si in frica noastra privind cum burta lui Tish creste si speranta ei scade, prezenta lui Sharon ne linisteste – nu ca totul va fi bine, ci ca totul va fi. Sfarsitul filmului If Beale Street Could Talk este practic un dat – cu exceptia cazului in care ignoranta ta te ghideaza prin aceasta lume idioata – dar exista inca dragoste in acele momente finale, la fel de multa dragoste cat a fost in deschiderea simetrica a filmului.

Exista speranta in asta, oricat de putin patetic. — Dom Sinacola o forta de o asemenea caldura incat, chiar si in frica noastra privind cum burta lui Tish creste si speranta ei scade, prezenta lui Sharon ne linisteste – nu ca totul va fi bine, ci ca totul va fi. Sfarsitul filmului If Beale Street Could Talk este practic un dat – cu exceptia cazului in care ignoranta ta te ghideaza prin aceasta lume idioata – dar exista inca dragoste in acele momente finale, la fel de multa dragoste cat a fost in deschiderea simetrica a filmului. Exista speranta in asta, oricat de putin patetic. — Dom Sinacola atata dragoste cat era in deschiderea simetrica a filmului. Exista speranta in asta, oricat de putin patetic. — Dom Sinacola atata dragoste cat era in deschiderea simetrica a filmului. Exista speranta in asta, oricat de putin patetic. — Dom Sinacola

---

2. Monty Python si Sfantul Graal

Este nasol ca o parte din stralucire a fost luata de pe Sfantul Graal de propria sa ubicuitate coplesitoare. In zilele noastre, cand auzim o „rana de carne”, un „ni!” sau o „portiune uriasa de pamant”, primele noastre ganduri sunt adesea de a avea scene complete repetate de tocilari obsesivi si nestiri. Sau, in cazul meu, de a repeta oamenilor scene intregi ca un tocilar obsesiv si fara idee. Dar, daca incerci sa te distantezi de factorul de suprasaturatie si revedeti filmul dupa cativa ani, veti gasi noi glume care par la fel de proaspete si isterice ca cele pe care le cunoastem cu totii. Sfantul Graal este, intr-adevar, cea mai densa comedie din canonul Python.

Sunt atat de multe glume in acest film si este surprinzator cat de usor uitam asta, avand in vedere reputatia sa. Daca esti cu adevarat si ireversibil epuizat de acest film, urmareste-l din nou cu comentarii, si descoperi al doilea nivel de apreciere care vine din inventivitatea cu care a fost realizat. Cu siguranta nu arata ca un film de 400.000 de dolari si este incantator sa descoperi care dintre gaguri (precum jumatatile de nuca de cocos) s-au nascut dintr-o nevoie de solutii cu un buget redus.

Co-regia pentru prima data a interpretului de pe ecran Terry Jones (care a regizat doar sporadic dupa despartirea lui Python) si americanul singuratic Terry Gilliam (care a transformat prolific stilul cinematografic al lui Python intr-un brand unic de fantezie de cosmar) se misca cu o eficienta suprarealista. — Graham Techler Co-regia pentru prima data a interpretului de pe ecran Terry Jones (care a regizat doar sporadic dupa despartirea lui Python) si americanul singuratic Terry Gilliam (care a transformat in mod prolific stilul cinematografic al lui Python intr-un brand unic de fantezie de cosmar) se misca cu o eficienta suprarealista. — Graham Techler Co-regia pentru prima data a interpretului de pe ecran Terry Jones (care a regizat doar sporadic dupa despartirea lui Python) si americanul singuratic Terry Gilliam (care a transformat in mod prolific stilul cinematografic al lui Python intr-un brand unic de fantezie de cosmar) se misca cu o eficienta suprarealista. — Graham Techler

---

3. Irlandezul

Peggy Sheeran (Lucy Gallina) il urmareste pe tatal ei, Frank (Robert De Niro), printr-o usa lasata intredeschisa, in timp ce isi impacheteaza valiza pentru o calatorie de serviciu. In pantaloni si camasi go, fiecare bine infasurat si impaturit pe interiorul bagajului. Intra revolverul cu nas, instrumentul nemilos al meseriei lui Frank. Nu stie ca ochii fiicei lui sunt atintiti asupra lui; ea este tacuta din punct de vedere constitutional si ramane asa in cea mai mare parte a interactiunii lor ca adulti. El inchide cazul. Ea dispare in spatele usii. Judecata ei persista.

Scena se desfasoara la o treime din noul film al lui Martin Scorsese, The Irishman, numit dupa numele lui Frank din lumea mafiei, si relueaza in imaginea finala, in rolul lui Frank, batran, decrepit si complet, deznadajduit de singur, abandonat de familia lui si lipsit de speranta. dintre prietenii sai gangsteri, de-a lungul timpului, sta pe patul sau de batrani. Poate ca asteapta Moartea, dar cel mai probabil o asteapta pe Peggy (interpretata ca adult de Anna Paquin), care l-a lepadat si nu are intentia sa-i ierte pacatele. Peggy serveste ca arbitru moral al lui Scorsese. Ea este un judecator dur: filmul are o viziune vaga asupra machismului, astfel cum este exprimat in domeniul mafiozei si al canilor.

Atunci cand personajele principale ale lui Scorsese nu comploteaza sau platesc scheme in acte de violenta, ei fac crize de furie, mananca inghetata sau, intr-un caz extrem, se lupta cu palme intr-o aruncare disperata de patetica. Aceasta scena rasuna cu scene la fel de jalnice din Drunken Angel si Rashomon a lui Akira Kurosawa: certuri intre aspiranti aspri, care se tem de cearta, dar fortati sa intre in ea de propria lor bravada. Irlandezul se intinde intre anii 1950 si inceputul anilor 2000, anii in care Frank a lucrat pentru familia criminala Bufalino, condusa de Russell (Joe Pesci, iesit din pensie si intimidant). „A munci” inseamna uciderea unor persoane, muscularea altora, chiar aruncarea in aer a unei masini sau a unei cladiri atunci cand ocazia o merita. Cand a fost dezlegat de terorismul gangland, el este acasa citind ziarul, urmarind stirile, tarand-o pe Peggy la bacanul local pentru a-i da o bataie pentru ca a impins-o.

„Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange. — Andy Crump „A munci” inseamna uciderea unor persoane, muscularea altora, chiar aruncarea in aer a unei masini sau a unei cladiri atunci cand ocazia o merita. Cand a fost dezlegat de terorismul gangland, el este acasa citind ziarul, urmarind stirile, tarand-o pe Peggy la bacanul local pentru a-i da o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei).

Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange. — Andy Crump „A munci” inseamna uciderea unor persoane, muscularea altora, chiar aruncarea in aer a unei masini sau a unei cladiri atunci cand ocazia o merita. Cand a fost dezlegat de terorismul gangland, el este acasa citind ziarul, urmarind stirile, tarand-o pe Peggy la bacanul local pentru a-i da o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump chiar aruncand in aer o masina sau o cladire atunci cand ocazia o merita. Cand a fost dezlegat de terorismul gangland, el este acasa citind ziarul, urmarind stirile, tarand-o pe Peggy la bacanul local pentru a-i da o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump chiar aruncand in aer o masina sau o cladire atunci cand ocazia o merita. Cand a fost dezlegat de terorismul gangland, el este acasa citind ziarul, urmarind stirile, tarand-o pe Peggy la bacanul local pentru a-i da o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump e acasa, citeste ziarul, urmareste stirile, o tara pe Peggy la bacanul local sa-i dea o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump e acasa, citeste ziarul, urmareste stirile, o tara pe Peggy la bacanul local sa-i dea o bataie pentru ca a impins-o. „Am facut doar ce trebuia”, spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump ” spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange.

Andy Crump ” spune bietul ticalos condamnat inainte ca Frank sa-l traga afara in strada si sa-si zdrobeasca mana pe bordura. Irlandezul este o non-fictiune istorica, care prezinta viata lui Sheeran si, prin viata lui, vietile sotilor Bufalino si ale asociatilor lor, in special a celor care au murit inainte de vremea lor (acesta fiind cei mai multi dintre ei). Este, de asemenea, un portret al copilariei aruncat in umbra brutalitatii nepasionale si a ceea ce trebuie sa faca o tanara pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange. — Andy Crump si ce trebuie sa faca o tanara fata pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange. — Andy Crump si ce trebuie sa faca o tanara fata pentru a gasi siguranta intr-o lume definita de varsare de sange. — Andy Crump

---

4. Nu sunt negrul tau

Raoul Peck se concentreaza pe cartea neterminata a lui James Baldwin Remember This House, o lucrare care i-ar fi amintit pe trei dintre prietenii sai, Martin Luther King Jr., Malcolm X si Medgar Evers. Toti cei trei barbati de culoare au fost asasinati in termen de cinci ani unul de celalalt si aflam in film ca Baldwin nu era doar ingrijorat de aceste pierderi ca fiind lovituri teribile aduse miscarii pentru Drepturile Civile, ci si-a ingrijit profund sotiile si copiii barbatilor care erau. ucis. Durerea coplesitoare a lui Baldwin este la fel de mult subiectul filmului, precum si intelectul sau. Si asa ca I Am Not Your Negro nu este doar un portret al unui artist, ci un portret al doliu – ceea ce arata, suna si se simte ca sa-ti pierzi prietenii si sa faci asta cu intreaga lume vizionata (si cu atat de mult din America) refuzand sa inteleaga cum s-a intamplat si de ce se va intampla in continuare).

Peck n-ar fi putut face altceva decat sa ne dea acest sentiment, punandu-ne direct in prezenta lui Baldwin, iar I Am Not Your Negro ar fi fost probabil un succes. Decizia lui de a se indeparta de formatul documentar obisnuit, in care minti respectate comenteaza un subiect, creeaza un sentiment de intimitate greu de inspirat in astfel de filme. Placerea de a sta cu cuvintele lui Baldwin si numai cu cuvintele lui este extraordinara. Nu exista interpret, nimeni care sa-l explice pe Baldwin, in afara de Baldwin – si asa ar trebui sa fie. — Shannon M. Houston creeaza un sentiment de intimitate greu de inspirat in astfel de filme. Placerea de a sta cu cuvintele lui Baldwin si numai cu cuvintele lui este extraordinara. Nu exista interpret, nimeni care sa-l explice pe Baldwin, in afara de Baldwin – si asa ar trebui sa fie. — Shannon M. Houston creeaza un sentiment de intimitate greu de inspirat in astfel de filme. Placerea de a sta cu cuvintele lui Baldwin si numai cu cuvintele lui este extraordinara. Nu exista interpret, nimeni care sa-l explice pe Baldwin, in afara de Baldwin – si asa ar trebui sa fie. — Shannon M. Houston

---

5. O portocala mecanica

Ca si in cazul majoritatii (ei bine, probabil toate) adaptarilor de la carte la ecran ale lui Stanley Kubric, A Clockwork Orange remixeaza mai multe aspecte din romanul lui Anthony Burgess si, probabil, in bine (cel putin Alex [un Malcolm McDowell terifiant de electric] nu este un pedofil in filmul lui Kubrick, de exemplu).

Este inca o satira necrutator de vicioasa care descrie o societate permisiva pentru o cultura brutala a tineretului, una in care stiinta si psihologia moderna sunt cele mai bune contramasuri in combaterea Ultra Violence™ pe care o comit barbati precum Alex si colegii sai „droogs”. Este dureros de clar ca atunci cand Alex este considerat victima de catre ministrul britanic de Interne (Anthony Sharp), acela — alerta la spoiler! — raul invinge. Hristoase, poate cineva dintre noi sa auda vreodata „Singing in the Rain” la fel dupa acest cosmar? — Scott Wold

---

6. Pietre netaiate

Proprietarul unui magazin exclusivist din districtul diamantelor din New York, Howard Ratner (Adam Sandler) se descurca bine pentru el si pentru familia sa, desi nu se poate abtine sa nu parieze compulsiv, datorandu-i cumnatului sau Aron (Eric Bogosian, rauvoitor valtos). ) o suma substantiala. Totusi, Howard are si alte riscuri de echilibrat — statul sau de plata este compus din Demany (Lakeith Stanfield), un gasator atat de clienti, cat si de produse, si Julia (Julia Fox, un far neasteptat in mijlocul furtunii in primul ei rol de lungmetraj), o functionara cu care Howard duce o aventura, „tinand-o” confortabil in apartamentul lui din New York.

Cu exceptia faptului ca sotia lui (Idina Menzel, obosita) este evident satula de rahatul lui si, intre timp, are o livrare speciala venita din Africa: un opal negru, piatra pe care am ajuns sa o cunoastem intim in prima scena a filmului, despre care Howard estimeaza ca valoreaza milioane. . Apoi, Demany se intampla sa-l aduca in magazin pe Kevin Garnett (in calitate de el insusi, inscris atat de complet in tonul fratilor Safdie) in magazin in aceeasi zi in care soseste opalul, inspirand un pariu o data in viata pentru Howard – genul care va impacheteaza-l cu Aron si apoi cu niste — precum si cu o multime de prostii noi pentru a intelege. Totul este, fara indoiala, stresant – intr-adevar necrutator, dureros de stresant – dar cei de la Safdies, in al saselea lor film, par sa prospere in anxietate, captand inertia vietii lui Howard si a nenumaratelor vieti care se ciocnesc de a lui, in toata frumusetea sa plina de corp. . Chiar inainte de un meci, Howard ii dezvaluie lui Garnett planul sau maret pentru o zi de plata mare, explicandu-i ca Garnett intelege, nu? Ca tipi ca ei sunt introdusi in ceva mai mare, lucrand la o lungime de unda mai mare decat majoritatea – ca asa castiga. S-ar putea sa fie pe ceva, sau s-ar putea sa-si scoata totul din fund — indiferent, stim intotdeauna ca Sandler a avut asta in el. Acesta poate fi exact ceea ce am avut in vedere. — Dom Sinacola

---

7. Ea trebuie sa o aiba

Un debut de lungmetraj exploziv de sincer, care a anuntat imediat noua voce curajoasa si proaspata a lui Lee in cinematografia americana, She’s Gotta Have It, filmata ca un documentar, este o explorare linistita a unei tinere negre pe nume Nola (Tracy Camilla Johns) care incearca sa se decida intre cele trei ei. iubitori de sex masculin, flirtand in acelasi timp cu aparenta ei bisexualitate, pentru a, in primul rand, sa-si dea seama ce o face fericita. Ceea ce este revigorant la film este ca Lee aduce intotdeauna in discutie posibilitatea ca „niciuna dintre cele de mai sus” sa fie un raspuns perfect viabil atat pentru Nola, cat si pentru femeile singure – un schimbator de jocuri in 1986. realismul in fata al filmului. —Oktay Ege Kozak

---

8. Jacheta Full Metal

Este o opinie necontroversata ca valoarea lui Full Metal Jacket se extinde pana in prima jumatate a sa si scade de acolo pe masura ce filmul patrunde in conventionalitate. Dar cel de-al doilea capitol al povestii de groaza din Vietnam a lui Stanley Kubrick este responsabil pentru crearea conventiilor prin care putem judeca imaginea retrospectiv, si chiar si materialul conventional, asa cum este livrat de un artist ca Kubrick, merita vizionat: jumatatea din spate a lui Full Metal Jacket este , totul spus, placut captivant si intunecat, un portret gol al modului in care razboiul schimba oamenii, in contrast cu modul in care cultura militara descrisa in jumatatea din fata ii schimba pe oameni. A fi supus injosirii in mod obisnuit va rupe mintea unei persoane in doua. Fiind fortat sa ucida un alt om, le va prabusi sufletul. Intr-adevar, nu exista nimic despre Full Metal Jacket care sa nu functioneze sau sa nu inteleaga punctul lui Kubrick, dar nu se poate nega cat de de nesters este secventa sa de dinainte de razboi, in special datorita performantei nemuritoare a lui R. Lee Ermey ca cel mai terifiant sergent de artilerie din lume. — Andy Crump

---

9. Apocalypse Now Redux

An: 1979 Regia: Francis Ford Coppola Vedete: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Dennis Hopper, Laurence Fishburne Evaluare: R Durata: 206 minute

Sa-l invocam pe Truffaut, pentru ca spiritul lui se simte la fel de relevant pentru o discutie despre adaptarea nefasta a lui Francis Ford Coppola a lui Joseph Conrad Heart of Darkness, ca si pentru o discutie despre un film de razboi precum Paths of Glory si pentru a lua in considerare filmele de razboi in general. Poate, daca il credem pe Truffaut pe cuvant, Apocalypse Now (si versiunea sa remasterizata cu inca 49 de minute de filmari care sunt transmise pe Netflix) nu poate sa nu sustina razboiul doar prin actul de a-l recrea ca arta. Poate ca asta nu impiedica filmul sa transmita tezele de conducere ale lui Coppola: razboiul transforma oamenii in monstri, ii conduce intr-o coborare intr-o stare de spirit primordiala, fara lege, iar razboiul este in sine un iad, o fraza de rau augur transformata acum in cliseu. suprasolicitare grosolana intre 1979 si astazi. Daca filmul sanctioneaza in mod natural razboiul prin reprezentare, nu sanctioneaza impactul razboiului asupra umanitatii participantilor sai.

De fapt, Apocalypse Now ramane una dintre cele mai profunde ilustratii ale efectului corosiv pe care violenta sanctionata de natiune il are asupra spiritului si psihicului unei persoane. Este dragut ca, peste 40 de ani, suntem de acord sa citam acest film in reclame ingrozitoare de la AT&T sau sa-i reutilizam fundalul de epoca de dragul de a face King Kong sa se intample pentru publicul contemporan pentru a doua oara, dar nu exista nimic dragut, sau chiar tot. atat de citabil, despre asta. Apocalypse Now strica, imbolnaveste si cicatrice, marcandu-se in amintirile noastre asa cum pot cu adevarat doar cele mai sumbre manifestari ale depravarii umane. — Andy Crump Este dragut ca, peste 40 de ani, suntem de acord sa citam acest film in reclame ingrozitoare de la AT&T sau sa-i reutilizam fundalul de epoca de dragul de a face King Kong sa se intample pentru publicul contemporan pentru a doua oara, dar nu exista nimic dragut, sau chiar tot. atat de citabil, despre asta.

Apocalypse Now strica, imbolnaveste si cicatrice, marcandu-se in amintirile noastre asa cum pot cu adevarat doar cele mai sumbre manifestari ale depravarii umane. — Andy Crump Este dragut ca, peste 40 de ani, suntem de acord sa citam acest film in reclame ingrozitoare de la AT&T sau sa-i reutilizam fundalul de epoca de dragul de a face King Kong sa se intample pentru publicul contemporan pentru a doua oara, dar nu exista nimic dragut, sau chiar tot. atat de citabil, despre asta. Apocalypse Now strica, imbolnaveste si cicatrice, marcandu-se in amintirile noastre asa cum pot cu adevarat doar cele mai sumbre manifestari ale depravarii umane. — Andy Crump

---

10. Urmeaza

Spectrul vechiului Detroit bantuie It Follows. Intr-un stand de inghetata darapanat de pe 12 Mile, in casele de ferma in stilul anilor ’60 din Ferndale sau Berkley, intr-un joc de Parcheesi jucat de adolescenti palizi, cu accente nazale, nimic – daca nu ai fost niciodata, nu ai recunoaste niciodata nostalgia veche si cenusie care se strecoara in fiecare colt al filmului terifiant al lui David Robert Mitchell. Dar este acolo si se simte ca in SE Michigan. Muzica, paleta de culori dezactivata, dar ciudat de somptuoasa, anacronismul neincetat: Numai in stil, Mitchell este un autor aparent a aparut complet format din pantecele nesanatos al Metroului Detroit.

Cicluri si cercuri completeaza concentric It Follows, de la regulile deosebit de insulare ale intrigii de groaza a filmului, pana la rotunjimea tinereasca si carnoasa a fetelor si trupurilor acestui mic grup de personaje principale, sa nu lasam niciodata publicul sa uite ca, in atat de multe feluri, acesti oameni sunt inca copii. Cu alte cuvinte, Mitchell este clar despre povestea lui: asta s-a mai intamplat si se va intampla din nou. Toate acestea nu ar functiona daca Mitchell ar fi mai putin preocupat de crearea unui film cu adevarat tulburator, dar fiecare inflorire estetica, fiecare tigaie complet circulara este stransa sa insufle viata morbida intr-o singura imagine: cineva, oricine se separa incet de fundal, de a cuiva. cosmaruri si mergand spre tine, de parca Moartea insasi ar aparea neanuntata langa tine in public, gata sa-ti fure respiratia cu putin sau deloc aplomb. Initial, intreaga ingamfare a lui Mitchell – care transmite o bantuire prin actul sexual – pare sa ingroape politica sexuala conservatoare sub tropi tipice ale filmelor de groaza, proclamand a fi o imagine de gen progresiva atunci cand functional nu face nimic pentru a promova ideile noastre despre tariful slasher. Desfranezi, gasesti pedeapsa pentru pacatul tau flagrant, fara dragoste, nu? (Filmul are mai multe in comun cu o articulatie cu Judd Apatow decat te-ai astepta.) In schimb, Mitchell nu isi judeca niciodata personajele pentru ca fac ceea ce practic fiecare adolescent isi doreste sa faca; el dezvaluie pur si simplu, printr-o alegorie complexa, realitatile sexului adolescentin. Nu exista nicio implicatie de principiu in spatele intentiei lui Mitchell; concluzia rece a actului sexual este ca, intr-un fel, impartasesti un anumit grad din fizicul tau cu toti cei cu care partenerul tau a impartasit acelasi lucru.

Ca insoteste aceasta recunoastere cu respect si empatie autentica pentru tipurile de personaje care, in orice alt film de groaza, ar fi putin mai mult decat hrana viscerala pentru un spirit sadic, ridica It Follows din taramul jocului moral deghizat intr-o poveste bolnavicioasa de infricosatoare despre majorat. De asemenea, Mitchell intelege in mod inerent ca nu exista practic nimic mai ciudat decat obisnuitul usor dezorientat, increzandu-ne in adevarata groaza a filmului trucurile pe care mintea noastra le joaca atunci cand uitam sa ne verificam periferia. It Follows este un film care prospera in granite, nu atat despre oroarea care iti tasneste in fata ta, cat despre anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei – pana cand, intr-o zi in curand, este acolo, amintindu-ti ca timpul este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola ridica It Follows din taramul jocului moral deghizat intr-o poveste bolnavicioasa de infricosatoare despre majorat. De asemenea, Mitchell intelege in mod inerent ca nu exista practic nimic mai ciudat decat obisnuitul usor dezorientat, increzandu-ne in adevarata groaza a filmului trucurile pe care mintea noastra le joaca atunci cand uitam sa ne verificam periferia. It Follows este un film care prospera in granite, nu atat despre oroarea care iti tasneste in fata ta, cat despre anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei – pana cand, intr-o zi in curand, este acolo, amintindu-ti ca timpul este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola ridica It Follows din taramul jocului moral deghizat intr-o poveste bolnavicioasa de infricosatoare despre majorat. De asemenea, Mitchell intelege in mod inerent ca nu exista practic nimic mai ciudat decat obisnuitul usor dezorientat, increzandu-ne in adevarata groaza a filmului trucurile pe care mintea noastra le joaca atunci cand uitam sa ne verificam periferia. It Follows este un film care prospera in granite, nu atat despre oroarea care iti tasneste in fata ta, cat despre anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei – pana cand, intr-o zi in curand, este acolo, amintindu-ti ca timpul este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. —

Dom Sinacola Mitchell intelege in mod inerent ca nu exista practic nimic mai ciudat decat obisnuitul usor dezorientat, increzandu-ne in adevarata groaza a filmului trucurile pe care mintea noastra le joaca atunci cand uitam sa ne verificam periferia. It Follows este un film care prospera in granite, nu atat despre oroarea care iti tasneste in fata ta, cat despre anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei – pana cand, intr-o zi in curand, este acolo, amintindu-ti ca timpul este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola Mitchell intelege in mod inerent ca nu exista practic nimic mai ciudat decat obisnuitul usor dezorientat, increzandu-ne in adevarata groaza a filmului trucurile pe care mintea noastra le joaca atunci cand uitam sa ne verificam periferia. It Follows este un film care prospera in granite, nu atat despre oroarea care iti tasneste in fata ta, cat despre anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei – pana cand, intr-o zi in curand, este acolo, amintindu-ti ca timpul este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola dar anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei — pana cand, intr-o zi in curand, ea este acolo, amintindu-ti ca timpul tau este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola dar anxietatea mai profunda care asteapta la limita constiintei — pana cand, intr-o zi in curand, ea este acolo, amintindu-ti ca timpul tau este limitat si ca nu vei fi niciodata in siguranta. Uita de riscurile sexului in adolescenta, It Follows este o metafora patrunzatoare a cresterii. — Dom Sinacola

---

11. Bonnie si Clyde

A existat o scurta perioada in istoria filmului american, imediat dupa ce publicul larg s-a saturat de dramele si comediile banale si stanjenitoare din anii ’60, dar inainte ca studiourile sa descopere beneficiile profitabile ale unor francize precum Jaws si Star Wars, care ar putea acumula continuare dupa continuare, obtineti venituri din marfa si garantati un flux constant de bani mari, indiferent de meritul artistic. In acel mic interval ciudat, directorii de studio nu au avut nicio idee mai buna decat sa arunce cu bani in regizorii talentati si sa spere sa aiba noroc. Filme precum Bonnie si Clyde ale lui Arthur Penn poseda un realism crud, care este la fel de inteligent si intelept ca noul val francez, dar infuzat cu spiritul american care nu fusese inca inabusit de o agenda corporativa. — Shane Ryan

---

12. Un film politist

Dintre multele fotografii izbitoare surprinse in hibridul docu-fictiune A Cop Movie, una transmite esenta examinarii de catre regizorul Alonso Ruizpalacios a fortelor de politie din Mexic, spre deosebire de oricare alta. Dupa ce si-a legat incheietura de o bucata lunga si subtire de franghie, stagiarul academiei de politie Teresa se pregateste sa sara de pe o platforma de scufundari de 30 de picioare si intr-o piscina. Este ultima provocare pe care trebuie sa o depaseasca pentru a absolvi – cea a „hotararii” – dar reprezinta o amenintare enorma la adresa vietii ei, deoarece nu poate inota, soarta ei probabila de a se ineca fiind contracarata cu durere tinandu-si incheietura prins de pamant. Interesant este ca Teresa se dovedeste a fi mai putin un subiect de documentar si mai mult un avatar pentru Ruizpalacios pentru a analiza perspectiva civila a fortei de politie a tarii. Prezentat ca subiect central cinstit pentru aproape jumatate din film, Teresa (care se bazeaza pe o persoana reala) se dovedeste a fi interpretata de actrita Monica del Carmen, care s-a modelat cu experienta dupa imaginea ofiterului din viata reala, reconstituind amintiri din zilele ei ca studenta la academie pana la cele mai recente probleme de la locul de munca in patrulare. strazile din Mexico City. Alaturi de ea este colegul actor Raul Briones, care il interpreteaza pe Montoya (de asemenea, un tip adevarat), a doua jumatate a duo-ului numita „patrula dragostei” de catre alti politisti datorita relatiei lor cochete ca parteneri. Desi initial s-au prezentat ca doi ofiteri pur si simplu care fac tot posibilul intr-un sistem care se prabuseste, a doua jumatate a filmului arata clar ca aceste sentimente sunt doar proiectiile partinitoare ale omologilor lor din viata reala. Prin crearea cu atentie a acestei iluzii si apoi dezvaluind pe furis ipocrizia din spatele ei, Un film cu politisti este subtil, dar indraznet in rechizitoriul sau de coruptie a politiei si a ofiterilor individuali care il accepta – la naiba sa fie bunele lor intentii. — Natalia Keogan

---

13. Discipolul

Anul: 2021 Regia: Chaitanya Tamhane Vedete: Aditya Modak, Arun Dravid, Sumitra Bhave Rating: TV-MA Durata: 128 minute

A-ti dedica viata pentru ceva – arta, pasiune, religie – ne este vandut ca fiind admirabil, dar de multe ori numai daca ne indeplineste idealurile romantice despre cum arata acea viata. Este succesul, oricat de tarziu sau chiar postum, justificarea eforturilor? Scriitorul/regizorul/editorul Chaitanya Tamhane exploreaza aceasta idee prin viata cantaretei clasice indiane Sharad Nerulkar (Aditya Modak), un fermecator serios crescut de tatal sau iubitor de muzica si inregistrarile legendarului cantaret/guru Maai (Sumitra Bhave). Va fi recunoscut pentru maretie, iesind din umbra? Sau isi va urma tatal in obscuritate tangentiala? Preluari lungi fascinante rezonand cu acelasi tip de bogatie gasit in multitudinea sa de taan ondulat al cantaretilor ne permit mult spatiu pentru a ne bucura de muzica si devotamentul expus; ascutit, umorul negru puncteaza filmul contemplativ cu lovituri de cap de porc. Performanta excelenta a lui Modok contine o adancime similara, toate ascunse in spatele unei tensiuni dornice si a unei priviri neclintite. El intruchipeaza artistul neimplinit, unul care vede succesul peste tot in jurul sau de la prosti si rube-desi nu isi poate lua in considerare ce ar putea sa-l retina. Este o performanta sfasietoare, indrazneata, intepatoare si care creeaza un portret cu adevarat castigator. Chiar si atunci cand se rostogoleste la fel de constant si nepasator ca motocicleta lui Sharad, Discipolul contine caldura pentru artistul sau central si devotamentul sau de a nu se epuiza niciodata. — Jacob Oller unul care vede succesul peste tot in jurul lui de la prosti si rube-desi nu se gandeste la ce ar putea sa-l retina. Este o performanta sfasietoare, indrazneata, intepatoare si care creeaza un portret cu adevarat castigator. Chiar si atunci cand se rostogoleste la fel de constant si nepasator ca motocicleta lui Sharad, Discipolul contine caldura pentru artistul sau central si devotamentul sau de a nu se epuiza niciodata. — Jacob Oller unul care vede succesul peste tot in jurul lui de la prosti si rube-desi nu se gandeste la ce ar putea sa-l retina. Este o performanta sfasietoare, indrazneata, intepatoare si care creeaza un portret cu adevarat castigator. Chiar si atunci cand se rostogoleste la fel de constant si nepasator ca motocicleta lui Sharad, Discipolul contine caldura pentru artistul sau central si devotamentul sau de a nu se epuiza niciodata. — Jacob Oller

---

14. Maestrul

Maestrul isi studiaza personajele cu atat de mistica, tragedie si umor incat nu exista momente care sa nu fie captivante. Scriitorul/regizorul Paul Thomas Anderson continua unele dintre tendintele stilistice din ultimul sau film, There Will Be Blood, dar gaseste si modalitati de a-si asuma constant riscuri si de a face alegeri indraznete care sunt complet imprevizibile. Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) si religia sa, The Cause, sunt in mod evident inspirate de L. Ron Hubbard si Scientology, iar acea legatura a fost punctul central al acoperirii de presa dinaintea lansarii filmului. Paralelele dintre cele doua ideologii sunt inevitabile, dar ele nu reprezinta ideea. Anderson nu adopta niciodata punctul de vedere al religiei/cultului ca spectacol ciudat. Chiar si intr-un montaj genial care infatiseaza o serie de exercitii obositoare pe care Freddie (Joaquin Phoenix) nu le poate sau nu le va lasa sa-l lumineze, lupta personala este in prim plan. Bizareria ritualurilor este aproape intamplatoare. Phoenix ofera performanta carierei sale de veteran al celui de-al Doilea Razboi Mondial imbibat de bautura, cu cicatrici mentale si fizice. Dupa ce a obtinut putine beneficii de la un curs de psihiatrie accelerat pentru soldatii care se intorc cu probleme post-traumatice, el se impiedica intr-un loc pana cand trebuie sa fuga in altul, obsedat de sex si facandu-si experimente. Anderson a fost intotdeauna un virtuoz vizual si foloseste detaliile adaugate pentru un efect superb. Dodd apare pentru prima data in timpul unei fotografii de urmarire a lui Freddie, vazut in departare ca o figura minuscula, dar exuberanta pe o nava de croaziera, mica, dar inca in centrul atentiei. Freddie nu l-a intalnit inca pe Dodd, dar barca il cheama. Asta ar putea fi pentru ca Dodd l-a cunoscut pe Freddie intr-o viata trecuta, sau ar putea fi pentru ca Freddie este un betiv disperat care cauta un loc unde sa se ascunda. Marea tragedie a lui Freddie este ca explicatia mai putin atragatoare nu-i da niciun raspuns, in timp ce cealalta ii da raspunsul gresit. — Jeremy Mathews

---

15. Crude

An: 2016 Regia: Julia Ducournou Vedete: Garance Marillier, Ella Rumpf, Laurent Lucas Gen: Horror Evaluare: R Durata: 99 minute

Daca sunteti mandru detinator al unui simt al umorului intortocheat, le-ati putea spune prietenilor ca filmul Raw al Juliei Ducournau este un „film despre majorat”, in incercarea de a-i pacali sa-l vada. Da, protagonista filmului, naiva studenta Justine (Garance Marillier), devine majora pe parcursul duratei sale; ea petrece, iese din carapace si invata despre cine este ea cu adevarat ca persoana aflata in pragul maturitatii. Dar cei mai multi copii care ajung la majoritate in filme nu isi dau seama ca si-au petrecut viata suprimand fara sa vrea o nevoie innascuta, aproape nesatioasa de a consuma carne cruda. „Hei”, te gandesti, „asta e numele filmului!” Ai dreptate! Este! Permite lui Ducournau obraznicia ei. Mai mult decat o clipa cu ochiul si un semn din cap catre detaliile viscerale ale imaginii, Raw este o concesie deschisa la calitatea ingrozitoare a infloririi sumbre a lui Justine. Oricat de urat devine filmul si devine intr-adevar urat, cele mai dure senzatii pe care Ducournau le articuleaza aici tind sa fie cele pe care nu le putem detecta doar privind: frica de sexualitatea feminina, mostenirile familiei, politica de popularitate si incertitudinea autoguvernarii lui Raw. ororile la fel de mult ca carnea expusa si insangerata. Este un gorefest care nu ofera scuze si mult mai mult de mestecat decat efectele sale. — Andy Crump

---

16. Da 5 Bloods

Vanatoarea de aur ingropat nici nu se termina bine si nici nu merge fara probleme. Drumul lung catre reconciliere, fie ca are trauma, familia sau identitatea nationala, nu este niciodata fara denivelari. Lipiti aceste adevaruri impreuna cu efectele meteorologice ale rasismului institutional, adaugati nenumarate referinte la istorie — istoria americana, istoria muzicii, istoria filmului — si obtineti Da 5 Bloods de Spike Lee, o imagine de actiune in stil clasic din Vietnam, realizata in viziunea sa cinematografica. Ca si in BlackKkKlansman din 2018, Lee conecteaza punctele dintre trecut si prezent, legand lupta pentru drepturile civile exprimata in obiectie de constiinta si protest de propria lupta a Americii contemporane impotriva fascismului sanctionat de stat. Dupa ce a inceput cu un montaj de evenimente cuprinzand si figuri care vorbesc impotriva razboiului din Vietnam, denumit in mod predominant Razboiul American in tot restul filmului, Lee prezinta patru dintre cele cinci sange: Otis (Clarke Peters), Paul (Delroy Lindo), Eddie (Norm Lewis) si Melvin (Isiah Whitlock Jr.), legat de Vietnam. Veterinarii s-au intors in Ho Chi Minh City aparent pentru a gasi si recupera oasele liderului lor de echipa, Norman (Chadwick Boseman). Exista mai mult, desigur, „mai mult” fiind in jur de 17 milioane de dolari in lingouri de aur plantate in pamant vietnamez, proprietatea CIA, dar reinsusite de Bloods ca despagubiri pentru suferinta lor personala ca barbati care duc un razboi pentru o tara guvernata de oameni care nu. nu-i pasa de drepturile lor. Lee se afla la apogeul puterilor atunci cand sustine fara indoiala ca, atata timp cat a trecut de la incheierea razboiului din Vietnam, America continua sa poarte aceleasi razboaie impotriva propriului popor si, de altfel, restul lumii. Si Lee este inca suparat si nemultumit de status quo-ul, fiind opresiunea continua a americanilor de culoare prin brutalitatea politiei, suprimarea alegatorilor si neglijarea medicala. In acest context, latimea lui Da 5 Bloods este aproape necesara. Asa cum ar spune Pavel: Pe drept. — Andy Crump

---

17. Creep

Creep este un mic film de groaza indie oarecum previzibil, dar vesel dement, debutul regizoral al lui Brice, care a lansat si anul acesta The Overnight. Cu mereu prolificul Mark Duplass, este un studiu de caracter al a doi barbati – un videograf naiv si un reclus psihotic nu atat de secret, cel din urma il angajeaza pe primul pentru a-si documenta viata intr-o cabana din padure. Se sprijina in intregime pe performantele sale, care sunt excelente. Duplass, care poate fi fermecator si ciudat in ceva de genul Safety Not Guaranteed, straluceste aici ca nebunul deranjat care se forteaza sa intre in viata protagonistului si bantuie fiecare moment de trezire. Primele momente de dus-intors intre pereche trosnesc cu un fel de intensitate stanjenitoare. Oricine cunoaste genul va vedea fara indoiala unde se duce, dar este o calatorie bine conceputa, care reuseste pe baza chimiei dintre cele doua parti principale ale sale intr-un mod care imi aminteste de scenele dintre Domhnall Gleeson si Oscar Isaac din Ex Machina. — Jim Vorel

---

18. Conjurarea

Sa se stie: James Wan este, in orice estimare corecta, cel putin un regizor de filme de groaza peste medie. Precursorul unor seriale cu bani mari, cum ar fi Saw si Insidious, are un talent pentru a crea groaza populista care inca poarta o striga a propriei sale identitati artistice, un dar spielbergian pentru ceea ce vorbeste publicului multiplex fara a sacrifica in totalitate caracterizarea. Cateva dintre filmele sale se afla chiar in afara topului 100, daca aceasta lista ar fi vreodata extinsa, dar The Conjuring nu poate fi refuzat ca reprezentantul Wan, deoarece este de departe cel mai infricosator dintre toate lungmetrajele sale. Amintindu-mi de experienta de a vedea pentru prima data Activitatea Paranormala intr-un multiplex aglomerat, The Conjuring are o modalitate de a submina cand si unde te astepti sa soseasca sperieturile. Povestea casei bantuite/a posesiunii ei nu ai mai vazut pana acum, dar putine filme din aceasta opera din ultimii ani au avut jumatate din stilul pe care Wan o da intr-o ferma veche si scartaitoare din Rhode Island. Filmul se joaca cu asteptarile publicului, aruncandu-va infricosari mari fara aparitia standardelor Hollywood Jump Scare, evocand simultan povestile clasice cu fantome ale epocii de aur, cum ar fi The Haunting a lui Robert Wise. Intensitatea, efectele si natura necrutatoare l-au plasat cu mai multe trepte peste horror-ul PG-13 impotriva caruia concura in primul rand. Este interesant de remarcat ca The Conjuring a primit de fapt un rating „R”, in ciuda lipsei de „violenta” evidenta, sangerari sau sexualitate. A fost pur si simplu prea inspaimantator pentru a nega, si asta merita respect. — Jim Vorel Filmul se joaca cu asteptarile publicului, aruncandu-va infricosari mari fara aparitia standardelor Hollywood Jump Scare, evocand simultan povestile clasice cu fantome ale epocii de aur, cum ar fi The Haunting a lui Robert Wise. Intensitatea, efectele si natura necrutatoare l-au plasat cu mai multe trepte peste horror-ul PG-13 impotriva caruia concura in primul rand. Este interesant de remarcat ca The Conjuring a primit de fapt un rating „R”, in ciuda lipsei de „violenta” evidenta, sangerari sau sexualitate. A fost pur si simplu prea inspaimantator pentru a nega, si asta merita respect. — Jim Vorel Filmul se joaca cu asteptarile publicului, aruncandu-va infricosari mari fara aparitia standardelor Hollywood Jump Scare, evocand simultan povestile clasice cu fantome ale epocii de aur, cum ar fi The Haunting a lui Robert Wise. Intensitatea, efectele si natura necrutatoare l-au plasat cu mai multe trepte peste horror-ul PG-13 impotriva caruia concura in primul rand. Este interesant de remarcat ca The Conjuring a primit de fapt un rating „R”, in ciuda lipsei de „violenta” evidenta, sangerari sau sexualitate. A fost pur si simplu prea inspaimantator pentru a nega, si asta merita respect. — Jim Vorel efectele functioneaza si natura necrutatoare l-au pus cu cateva trepte deasupra groaza PG-13 impotriva careia concura in primul rand. Este interesant de remarcat ca The Conjuring a primit de fapt un rating „R”, in ciuda lipsei de „violenta” evidenta, sangerari sau sexualitate. A fost pur si simplu prea inspaimantator pentru a nega, si asta merita respect. — Jim Vorel efectele functioneaza si natura necrutatoare l-au pus cu cateva trepte deasupra groaza PG-13 impotriva careia concura in primul rand. Este interesant de remarcat ca The Conjuring a primit de fapt un rating „R”, in ciuda lipsei de „violenta” evidenta, sangerari sau sexualitate. A fost pur si simplu prea inspaimantator pentru a nega, si asta merita respect. — Jim Vorel

---

19. Ip Man

Ip Man din 2008 a marcat, in sfarsit, momentul in care Donnie Yen, cu adevarat excelent, dar niciodata considerat pe deplin, si-a venit in sine, jucand o versiune vag biografica a legendarului mare maestru al lui Wing Chung si profesor al unui numar de viitori maestri de arte martiale (dintre care unul era Bruce Lee). In Foshan (un oras renumit pentru artele martiale din sudul/centrul Chinei), un practicant modest al Wing Chung incearca sa reziste pasnic invaziei si ocupatiei japoneze a Chinei din 1937, dar este fortat in cele din urma sa intre in actiune. Actiunea care rupe membrele si pulverizeaza fata umple acest film semi-istoric, care reuseste glorios atat ca drama convingatoare, cat si ca momeala pentru fanii artelor martiale. — K. Alexander Smith

---

20. Fiica pierduta

Pe plaja pe care se odihneste cercetatoarea in literatura comparata Leda (Olivia Colman) in The Lost Daughter, cerurile sunt de un albastru cristal, plajele de un alb stralucitor, apa calda si translucida. Dar malul este infestat si de oameni grosolani, galagiosi; Fructul Ledei infectat de putregai malign; dormitorul ei contaminat cu insecte care scartaie; o papusa de fetita corupta de lichid negru nociv si insecte zvarcolitoare. Aceasta tensiune tonala este simptomatica pentru spiritul filmului: este un mar lucios, care se descompune rapid din interior spre exterior. Filmul are loc pe parcursul a cateva zile, in timp ce Leda se instaleaza intr-o vacanta de lucru fastuoasa. Relaxarea ei este intrerupta, totusi, cand isi pune ochii pentru prima data pe Nina (Dakota Johnson), o tanara mama frumoasa si de nepatruns. Leda devine obsedata de Nina, deoarece aceasta din urma reapara din neatentie amintiri tulburatoare ale experientelor suparatoare ale Ledei ca mama. Din acel moment, amintirile bantuitoare ale Ledei patrund in The Lost Daughter pana cand marul devine complet negru. In timp ce naratiunea in sine, adaptata dupa romanul omonim al Elenei Ferrante din 2006, este relativ simpla, regizorul de debut Maggie Gyllenhaal, care a scris si scenariul, abordeaza teme ale sexismului interiorizat si exteriorizat cu agilitate si complexitate. Starea mentala subtila si complexa a Ledei nu ar fi fost posibil de transmis daca nu ar fi fost sensibilitatea vizuala remarcabila a lui Gyllenhaal. Luptele Ledei sunt in mare parte interioare, dar sunt increzator ca povestirea tactila unica a lui Gyllenhaal spune mult mai mult decat ar putea vreodata cuvintele. Cand Leda mangaie papusa murdara a Elenei, atingerea ei este blanda si cumva plina de regret. Cand gliseaza un ac in palaria Ninei, suna sinistru ca o sabie dezvelita, dar plasarea ei atenta este aproape senzuala. Si cand o Leda mai tanara feliaza carnea unei portocale, sculptura ei neteda si plina de tact aproape ca se simte de rau augur. Regia extraordinara a lui Gyllenhaal, combinata cu performante exceptionale ale actritelor principale ale fiicei pierdute, culmineaza intr-o furtuna perfecta care ofera un portret perspicace al asteptarilor dureroase ale femeii. — Aurora Amidon

---

21. Mi-am pierdut corpul

In timp ce suntem la bord, cel putin pasiv, pentru oricate sequel-uri pe care Pixar doreste sa le ofere Toy Story, rabdator pentru oricat de mult ia o alta, I Lost My Body este un film de animatie singular, din ce in ce mai de genul care, sincer, nu are. nu ma mai fac. Partial pentru ca trasaturile desenate manual realizate de micile studiouri sunt mai rare ca niciodata, dar mai ales pentru ca este un film animat pentru adulti sfidator, inconjurat de povestiri oblice si plin de durere. Aparent despre o mana antropomorfa catarandu-se si fugind prin oras pentru a gasi persoana de care era atasata candva – povestea ruperii sale care iese incet la lumina – frumusetea imaginilor regizorului Jeremy Clapin, adesea acoperite de murdarie si decadere, este cat de revelatoare pot fi atunci cand sunt legate atat de irevocabil de perspectiva unei maini mici care navigheaza atat in ​​viata ei nastere in subteranul urban perfid, cat si in amintirile traumatizante ale trecutului corpului gazda. I Lost My Body este o realizare modesta, sfasietoare, pe care Academia trebuie sa o acorde acum mai mult ca niciodata prioritate fata de preturile de studiouri competente, asteptate. — Dom Sinacola

---

22. Christine

De ce jurnalista TV Christine Chubbuck si-a luat viata in fata camerei in 1974? Stralucirea acestei drame Antonio Campos este ca incearca sa raspunda la aceasta intrebare respectand totusi enormitatea si incognoscibilitatea unui act atat de violent si tragic. Rebecca Hall este importanta in rolul lui Christine, o femeie profund nefericita a carei ambitie nu a egalat niciodata talentul ei, iar actrita este incredibil de simpatica in acest rol. Pe masura ce ne apropiem de disparitia inevitabila a lui Christine, ajungem sa intelegem ca Christine nu este o persoana morbida, ci, mai degraba, o privire plina de compasiune asupra inegalitatii de gen si a singuratatii. — Tim Grierson

---

23. Vina!

Cand vine vorba de sci-fi industrial intunecat, Tsutomu Nihei este un vizionar. Antrenat ca arhitect inainte de a urma o cariera ca autor de manga, arta lui Nihei este in acelasi timp rara si labirintica, corpul sau de lucrari definit de o obsesie unificatoare pentru spatiile inventate. Fabrici bizantine cu accente gotice care se intind peste prapastii imposibile, populate de sintetoizi cu picioare arcuite si de pradatori macabri care propun sabii din oase zimtate si pistoale de cartila pulsate. Primul si cel mai faimos serial al sau, Blame!, este considerat textul cheie in mostenirea estetica a lui Nihei, mergand pana acolo incat inspira totul, de la jocuri video, la muzica si chiar arta si moda. Au fost facute incercari anterioare de a adapta seria intr-un anime, desi niciunul nu a reusit sa se materializeze cu succes. Adica pana acum. Cu sprijinul Netflix, Hiroyuki Seshita de la Polygon Pictures a lansat mult asteptatul Blame! film. Amplasat pe un Pamant din viitorul indepartat, consumat de o suprastructura masiva, auto-replicabila, cunoscuta sub numele de „Orasul”, Blame! il urmareste pe Killy, un singuratic taciturn, care rataceste straturile planetei in cautarea unui om care poseda „gena terminala net”, o trasatura evaziva considerata a fi singurul mijloc de a opri expansiunea ostila perpetua a orasului. Dispunand de un scenariu scris de Sadayuki Murai, renumit pentru ca a scris in seriale precum Cowboy Bebop si Perfect Blue al lui Satoshi Kon, si supravegheat de insusi Nihei, filmul lui Seshita prescurteaza multe dintre primele capitole ale manga si simplifica povestea intr-o naratiune si actiune cu totul mai mare. -afacere condusa. Directorul de arta Hiroshi Takiguchi reproduce cu pricepere estetica distinctiva a lui Nihei, obtinand culoarea ceea ce inainte era doar monocromatic, in timp ce Yuki Moriyama imbunatateste cu capacitate design-urile uniforme ale personajelor originalului, dand distributiilor sale trasaturi si siluete distincte, usor de identificat, care imbunatatesc considerabil analizabilitatea povestii. Vina! este o adaptare cat se poate de fidela si o introducere la fel de potrivita pentru serie ca si manga in sine. Vina! construieste un argument puternic pentru a fi nu numai unul dintre cele mai distractive filme anime din ultimul timp, ci si pentru a fi unul dintre, daca nu cel mai bun film anime original care a implinit Netflix de mult timp. — Tousaint Egan este o adaptare cat se poate de fidela si o introducere la fel de potrivita pentru serie ca si manga. Vina! construieste un argument puternic pentru a fi nu numai unul dintre cele mai distractive filme anime din ultimul timp, ci si pentru a fi unul dintre, daca nu cel mai bun film anime original care a implinit Netflix de mult timp. — Tousaint Egan este o adaptare cat se poate de fidela si o introducere la fel de potrivita pentru serie ca si manga in sine. Vina! construieste un argument puternic pentru a fi nu numai unul dintre cele mai distractive filme anime din ultimul timp, ci si pentru a fi unul dintre, daca nu cel mai bun film anime original care a implinit Netflix de mult timp. — Tousaint Egan

---

24. Gangster american

Cu American Gangster, Ridley Scott se intoarce la stilul mai masurat de filmare evidentiat in documentul sau SF Blade Runner. Abilitatile regizorului de a construi lumea, fara indoiala, sunt expuse pe deplin in timp ce recreeaza Harlem-ul de la mijlocul anilor ’70. Dar povestirea lui pune din nou prioritate caracterului in locul actiunii rapide. Denzel Washington si Russell Crowe, cu ajutorul unei distributii secundare talentate, lumineaza piesa acestui actor, transformand incantarea publicului dupa alta. Washington este Frank Lucas, candva mana dreapta a unui stapan al crimei din Harlem si, in cele din urma, cel mai puternic si independent dealer de heroina din New York City. Criminal sau nu, Lucas defineste visul american. Crowe este Ritchie Roberts, un politist prea cinstit, caruia i s-a acordat licenta de a crea o unitate independenta antidrog si se scufunda in Roberts, manifestandu-si abilitatile considerabile in fiecare cadru. Intre timp, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, Ted Levine si Armand Assante contribuie cu totii cu o forta si o credibilitate unica. Scott chiar ii face pe TI si RZA sa arate ca niste actori. Dar filmul apartine lui Washington si Crowe; prima rece si amenintatoare, cea din urma prabusita si dezordonata. Cand se ciocnesc in cele din urma, filmul declanseaza un overdrive. De la inceput pana la sfarsit, American Gangster trosneste doar cu spectacole care fac ca filmele de gen sa para arta. — Russ Fischer filmul devine overdrive. De la inceput pana la sfarsit, American Gangster trosneste doar cu spectacole care fac ca filmele de gen sa para arta. — Russ Fischer filmul devine overdrive. De la inceput pana la sfarsit, American Gangster trosneste doar cu spectacole care fac ca filmele de gen sa para arta. — Russ Fischer

---

9. Boogie Nights

Desi Boogie Nights a fost prima productie epica a lui Paul Thomas Anderson cu o distributie de ansamblu, timpul si perspectiva arata ca este cea mai apropiata perie de perfectiune. Autorul este specializat in construirea personajelor pentru a le descompune si nimeni in explorarea sa din 1997 a afacerii pornografiei nu este scutit de impulsurile sale deconstructive: putini regizori echilibreaza atat de perfect hilarul si ingrozitorul si si mai putini se bazeaza pe ironia dramatica pentru a realiza ambele. . Boogie Nights poate fi amuzant pentru ca personajele sale – de la tanara vedeta in ascensiune a lui Mark Wahlberg pana la starleta in declin a lui Julianne Moore si regizorul candva faimos al lui Burt Reynold, care trebuie sa se ocupe de o industrie care se schimba fara el – sunt atat de nefericite, dar ignoranta lor este la fel de sfasietoare; isi doresc cu seriozitate sa faca un produs bun, chiar daca se chinuie sa-si dea seama ce reprezinta calitatea. Pornografii fictivi ai lui Anderson se pot agata cu disperare si inutil de un timp inainte de actoria video si amatori, dar Anderson insusi a reusit sa scoata un film de doua ore si jumatate, care are grija sa nu depaseasca niciodata binevenitul, chiar si atunci cand cere „unul”. ultimul lucru.” — Allie Conti

---

26. Dick Johnson este mort

Daca fiecare mare documentar este despre responsabilitatea observatiei, atunci Cameraperson-ul lui Kirsten Johnson este si despre fragilitatea acelei observatii. Cu urmatorul ei, Dick Johnson Is Dead, Johnson continua sa interogheze aceasta fragilitate, creand o oda profund personala a ceea ce nu are control: moartea tatalui ei. Ajuta faptul ca Dick Johnson este un suflet neincetat, un barbat neincetat cald si radiant, inconjurat de prieteni, colegi si cunostinte care il iubesc cu totii in mod uniform, cu adevarat, dar din primele fotografii, Johnson arata clar ca natura minunata a tatalui ei nu va face decat sa spuna. la revedere de la el cu atat mai greu. Iar momentul in care trebuie sa faca asta se apropie din ce in ce mai mult. Impulsul ei, recunoaste ea fara tragere de inima, este partial egoist, deoarece decide sa-l ajute sa-l familiarizeze pe tatal ei cu sfarsitul vietii sale, reactionand in viniete cinematografice generoase multe moduri in care ar putea iesi, de la caderea aparatului de aer conditionat, la 2×4 cu unghii pe fata, pana la prabusirea pe scari pe scari, plina de gat rupt. . Cu cat Johnson se pierde mai mult in proiect, cheltuind mai mult efort pentru a consulta cascadorii si directorii de arta si membri ai echipajului asortat decat propriul ei tata (sta linistit pe platoul de filmare, de obicei dormea, fara sa deranjeze niciodata), cu atat isi da seama ca poate fi. exploatand pe cineva pe care il iubeste – cineva care incepe sa dea semnele alarmante ale dementei si nu mai poate intelege pe deplin conceptul inalt la care a fost de acord candva – pentru a-si potoli propria anxietate. Pe masura ce memoria tatalui ei se risipeste odata cu capacitatea lui de a avea grija de sine, Dick Johnson Is Dead satisface mai putin nevoia lui Dick de a-si pastra un sentiment de nemurire, decat nevoia fiicei sale, toata nevoia noastra, de a renunta. — Dom Sinacola

---

27. Mandarina

Unul dintre cei mai buni regizor de film Sean Baker, fabula lui Tangerine, despre lucratoarele sexuale de Craciun care navigheaza in dragoste si pierdere la Hollywood, este tot ceea ce este cunoscut pentru cei mai buni indie: intim, cald, prost, sincer si suficient de zguduitor. Filmat in intregime pe iPhone, acest film subversiv de sarbatori celebreaza familia gasita in magazinele de gogosi si spalatoriile si baile de la bar. Ne aminteste ca, uneori, cel mai bun cadou dintre toate este un prieten care iti imprumuta peruca in timp ce a ta este la spalat. Kitana Kiki Rodriguez si Mya Taylor poarta filmul in toata complexitatea sa emotionala si tonala, in timp ce interesul plin de compasiune al lui Baker pentru oamenii din afara marginilor face ca stilurile de gherila ale regizorului sa para mai iubitoare decat exploatatoare. Abordand subiectii sai cu empatie si oferindu-le atat de mult spatiu pentru a ne atrage in lumea lor, este cu totul in spiritul sarbatorilor – chiar daca o intalnire sexuala la spalatorie auto ar putea sa nu fie la fel de sanatoasa ca ceva de la Jimmy Stewart. Dar pentru un anumit tip de persoana si pentru prietenia foarte sigura a lui Tangerine, „Ajunul Craciunului Fericit, catea” este tot ce trebuie spus. — Jacob Oller

---

28. Imi pare rau ca te deranjez

Sorry to Bother You are atat de multe idei care ies din fiecare cusatura, atat de multa ambitie, atat de mult incat vrea atat de urgent sa spuna, incat mi se pare aproape prostesc sa subliniez ca filmul ajunge sa scape glorios de sub control. Acesta este primul film al rapperului si producatorului Boots Riley si arata, in toate felurile posibile – bun, rau, incredibil, ridicol – ca si cum nu ar fi stiut daca va fi vreodata in stare sa faca altul, asa ca a aruncat fiecare ideea pe care a avut-o vreodata in asta. Exista momente in Sorry To Bother You care te vor face sa vrei sa sari ametit prin teatru. Sunt si momente care te vor face sa te intrebi cine in lume i-a dat acestui nebun un aparat de fotografiat. (Unele dintre acele momente sunt si ele destul de ametitoare.) Primul il depaseste cu mult pe cel din urma. Lakeith Stanfield il joaca pe Cassius, un tip cu suflet bun care simte ca viata lui scapa de el si astfel isi incearca mana la telemarketing, esuand (intr-o serie de scene fantastice in care biroul lui cade literalmente in casele oricui numeste) pana cand un colegul (Danny Glover, interesant pana cand filmul il scapa complet) ii recomanda sa foloseasca „vocea alba” la apeluri. Dintr-o data, Stanfield suna exact ca David Cross in cea mai mare nazala si a devenit un superstar al companiei, ceea ce il conduce „la etaj”, unde „superchematorii” ca el merg dupa Glengarry. Acesta este doar punctul de lansare: de-a lungul timpului, intalnim un antreprenor de tip Tony Robbins (Armie Hammer) care ar putea fi si un comerciant de sclavi, iubita artistului radical a lui Cassius (Tessa Thompson), care poarta cercei cu atat de multe motto-uri incat este o minune ca ea. poate sa-si ridice capul, si un coleg revolutionar (Stephen Yeun) care incearca sa-i enerveze pe muncitori sa se razvrateasca impotriva stapanilor lor. Exista si multi alti oameni si doar unii dintre ei sunt pe deplin umani. Este destul de un film. — Will Leitch

---

29. RRR

O epopee telugu care rivalizeaza chiar si cu excesele exagerate ale filmelor de succes masive anterioare ale scriitorului/regizorului SS Rajamouli (cele doua filme Baahubali), titlul indragator de repetitiv si simplu al lui RRR reflecta o distractie de trei ore prin istoria coloniala indiana, plina de placerile primordiale ale fratie si baluri. Aproape din punct de vedere politic, povestea sa a celor mai mari stele incrucisate Alluri Sitarama Raju (Ram Charan) si Komaram Bheem (NT Rama Rao Jr.) este una axata pe contraste superficiale care mascheaza asemanari adanci. Bazat pe doi revolutionari supereroici – care nu au salvat niciodata, dar ar fi trebuit, sa salveze un copil, trecand simultan cu bungee o motocicleta legata si un cal peste parti opuse ale unui pod – eroii in contradictie reprezinta polii rurali si urbani care se opun colonizatorilor britanici. Caricaturi ale inimii urbane si ale fiarei nobile din spate, cele doua intruchipari ale mandriei culturale se lupta cu fiarele CG, britanicii ridicoli si intre ei – desi nu poti sa nu speri ca vor ajunge sa se tina strans. (Se ghemuiesc in timp ce calaresc unul pe celalalt. Haide.) Prietenia lor homoerotica stralucitoare, inainte si inapoi, merge pe o franghie narativa intinsa, dar cu filmul maximalist al filmului ca tija de echilibrare. O coloana sonora fenomenal de zgomot si amuzant insoteste unele dintre cele mai bombastice secvente de actiune ale anului si scene de dans fermecatoare, fara sa-si strice nici macar o mustata. Cele doua protagoniste musculoase si hiper-masculine se intind in comedie tacuta, pricepere muzicala in cantec si dans si coregrafie de lupta eleganta, ca genul de vedete care fac totul pe care pur si simplu nu le mai gasim in SUA. In timp ce calea lor tulbure din punct de vedere moral se dezlantuie impotriva raului pur al asupritorilor albi cruzi, orice indoiala ca RRR este un mit modern se estompeaza adanc in umbra junglei. Debordant de simboluri, stenografie politica si stereotipuri de tot felul, RRR se ridica, urla si se revolta cu putere cinematografica cruda — si suficienta densitate fascinanta pentru a justifica vizionarea si discutarea din nou si din nou. — Jacob Oller

---

30. Nu este un alt film pentru adolescenti

Este posibil ca Chris Evans sa fi trecut la lucruri mai mari si mai bune, dar performanta sa uluitor de eliberat de sine ca un joc amagit in parodia subgenului Not Another Teen Movie a fost un varf timpuriu pentru Captain America. Sustinut de o multime de replici citabile si de o estetica de taiat prajiturele taiata cu experienta de la regizorul si actorul principal al Comedy Central, Joel Gallen, Not Another Teen Movie este un raspuns hilar si ghimpat la valul de comedii sexuale incurcate pentru adolescenti care au avut loc din anii ’80 pana in 2001. eliberare. Practic, acest film a facut pentru adolescenti comenzii romantice ceea ce Walk Hard: The Dewey Cox Story a facut biopicurilor muzicale: parodia este atat de buna incat, dupa ce o vizionati, este greu sa luati in serios intrarile serioase. Adorabil, dar ascutit, filmul se intinde pe jos si pe fruntea inalta, cu mult succes, cu o Molly Ringwald suparata care finalizeaza totul intr-o cameo perfecta. — Jacob Oller

---

31. Mirai

Majoritatea, daca nu toate, filmele originale ale lui Mamoru Hosoda produse in ultimul deceniu functioneaza, intr-o masura sau alta, ca exercitii de autobiografie. Razboiul de vara, in afara de o premisa mai mult sau mai putin reciclata din debutul regizoral al lui Hosoda din 2000, Digimon Adventure: Our War Game!, a fost povestea de multe ori eliminata a lui Hosoda intalnindu-se pentru prima data cu familia sotiei sale. Copiii lup din 2012 a fost inspirat de moartea mamei lui Hosoda, animat partial de anxietatile si aspiratiile fata de perspectiva propriei sale parinte iminente. Baiatul si Bestia din 2015 a fost finalizat imediat dupa nasterea primului copil al lui Hosoda, rezultatul propriilor intrebari cu privire la rolul pe care un tata ar trebui sa joace in viata fiului sau. Mirai, al saptelea film al regizorului, nu este din experienta proprie a lui Hosoda, dar filtrat prin experientele primului sau nascut, intalnindu-si fratele bebelus pentru prima data. S-a spus ca are grija de perspectiva lui Kun (Moka Kamishiraishi), un copil mic care se simte deplasat si nesigur in urma nasterii surorii sale Mirai, Mirai este o drama fantastica de aventura frumoasa care duce spectatorul intr-o odisee uluitoare de-a lungul intregului arbore genealogic al lui Kun, culminand. intr-o concluzie uimitoare care subliniaza frumusetea a ceea ce inseamna sa iubesti si sa fii iubit. Mirai este cel mai realizat film al lui Hosoda, beneficiarul primei nominalizari la Premiul Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli si o experienta pe cat de edificatoare, pe atat de bucurie de privit. — Tousaint Egan un copil mic care se simte deplasat si nesigur in urma nasterii surorii sale Mirai, Mirai este o frumoasa drama de aventura fantastica care duce spectatorul intr-o odisee uimitoare de-a lungul intregului arbore genealogic al lui Kun, culminand cu o concluzie emotionanta care subliniaza frumusetea a ceea ce inseamna aceasta. a iubi si a fi iubit. Mirai este cel mai realizat film al lui Hosoda, beneficiarul primei nominalizari la Premiul Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli si o experienta pe cat de edificatoare, pe atat de bucurie de privit. — Tousaint Egan un copil mic care se simte deplasat si nesigur in urma nasterii surorii sale Mirai, Mirai este o frumoasa drama de aventura fantastica care duce spectatorul intr-o odisee uimitoare de-a lungul intregului arbore genealogic al lui Kun, culminand cu o concluzie emotionanta care subliniaza frumusetea a ceea ce inseamna aceasta. a iubi si a fi iubit. Mirai este cel mai realizat film al lui Hosoda, beneficiarul primei nominalizari la Premiul Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli si o experienta pe cat de edificatoare, pe atat de bucurie de privit. — Tousaint Egan beneficiarul primei nominalizari la Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli si o experienta pe cat de edificatoare, pe atat de bucurie de privit. — Tousaint Egan beneficiarul primei nominalizari la Oscar pentru un film anime neprodus de Studio Ghibli si o experienta pe cat de edificatoare, pe atat de bucurie de privit. — Tousaint Egan

---

32. Shirkers

An: 2018 Regizor: Sandi Tan Gen: Documentar Evaluare: NR Durata: 96 minute

A da sens trecutului cuiva poate fi atat o intreprindere pe tot parcursul vietii, cat si o propunere spinoasa. In Shirkers, romanciera Sandi Tan realizeaza cea mai dificila dintre ele, regandind un documentar despre ea insasi care nu este incantator sau demn de ingrozit. Dimpotriva, filmul ei este revigorant de sincer si de autocritic: poate fi vedeta serialului, dar are o poveste de spus si perspectiva potrivita pentru a o incadra in mod corespunzator. Tan povesteste documentarul ca pe o piesa de amintire, povestind copilaria ei in Singapore cu cea mai buna prietena a ei, Jasmine, unde erau cei doi copii grozavi din scoala lor destul de patrata, visand sa fie realizatori de film si sa-si lase amprenta. Pentru a promova aceasta ambitie, au colaborat cu o alta prietena, Sophia, la un road movie suprarealist numit Shirkers, care va fi regizat de mentorul lui Tan, un profesor mai in varsta, pe nume Georges, care s-a purtat ca cineva care isi cunostea drumul cu o camera de film. La sfarsitul adolescentei si poate indragostita de acest barbat care i-a aratat atata atentie — documentarul este captivant pe acest subiect — Tan a fost intoxicata de graba de a face un film pe care ea l-a scris si al carui vedeta ar fi fost. Deci cum de nu l-am vazut niciodata? Documentarul urmareste calatoria ciudata si misterioasa a proiectului, care a fost abatuta de Georges, strecurandu-se cu rolele de film cu o vaga promisiune de a termina lucrarea. Asta nu s-a intamplat niciodata, iar 20 de ani mai tarziu Tan decide sa deschida acele rani vechi, conectandu-se cu vechii ei prieteni si incercand sa stabileasca ce s-a intamplat cu Georges. Scene din filmul neterminat apar in Shirkers, anuntand publicul ca va exista o rezolutie fericita pentru cautarea lui Tan. Dar documentarul ajunge sa fie mai putin despre urmarirea recipientelor de film, decat sa fie o explorare a nostalgiei, prieteniei si atractiei mentorilor. Tan este o companie plina de viata si de sine statatoare – vocea ei are nuanta sardonica potrivita – dar vizitele ei cu Jasmine si Sophia sunt deosebit de dragute si luminoase, sugerand cum prietenii de o viata ne pot vedea in moduri in care noi nu putem. — Tim Grierson

---

33. Casa lui

Nimic nu absoarbe energia groazei decat filmele care retin groaza. Filmele pot speria publicul intr-o varietate de moduri, desigur, dar cel putin un film de groaza poate fi infricosator in loc sa se incurce. Casa lui a lui Remi Weekes nu se incurca. Filmul incepe cu o tragedie si, in 10 minute de la acea deschidere, indeparteaza cu usurinta The Grudge, lasand fantome presarate pe podea si pe scari unde protagonistii sai se pot impiedica de ele. In cele din urma, acesta este un film despre durerea innascuta inevitabila a povestilor despre imigranti, o piesa insotitoare a cinematografiei independente contemporane precum Mediterranea de Jonas Carpignano, care surprinde pericolele cu care se confrunta imigrantii pe drum si la destinatii cu o claritate neorealista brutala. Weekes este profund investit in Bol si Rial ca oameni, de unde provin, ceea ce i-a determinat sa plece, si mai ales ce au facut ca sa plece. Dar Weeks este la fel de investit in a-si face telespectatorii sa sara din pielea lor. — Andy Crump

---

34. Fratii Sparks

The Sparks Brothers este o evaluare si o apreciere amanuntita si fermecatoare a unei trupe idiosincratice, iar cea mai mare lauda pe care i-o poti oferi este ca impartaseste o sensibilitate cu muzicienii sai inimitabili. Nu este o sarcina usoara cand vine vorba de Ron si Russell Mael. Fratii din California au condus Sparks de la sfarsitul anilor ’60 (da, anii ’60), rasturnand genurile la fel de repede cu cat versurile lor fac si renunta la glume. Glam rock, disco, pionierat electronic – si chiar si atunci cand se cufunda in cele mai experimentale si orchestrale colturi ale intereselor lor muzicale, isi mentin un geniu constant power-pop sustinut de fluty pipes a lui Russell si clapele captivante ale lui Ron. Este aici, in gama incredibila a lui Sparks, dar personalitatea solidificata, ca incepi repede sa intelegi ca Fratii Sparks este casatoria a doi subiecti desavarsiti care impartasesc o misiune. Experti intr-o forma de arta care sunt interesati unul de celalalt, Ron si Russell se leaga de regizorul Edgar Wright din cauza dorintei ironice de a se distra si de a face si ea arta. Unul a facut o trilogie de parodii care se afla in varful genurilor sale individuale (filme cu zombi, politisti, SF). Ceilalti au facut melodii subversive precum „Music That You Can Dance To” care reusesc sa se potriveasca (si deseori sa depaseasca) chiar bops-urile pe care le epuizeaza. Puterile lor combinate, Fratii Sparks devine un documentar de muzica care este constient de sine si profund serios. Slapstick, cu o gama larga de clipuri de film vechi care ofera lovituri si prafalls, si gaguri vizuale scot supararea din capetele sale impresionante care vorbesc ori de cate ori arunca un cliseu de documentare muzicala geamanoasa. — Impingeti plicul? Asteptati-va sa vedeti un remorcher postal intre sotii Mael. Acest simt al umorului, care apreciaza cel mai prost fruct si cea mai inalta referinta pentru sprancene, provine din admiratia fratilor fata de cineasti francezi serios neseriosi precum Jacques Tati (cu care Sparks aproape ca a facut un film; amintiti-va, le plac filmele) si a unui afinitate deosebit de formativa pentru muzica britanica. Nu darama in totalitate fatadele, deoarece chiar si cele mai personale lucrari ale lui Wright inca se emotioneaza printr-un invelis protector de comedie fizica si referinte, dar aveti o idee despre Mael ca lucratori, frati, artisti si oameni in conditiile in care sunt confortabili. cu. Filmul de aproape doua ore si jumatate este o epopee, nu se poate nega asta. Nu veti avea nevoie de un alt film Sparks dupa acesta. Cu toate acestea, este mai putin o biografie finala, decat o invitatie,

---

35. Apostol

Dupa ce primele doua intrari din The Raid l-au transformat intr-o figura monolitica printre drogatii de film de actiune, Apostle functioneaza ca o introducere in intreaga lume in stilul visceral al regizorului galez Gareth Evans. Acolo unde primele sale filme aproape ca au prins viata estetica unui joc video – sunt aproape la fel de aproape de o adaptare pe marele ecran a Streets of Rage pe cat o veti gasi vreodata – Apostolul ar putea reprezenta la fel de bine dorinta lui Evans de a fi luat. serios ca regizor vizual si autor. Pentru a face acest lucru, a explorat un teren bine batut sub forma „filmului de infiltrare a cultului” rural, facand inevitabile comparatii cu The Wicker Man (sau chiar The Sacrament al lui Ti West). Cu toate acestea, Apostle isi face drum in conversatia de la sfarsitul anului despre cel mai bun cinema horror din 2018 prin stil pur si verva. Fiecare cadru este frumos compus, de la prevestitoarea sosire a personajului mocnit al lui Dan Stevens la complexul de cult al insulei, pana la Grand Guignol fantastic de nasol din actul al treilea, in care viscerele curg cu abandon hedonist. Evans stie exact cat timp sa treaca publicul cu un mister care arde incet inainte de a lasa barajele de sange sa se sparga; concluzia lui imbratiseaza atat nebunia supranaturala, cat si violenta umana incomod de realista. A disparut precizia de lupta din The Raid, inlocuita de un tip mai stangaci de salbaticie neplacuta, care este imputernicita nu de onoare, ci de credinta disperata. Evans concluzioneaza corect ca aceasta forma de violenta este mult mai infricosatoare. — Jim Vorel Evans stie exact cat timp sa treaca publicul cu un mister care arde incet inainte de a lasa barajele de sange sa se sparga; concluzia lui imbratiseaza atat nebunia supranaturala, cat si violenta umana incomod de realista. A disparut precizia de lupta din The Raid, inlocuita de un tip mai stangaci de salbaticie neplacuta, care este imputernicita nu de onoare, ci de credinta disperata. Evans concluzioneaza corect ca aceasta forma de violenta este mult mai infricosatoare. — Jim Vorel Evans stie exact cat timp sa treaca publicul cu un mister care arde incet inainte de a lasa barajele de sange sa se sparga; concluzia lui imbratiseaza atat nebunia supranaturala, cat si violenta umana incomod de realista. A disparut precizia de lupta din The Raid, inlocuita de un tip mai stangaci de salbaticie neplacuta, care este imputernicita nu de onoare, ci de credinta disperata. Evans concluzioneaza corect ca aceasta forma de violenta este mult mai infricosatoare. — Jim Vorel Evans concluzioneaza corect ca aceasta forma de violenta este mult mai infricosatoare. — Jim Vorel Evans concluzioneaza corect ca aceasta forma de violenta este mult mai infricosatoare. — Jim Vorel

---

36. Cealalta parte a vantului

La fel de stralucitor si de inexplicabil ca si titlul sau, Cealalta parte a vantului canta totusi cu forta miscarii sale care fluiera dincolo de constrangerile sale. Vantul sufla: Orson Welles il canaliza prin torporul sau provocat de studio/auto-provocat, in acest proces gasind o melodie organica – sau mai bine zis, jazz. Making-of-ul documentar They’ll Love Me When I’m Dead, lansat de Netflix pentru a merge cu acest film – cel mai bun moment al gigantului de streaming – il arata pe Welles, enorm si pe jumatate copt, descriind ceea ce el numeste „accidente divine”. Aceste accidente au fost responsabile pentru unele dintre cele mai bune detalii ale operei sale (in care locuieste Dumnezeu), cum ar fi spargerea oului in Touch of Evil; au fost ceva dupa care si-a propus sa urmareasca (cum ar fi urmarirea vantului) cu acesta, proiectul sau final, a fost lansat la cateva decenii dupa filmare, in timp ce Netflix si-a deschis cuferele pentru a deschide sicriul in care a fost inchisa filmarea bruta. Fostii sai parteneri de filmare, Peter Bogdanovich si Frank Marshall, isi respecta vechiul juramant fata de maestrul lor de a finaliza filmul pentru el si, gasind spiritul acestui lucru, ne ofera o capodopera pe care abia o meritam. Un accident divin. John Huston il joaca pe John Huston in rolul lui Jake Hannaford, care este si Orson Welles, incercand sa termine The Other Side of the Wind la fel cum Welles a incercat sa termine The Other Side of the Wind, de-a lungul anilor fara buget real si pe locuri. de-pantalonii-tuturor. In schimb, scenariul filmului este configurat pe parcursul unei seri si nopti, Hannaford este inconjurat de „discipoli” si colegi care sunt invitati la o petrecere pentru a proiecta unele dintre filmarile a ceea ce regizorul spera sa fie cea mai mare capodopera a sa, in ceea ce Welles spera sa fie a lui. Filmul din film este un riff pe film de arta, cu poate cele mai puternice clipuri la Michelangelo Antonioni si Zabriskie Point. Viata imita arta: casa lui Hannaford este chiar dupa coltul stancii de cea pe care Zabriskie a facut-o in bucati. Pe buna dreptate, acea casa este decorul pentru cea mai mare parte a filmului despre Hannaford, construit in teorie din imagini gasite de la paparazzii cineast. Densitatea este ametitoare, intelectul aprig. In ceea ce priveste filmografia lui Welles, este ca ultimul act din Citizen Kane simtit de Touch of Evil, apoi dezbracat si evidentiat de meta-punk-ul lui F for Fake. Nicio arta nu exista in vid, dar Cealalta parte a vantului, mai mult decat majoritatea, isi sangereaza propriul context. Este vorba despre Orson Welles, care se arata. Sinucidendu-se. — Chad Betz

---

37. O voce tacuta

Intr-un mediu care prea des se simte uneori constrans de primatul sensibilitatilor estetice masculine si saturat de portrete hipersexualizate ale femeilor codificate colocvial drept „serviciu de fani”, prezenta lui Naoko Yamada este o gura binevenita de aer proaspat, ca sa nu mai vorbim despre calitatea inimitabila a filmelor ei in sine. Inspirat de oameni precum Yasujiro Ozu, Alejandro Jodorowsky, Serghei Parajanov, Sofia Coppola si Lucile Hadzihalilovic, Yamada este un regizor prin excelenta, capabil sa atraga atentia si sa evoce melancolie si catarsis dulce-amarui prin compozitii delicate de sunet abil, montaj rapid, culoare efemera. palete si personaje cu vieti interioare bogate, pline de lupte noduri, care se pot identifica. A Silent Voice, adaptata dupa manga cu acelasi nume a lui Yoshitoki Oima, este un exemplu excelent al tuturor acestor sensibilitati in joc. Cand Shoya Ishida o intalneste in scoala elementara pe Shoko Nishimiya, o eleva surda transferata, el o agreseaza fara incetare, spre amuzamentul colegilor sai. Intr-o zi, cand Shoya merge prea departe, fortand-o pe Shoko sa se transfere din nou de teama propriei ei sigurante, el este marcat ca un paria de catre colegii sai si se retrage intr-o stare de izolare auto-impusa si de ura de sine. Ani mai tarziu, Shoya o intalneste din nou pe Shoko, acum in adolescenta, si incearca sa-si repare raul pe care i l-a provocat, totul in timp ce se lupta pentru a-si intelege propriile motivatii pentru a face acest lucru. A Silent Voice este un film de o profunzime emotionala extraordinara – un portret emotionant al abuzului adolescentului, al reconcilierii si al iertarii pentru raul comis de altii si de noi insine. — Tousaint Egan o hartuieste necrutator spre amuzamentul colegilor de clasa. Intr-o zi, cand Shoya merge prea departe, fortand-o pe Shoko sa se transfere din nou de teama propriei ei sigurante, el este marcat ca un paria de catre colegii sai si se retrage intr-o stare de izolare auto-impusa si de ura de sine. Ani mai tarziu, Shoya o intalneste din nou pe Shoko, acum in adolescenta, si incearca sa-si repare raul pe care i l-a provocat, totul in timp ce se lupta pentru a-si intelege propriile motivatii pentru a face acest lucru. A Silent Voice este un film de o profunzime emotionala extraordinara – un portret emotionant al abuzului adolescentului, al reconcilierii si al iertarii pentru raul comis de altii si de noi insine. — Tousaint Egan o hartuieste necrutator spre amuzamentul colegilor de clasa. Intr-o zi, cand Shoya merge prea departe, fortand-o pe Shoko sa se transfere din nou de teama propriei ei sigurante, el este marcat ca un paria de catre colegii sai si se retrage intr-o stare de izolare auto-impusa si de ura de sine. Ani mai tarziu, Shoya o intalneste din nou pe Shoko, acum in adolescenta, si incearca sa repare raul pe care i l-a provocat, totul in timp ce lupta pentru a-si intelege propriile motivatii pentru a face acest lucru. O voce tacuta este un film de o profunzime emotionala extraordinara – un portret emotionant al abuzului adolescentului, al reconcilierii si al iertarii pentru raul comis de altii si de noi insine. — Tousaint Egan este marcat ca un paria de catre semenii sai si se retrage intr-o stare de izolare si auto-ura de sine impusa. Ani mai tarziu, Shoya o intalneste din nou pe Shoko, acum in adolescenta, si incearca sa-si repare raul pe care i l-a provocat, totul in timp ce se lupta pentru a-si intelege propriile motivatii pentru a face acest lucru. A Silent Voice este un film de o profunzime emotionala extraordinara – un portret emotionant al abuzului adolescentului, al reconcilierii si al iertarii pentru raul comis de altii si de noi insine. — Tousaint Egan este marcat ca un paria de catre semenii sai si se retrage intr-o stare de izolare si auto-ura de sine impusa. Ani mai tarziu, Shoya o intalneste din nou pe Shoko, acum in adolescenta, si incearca sa-si repare raul pe care i l-a provocat, totul in timp ce se lupta pentru a-si intelege propriile motivatii pentru a face acest lucru. A Silent Voice este un film de o profunzime emotionala extraordinara – un portret emotionant al abuzului adolescentului, al reconcilierii si al iertarii pentru raul comis de altii si de noi insine. — Tousaint Egan reconciliere si iertare pentru raul facut de altii si de noi insine. — Tousaint Egan reconciliere si iertare pentru raul facut de altii si de noi insine. — Tousaint Egan

---

38. Vaneaza oamenii salbatici

An: 2016 Regia: Taika Waititi Vedete: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby Gen: Comedie, Drama Evaluare: NR

Prima intalnire a Bellei (Rima Te Wiata) cu Ricky (Julian Dennison), noul copil adoptiv pe care a acceptat sa-l ia, nu ii inspira incredere, mai ales cu glumele ei stangace in detrimentul greutatii lui. La randul sau, cu reprezentanta serviciilor pentru copii Paula (Rachel House) care il picteaza pe Ricky ca pe un copil salbatic nestapanit, ne temem de perspectiva de a-l vedea pe copil plimbandu-se peste aceasta eventuala mama din capul ei. Dar Bella il oboseste cu bunatate. Si Ricky ajunge sa fie mai putin dur decat a incercat initial sa proiecteze el – cu pasiunea lui pentru gangsta rap si tot ceea ce inseamna asta. O adaptare a romanului lui Barry Crump Wild Pork and Watercress, Taika Waititi’s Hunt for the Wilderpeople prospera pe notiuni preconcepute rasturnate. Regizorul arata simpatie pentru inocenta lui Ricky, care se reflecta in stilul de mare aventura al filmului. Panoramele spectaculoase si colorate ale fotografului Lachlan Milne si o structura narativa bazata pe capitole ofera Hunt for the Wilderpeople senzatia unei fabule de carti de povesti, dar datorita dinamicii calde dintre Ricky si Hec (Sam Neill), chiar si cele mai capricioase momente ale filmului poarta un sentiment de durere subiacenta reala: ambele personaje sunt straini care, in cele din urma, cauta o casa pe care sa o numeasca proprie. — Kenji Fujishima

---

39. Ma gandesc sa termin lucrurile

Multi spectatori se vor gandi sa incheie I’m Thinking of Ending Things nu mult timp dupa ce a inceput. O cascada incrucisata de fotografii brute detaliaza interiorul unei ferme sau al unui apartament sau interiorul unui interior. O femeie pe care nu am vazut-o inca este practic la mijlocul naratiunii, spunandu-ne ceva pentru care nu avem context. Se simte gresit, dezamagitor. Ceva nu este in regula. Nu asa ar trebui sa functioneze filmele. In sfarsit o vedem pe femeie, interpretata genial de Jessie Buckley. Ea sta pe strada in timp ce fulgii de zapada umflati incep sa cada, ca si cum am fi cu ea intr-un glob de zapada 3D. Ea ridica privirea la o fereastra cu cateva etaje in sus. Vedem un batran care se uita pe fereastra. Il vedem pe Jesse Plemons privind in jos pe fereastra. Il vedem pe Jesse Plemmons in urmatoarea fotografie, ridicandu-l pe Jessie Buckley in masina sa uzata. Muzica de film sclipeste si se invarte. Lucy sau Lucia sau Amy a lui Jessie Buckley se gandeste sa incheie lucrurile cu Jake al lui Jesse. Lucrurile nu vor merge nicaieri bine, pare sa fie rationamentul. Jake conduce masina si uneori vorbeste; comportamentele lui par destul de consistente pana cand nu sunt, pana cand un gest fierbe ca un obiect strain de la alt eu. Louisa sau Lucy apare, un izvor de personalitate, cunostinte si interese. Dar uneori incetineste pana la un picurator sau este tacuta si dintr-o data este altcineva care este aceeasi persoana, dar poate cu amintiri diferite, interese diferite. Uneori e pictor, alteori fizician, alteori nici unul. Jessie si Jesse sunt grozavi. Performantele si personajele lor sunt greu de descris. Cel mai bun film din 2020 este groaznic sa fie un „film. ” Nu subscrie la tipare, ritmuri sau tropi comune. Nici macar nu incearca sa fie un film grozav, intr-adevar, pur si simplu incearca sa disece viata mintii celuilalt si sa faca asta prin orice mijloace cinematografice posibile. Constientizarea de sine a filmului ar fi putut fi insuportabila, cu exceptia faptului ca constientizarea (si experienta noastra fragmentara a acestuia) este atat de in intregime scopul a tot ceea ce filmul este invelit in interior si care este invelit in el. A spune ca filmul accepta atat frumusetea, cat si uratenia vietii ar fi o platitudine pe care filmul insusi o respinge. A spune ca „dragostea invinge totul”, chiar mai mult. Dar aceste adevaruri false zboara in si despre viziunea periferica a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — Chad Betz si sa faca asta prin orice mijloace cinematografice posibile. Constientizarea de sine a filmului ar fi putut fi insuportabila, cu exceptia faptului ca constientizarea (si experienta noastra fragmentara a acestuia) este atat de in intregime scopul a tot ceea ce filmul este invelit in interior si care este invelit in el. A spune ca filmul accepta atat frumusetea, cat si uratenia vietii ar fi o platitudine pe care filmul insusi o respinge. A spune ca „dragostea invinge totul”, chiar mai mult. Dar aceste adevaruri false zboara in si despre viziunea periferica a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — Chad Betz si sa faca asta prin orice mijloace cinematografice posibile. Constientizarea de sine a filmului ar fi putut fi insuportabila, cu exceptia faptului ca constientizarea (si experienta noastra fragmentara a acestuia) este atat de in intregime scopul a tot ceea ce filmul este invelit in interior si care este invelit in el. A spune ca filmul accepta atat frumusetea, cat si uratenia vietii ar fi o platitudine pe care filmul insusi o respinge. A spune ca „dragostea invinge totul”, chiar mai mult. Dar aceste adevaruri false zboara in si despre viziunea periferica a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — Chad Betz A spune ca filmul accepta atat frumusetea, cat si uratenia vietii ar fi o platitudine pe care filmul insusi o respinge. A spune ca „dragostea invinge totul”, chiar mai mult. Dar aceste adevaruri false zboara in si despre viziunea periferica a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — Chad Betz A spune ca filmul accepta atat frumusetea, cat si uratenia vietii ar fi o platitudine pe care filmul insusi o respinge. A spune ca „dragostea invinge totul”, chiar mai mult. Dar aceste adevaruri false zboara in si despre viziunea periferica a filmului: iluzii sau fantome, dar binevenite. — Chad Betz

---

40. Ata fantoma

Phantom Thread este un film atat de minunat realizat, atat de meticulos in constructie, atat de profund simtit in executie, incat aproape ca poti trece cu vederea cat de intepator si scabrus este. Acesta trebuie sa fie cel mai delicios film de vizionat vreodata, care este in mare parte despre cat de egocentrica si inflexibila poate fi lumea relatiilor, despre cum putem renunta doar la atat de mult din noi insine si depinde de partenerul nostru. sa-si dea seama cum sa se ocupe de asta, daca doresc deloc. Acesta este un film fara compromisuri despre doi oameni intransigenti care incearca sa traiasca unul cu celalalt fara a-si pierde o parte prea mare din ei insisi si despre lungimile uneori extreme pe care le vor face pentru a-si ajunge. Daniel Day-Lewis il interpreteaza pe Reynolds Woodcock, un croitor de renume mondial care imbraca celebritati, regale si, uneori, spre supararea lui, vulgari bogati declassati. Aproape tot ceea ce nu corespunde standardelor sale exigente este vulgar, pana cand intr-o zi, in mediul rural englezesc, Reynolds da peste o chelnerita pe nume Alma (Vicky Krieps), care indeplineste ambele cerinte fizice ale lui Reynolds (mai ales pentru a putea face rochii pentru ea). si are o anumita doare pe care o gaseste instantaneu fascinanta. Ambii protagonisti ai Phantom Thread sunt absurdi si nebuni in felul lor, iar unul dintre multele emotii ale filmului este sa-i vezi cum se ciocnesc unul de celalalt, apoi se ciocnesc din nou. Este cea mai ciudata poveste de dragoste, atat de ciudata incat nici macar nu sunt sigura ca este vorba deloc despre dragoste. Colegul meu Tim Grierson a spus acest lucru mai intai, dar este o observatie prea buna pentru a o ignora: acest film este in mare parte despre incognoscibilitatea absoluta a relatiilor celorlalti. Din afara, nu are sens ca Reynolds si Alma sa aiba o astfel de conexiune unul cu celalalt; este greu de spus ce scoate oricare dintre persoane din asta. Dar ceea ce este insondabil la el este si ceea ce il face atat de puternic. — Will Leitch

---

41. romi

An: 2014 Regia: Alfonso Cuaron Vedete: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta b>Gen: Drama Evaluare: R

Cel mai intim film al lui Alfonso Cuaron este si cel mai indepartat. Camera sta pe spate, alb-negru, concentrata nu asupra copiilor burghezi care il reprezinta pe directorul-scriitor-regizor si pe fratii sai care au crescut in Mexico City cu cateva decenii in urma, ci mai mult pe femeia indigena (Yalitza Aparicio) care ii pasa de ei si gospodaria. Nici macar concentrat in totalitate asupra ei, poate mai concentrat pe compozitiile sale clasiciste ale unui loc care nu mai exista in felul in care Cuaron isi aminteste. Camera priveste si se misca in secventiere transplan, oferindu-ne elemente de prim-plan, de mijloc si de fundal intr-o claritate digitala absoluta. Mixul de sunet este Dolby Atmos si invaluitor. Dar estetica si naratiunea de baza sunt Fellini, sau neorealismul mexican de mult pierdut, sau Timpul de joaca al lui Tati, dar cu gaguri de vedere inlocuite de preocupare sociala si reverie personala. Rezervati si captivanti, introspectivi si cu privire la exterior, vechi si noi — unii i-au acuzat pe romi ca sunt prea calculati in ceea ce incearca sa faca, actul de echilibru pe care incearca sa il realizeze. Poate ca nu gresesc, dar Cuaron are meritul imens ca tehnician atent si povestitor ca, de fapt, reuseste. Rezultatul este o experienta cinematografica singulara, una care recreeaza ceva ce s-a pierdut si apoi il navigheaza in asa fel incat sa gaseasca povestea emergenta, apoi sa gaseasca impactul emotional. Asa ca atunci cand ajungem in acel moment tarziu in Roma, nici macar nu ne dam seama de procesul lent si organic prin care am fost investiti pe deplin in film; nu suntem pregatiti sa fim loviti la fel de tare ca atunci cand vin zgomotele si valurile se prabusesc. Este aproape insuportabil, dar o suportam pentru ca ne pasa de acesti oameni cu care ne-am implicat. Si asa este viata. — Chad Betz

---

42. Puterea cainelui

Bazat pe romanul cu acelasi nume din 1967 al lui Thomas Savage, mult asteptata revenire a lui Jane Campion la mediul cinematografic – dupa Bright Star din 2009 si anii urmatori petrecuti lucrand in televiziune – se simte potrivita pentru un regizor care a demonstrat pricepere in crearea unui atmosfera de neliniste acuta. Si asa este si pentru Puterea cainelui, un film cu o perpetua zvacnire, purtat de sentimentul omniprezent pe care cineva s-ar putea rupe in orice moment – ​​pana cand o fac. In 1925, Montana, fratii Phil (Benedict Cumberbatch) si George Burbank (Jesse Plemons) sunt crescatori de vite prosperi, dar frati incompatibili. Phil este imaginea suprema a machismului, chinuit in jurul fermei impodobite vreodata in tinuta lui de cowboy si un strat gros de murdarie pe fata, o tigara rulata atarnand de buza de jos; un personaj care actioneaza sfidand munca din trecut a lui Cumberbatch. Phil se opune atat de mult la orice, chiar si adiacent cu ceea ce ar putea fi considerat „feminin”, incat lucruri precum scaldat, cantatul la un instrument care nu este un banjo si doar a fi dragut cu femeile sunt tipurile de activitati care l-ar putea determina pe Phil sa-l intrebe „Baieti, este gay daca…?” pe Twitter. De la castrarea taurilor din ferma Burbank, pana la statutul lui Phil ca oaia neagra a respectabilei sale familii, pana la natura peisajului vestic legat de performanta masculina a lui Phil, subtextul este atat de hamfist vizual incat ramane subtextual doar in virtute. ca nu este rostita direct cu voce tare. Insa stangacia din abordarea filmului asupra subiectului sau este sustinuta de performante convingatoare pe toate planurile – in special de la Cumberbatch, a carui intruchipare a unui fermier murdar si murdar este la inceput un fel de ras de necrezut in raport cu spectacolele care au definit cariera englezului. Dar, poate, tocmai din cauza acestui contrast cu rolurile sale din trecut, Cumberbatch reuseste sa se potriveasca atat de acut in personajul lui Phil, purtand cu el o stanjenie si neliniste inerente in propria sa piele, in ciuda terorii pe care o loveste in inima lui. cineva ca Rose. El este egalat de partitura infioratoare, compusa de inimitabilul Johnny Greenwood (The Master, Phantom Thread) si cinematografia impecabila a lui Ari Wegner (Zola, The True History of the Kelly Gang), care formeaza o uniune perfecta de tensiune, intimitate si izolare. intr-un film in care sunetul fiecarei felii, taieturi si clic evoca aceeasi senzatie suparatoare, indiferent de sursa. Ce inseamna sa fii barbat? Puterea cainelui ia in considerare intrebarea, dar nu ii raspunde niciodata. In schimb, este preocupata de un fenomen atemporal: suferinta indurata de dragul barbatiei insasi. — Brianna Zigler

---

43. Procesiune

In filmele sale, Robert Greene a incercat sa aduca trecutul alienat in prezent. Kate Plays Christine, din 2016, foloseste pregatirea lui Kate Lyn Sheil pentru a o interpreta pe Christine Chubbuck – prezentatoarea de stiri care s-a sinucis in emisie cu 42 de ani mai devreme – in parte pentru a naviga in responsabilitatile unui actor atunci cand incearca sa reinvie o persoana reala retrogradata in folclor. Bisbee ’17 din 2018 a descris reconstituirea, cu ocazia celei de-a 100-a aniversari a evenimentului, a indepartarii si abandonarii fortate a peste 1.200 de mineri grevitori din casele lor in desertul Arizona. Pe masura ce membrii comunitatii Bisbee isi asuma rolurile atat de batausi corporativi deputati, cat si de lucratori care cer vieti mai bune, in multe cazuri locuind in personajele propriilor stramosi, ei ajung sa inteleaga mai bine influenta pe care o astfel de istorie o detine si astazi. Chiar si in actrita, Portretul lui Greene din 2014 cu Brandy Burre revenind la actorie in timp ce isi reinventeaza viata personala, reevaluarea trecutului este un act de preluare a controlului. Cand Burre se intoarce incet pe scena, interactionand cu vechii prieteni si cu entuziasmul visceral de a fi in fata unui public, incepe sa-si indrepte viata departe de o casnicie toxica si sa se defineasca din nou. Isi da seama ca nu mai este obligata sa se tina de vechiul ei sine. Procession, cel mai recent film al lui Greene si primul sau pentru Netflix, este din nou despre achitarea prezentului de trecut. Incepe cu o conferinta de presa din 2018 in Kansas City, Missouri. Avocata Rebecca Randles este alaturi de trei dintre supravietuitori, afirmand ca pot chema peste 230 de membri ai clerului catolic cunoscuti din zona Kansas City, parte a unei retele extinse de abuzuri sexuale. Vazand asta, Greene i-a adresat lui Randles ideea de a folosi terapia dramatica, indrumata indeaproape de dramaterapeutul inregistrata Monica Phinney, pentru a oferi unui mic grup de supravietuitori sansa de a-si transforma cosmarurile in ceva dramatic, pentru a-si transforma potential trauma in ceva care poate supravietui. Procession prezinta aceasta abordare: sase barbati care scriu scenarii, storyboarding, scouting locatie si in cele din urma filmeaza cele mai proaste amintiri ale lor, oricum doresc sa le interpreteze, intercalate cu rezultatele finalizate. Tanarul actor care joaca in fiecare dintre segmente, Terrick Trobough, petrece o mare parte din film in compania celor sase supravietuitori, ascultandu-le povestile si facandu-si linistit, profesional, treaba. El ii vede ca plang si lovesc cu pumni in lucruri si se disociaza, nu pentru ca sunt fragile, ci pentru ca sunt rupte. Terrick raspunde ca el crede povestile lor. Mai tarziu, cu Dan (unul dintre supravietuitori) urmarind un moment emotionant, Terrick il intreaba: „Ce mai faci?” Poate ca este politicos, dar micile gesturi de empatie ale lui Terrick stralucesc puternic. La fel si Procession, cand frumusetea filmului lui Greene satisface inteligenta si claritatea metodelor sale. „Sper ca puterea pe care ai aratat-o ​​sa fie rasplatita cu pace si multumire”, isi spune un alt supravietuitor aproape de sfarsitul filmului, ajungand la zeci de ani in trecut. Un prim-plan al fetei sale arata publicului daca aceasta speranta a fost rezolvata. Este foarte bun kino.—Dom Sinacola cand frumusetea filmului lui Greene satisface inteligenta si claritatea metodelor sale. „Sper ca puterea pe care ai aratat-o ​​sa fie rasplatita cu pace si multumire”, isi spune un alt supravietuitor aproape de sfarsitul filmului, ajungand la zeci de ani in trecut. Un prim-plan al fetei sale arata publicului daca aceasta speranta a fost rezolvata. Este foarte bun kino.—Dom Sinacola cand frumusetea filmului lui Greene satisface inteligenta si claritatea metodelor sale. „Sper ca puterea pe care ai aratat-o ​​sa fie rasplatita cu pace si multumire”, isi spune un alt supravietuitor aproape de sfarsitul filmului, ajungand la zeci de ani in trecut. Un prim-plan al fetei sale arata publicului daca aceasta speranta a fost rezolvata. Este foarte bun kino.—Dom Sinacola

---

44. Mitchells vs. Masinile

Diviziunile generationale animate nu au fost niciodata mai asemanatoare cu un carnaval SF decat in ​​The Mitchells vs. the Machines. Debutul in lungmetraj al scriitorului/regizorului Mike Rianda (el si co-scenariul/regizorul Jeff Rowe s-au facut bine in serialul excelent infricosator si prostesc Gravity Falls) este in egala masura absurd, indragator si terifiant. Este usor sa te simti la fel de pierdut sau de coplesit de luminile intermitente si de privelisti exilante precum familia centrala care se lupta intr-o parte a meciului de ranchiuna al titlului, dar este la fel de usor sa iesi cu bucuria epuizata a unei excursii indelungate si obosite in parc tematic. Familia sa incorporata in gen explodeaza prin fiecare cadru dezordonat si plin, ca si cum ar incerca sa scape (de multe ori sunt) si, in acest proces, creeaza cea mai energica si indrazneata comedie animata de pana acum in acest an. Si premisa ei incepe atat de umil. Realizatorul si animatorul Katie (Abbi Jacobson) pleaca de acasa la facultate si, pentru a ajunge acolo, trebuie sa plece intr-o excursie cu familia ei: Rick (Danny McBride), tatal ei ludit in aer liber; Linda (Maya Rudolph), mama ei de pace; si Aaron (Rianda), fratiorul ei dino-focus. S-ar putea sa ghicesti ca Katie si tatal ei nu vad intotdeauna ochi in ochi, chiar si atunci cand ochii lui Katie nu sunt lipiti de telefonul sau laptopul ei. Acea tehnocritica, in care „timpul pe ecran” este o expresie murdara, iar figura tatalui care isi schimba bastonul si care construieste cabane vrea ca familia sa sa experimenteze lumea reala, ar putea fi la fel de hacker ca cel de-al doisprezecelea sezon al unui sitcom Tim Allen. The Mitchells vs. the Machines scapa de acest pericol nu numai printr-o nuanta intentionata in scrisul sau, ci si printr-o mare anti-nuanta: la jumatatea calatoriei, companiile tehnologice diabolice dau peste cap si robotii cultivati cu telefoane decid sa impuste toti oamenii in spatiu. Acest film avea nevoie de ceva atat de mare narativ pentru a-si sustine imaginile glorioase ale chiuvetei de bucatarie. Filmul Sony foloseste o parte din aceeasi tehnologie care a facut ca Spider-Man: Into the Spiderverse sa arate atat de clar si unic, adaugand umbriri comice CG-ului sau expresiv. De fapt, odata ce unele dintre cele mai ciudate setpieces decoleaza, nu ai fi surprins sa-l vezi pe Miles Morales intervenind pentru a salva ziua. Rotirea lui Mitchells vs. Machines asupra esteticii Spidey vine de la Katie, obsedata de meme si filme, a carei imaginatie patrunde adesea in lumea reala si ale carei doodle-uri bizare, neon si pline de filtre ornamenteaza paleta deja incitanta a filmului cu o ciudatenie exploziva. . Acest stil unic si inteligent se potriveste bine cu The Mitchells vs.

---

45. The Sea Beast

Watch on Netflix

When cartographers allowed their senses of imagination and self-preservation to fill the unexplored regions of their maps, they used to warn of creatures like lions, elephants and walruses. Creatures beyond understanding, with teeth and trunks and tusks easy to caricature into danger. But we mostly remember that when you sail to the faded edge of knowledge, there be dragons. The Sea Beast deftly hones this ancient human fear into a sharpened spear tip, striking at ignorance. Its swashbuckling adventure navigates a sea filled with massive critters sure to whet kids’ appetites for piracy, Godzilla films and exciting animation. The first movie from longtime Disney story staple Chris Williams after leaving the House of Mouse for Netflix, The Sea Beast is, to paraphrase Jared Harris’ Ahab-like Captain Crow, all piss and vinegar. That the film even alludes to the phrase, and drops a few other lightly-salted lines you might expect from some seasoned sea dogs, is indicative of its separation from the sanitized juggernaut. It looks violence in the eye; it isn’t afraid to make its threats real. All rightfully so. Telling a tall tale of hunters—mercenary crews funded by a colonialist crown to take out the kaijus populating the ocean—wouldn’t be right without at least a little edge. Our way into the world, the young Maisie (Zaris-Angel Hator), has experienced its dangerous realities firsthand: Her parents went down with a ship, leaving her as one of dozens of hunter orphans. But that hasn’t stopped her from lionizing her martyred family (something explicitly encouraged by the monarchy) and seeking her own glory. Stowing away on Crow’s ship, the Inevitable, she and the capable Jacob (Karl Urban) find themselves confronting the legendary ambitions they’ve built up in their own heads. Williams and co-writer Nell Benjamin immediately drop us into the Inevitable’s quest to take out Crow’s toothy and horned Red Whale, dubbed the Red Bluster, with total confidence that there’s no time like maritime. As our eyes roll and pitch across the impressively realistic waves and our ears try to follow the meticulously detailed helmsmanship, the hunting scenes ensnare us like the catch of the day. We understand the hierarchy of the diverse crew, the honor code among hunters, the tactics needed to take down imposing creatures that look like Toho turned their greatest hits into Pokemon. It’s savvy and respectful writing, put into legible action by Williams’ skilled hand, that trusts in its setting and subject matter to be inherently cool, and in its audience to greedily follow along. By the time the lances are flying, the cannons are firing and the creatures are dying—or are they?—you’re as deeply hooked as any dad watching Master and Commander. A delightful new-school deconstruction of old-school Romantic adventure that never compromises on the lushness of setting, color and emotion inherent in the latter, The Sea Beast rises to the front of Netflix’s animated offerings like a high tide.—Jacob Oller

---

46. Ma Rainey’s Black Bottom

Watch on Netflix

Fittingly, Chadwick Boseman’s final role is all about the blues. The late actor’s appearance in Netflix’s Ma Rainey’s Black Bottom, the August Wilson adaptation from director George C. Wolfe and writer Ruben Santiago-Hudson, is equal parts actorly showcase, angry eulogy and comprehensive lament—boiled together in the sweaty kitchen of a ‘20s Chicago recording session. A story of ambition’s multiple facets and eventual endpoints, Ma Rainey revolves around those orbiting its title character (Viola Davis). She’s a blues legend at the top of her game, finally appreciated (at least in some parts of the country) and ripe for exploitation by white men in suits. As if she’d let them. She’s comfortably late to record an album, leaving everyone else to kick up their heels and shoot the shit in true Wilson style—with Santiago-Hudson finding the essence of Wilson’s work. Davis’ brutal performance, made all the more potent by her avalanche of makeup and glistening sweat, perfectly sets the scene. She, alongside loosened neckties and whirring fans, gives the film its intended temperature and gravity so that Boseman and the rest of her band members can zip around like fireflies ambling in the summer heat. With tragic serendipity, Boseman leaves us a gift: he is on fire. Lean, with the camera placements and props emphasizing his gangly limbs (there’s a reason he wields a squashed and squat flugelhorn, a jazz staple that happens to work better visually), Levee is a highly physical role despite the chatty source material: It’s all about capturing attention, sometimes literally tap-dancing for it, with any ounce of shame overrun by an anxious energy. High-strung, twitchy and tense during a nearly five-minute monologue, Levee seems to sense the window to his dream is closing: Time is running out. Ma Rainey’s Black Bottom is more than Boseman’s performance, sure, with Davis and Colman Domingo going on some delicious tears of their own and Wilson’s words continuing to sear and soar in equal measure. But Boseman’s ownership of the film, an Oscar-worthy snapshot of potential and desire, gives an otherwise lovely and broad tragedy something specific to sing about.—Jacob Oller

---

47. The Hand of God

Watch on Netflix

Paolo Sorrentino bookends his new coming-of-age opus, The Hand of God, with divine representation, and spends every moment in between grousing over life’s endless parade of disappointment. Humanity is dreadful. Everything is a failure. Reality is lousy. “What a shitty world this is,” one woman opines around 45 minutes into the movie. “You go buy dessert and when you get back, your husband’s in jail.” The details are irrelevant. It’s the sentiment that lands. The dialogue reads like Sorrentino soliloquizing via his characters, airing grievance after grievance about the grounding effect of The Hand of God’s story on its plot: Set in 1980s Naples, attending to the rich, boring routine comprising the comings and going of the tight-knit family Schisa—father Saverio (Toni Servillo) and mother Maria (Teresa Saponangelo), and their sons, eldest Marchino (Marlon Joubert) and youngest Fabietto (Filippo Scotti)—Sorrentino constructs the film with fewer surrealist flourishes than in his latter-day works, a la 2018’s Loro, 2015’s Youth and 2013’s The Great Beauty, where a man makes a giraffe disappear into thin air in the middle of a Roman colosseum. Placed next to these pictures, The Hand of God is downright normal. Normalcy may not satisfy Sorrentino’s characters, whether principle or supporting, but The Hand of God finds abundance in quotidian Italian conventions: Abundance of meaning, abundance of beauty, abundance of comedy, and so as to avoid burying the lede, The Hand of God is consistently hilarious for the first hour or so (an opening scene of domestic violence notwithstanding). The Hand of God isn’t escapism, contradicting Fabietto’s late-stage career goals. It is an entertaining hoot and a poignant drama that mellows into an exercise in bereavement in its second half, where Fabietto takes his mind off of a world-shattering tragedy by fanboying out over Capuano and getting into trouble with Armando (Biagio Manna), Sorrentino’s secret weapon: A gregarious cigarette smuggler whose wild streak belies abiding loyalty to whomever he calls “friend.” It’s impossible to keep up. The Hand of God doesn’t try to. Instead, guided by Fabietto, the movie takes its time. It watches. It breathes. It captures life with a clarity even Sorrentino’s best efforts haven’t quite—which makes it his best effort to date.—Andy Crump

---

48. The Body Remembers When the World Broke Open

Watch on Netflix

Nothing pays off in The Body Remembers When the World Broke Open. Every narrative detail, demanding resolution, goes mostly unnoticed: When Rosie (Violet Nelson) takes money from Aila’s (co-director Elle-Maija Tailfeathers) purse, for example, we expect that the ensuing time they spend together, the 90 minutes or so, will teach Rosie a lesson, will encourage her to return the bills. That doesn’t happen. Instead, The Body Remembers When the World Broke Open tells of a chance meeting between two First Nations women, divided by socioeconomic stability but united in having both just experienced violations—Rosie’s is the latest in a string of domestic abuse incidents, while Aila’s had an IUD inserted amidst a cold, impersonal procedure, shot by cinematographer Norm Li on 16mm with a commitment to capturing Aila’s every near-traumatized grimace and wince. Li follows Aila from the office, into the street, where she spots Rosie barefoot in the rain, maybe in shock, and from there the two escape Rosie’s infuriated boyfriend to Aila’s dry, airy loft apartment. Li is always just behind, the rest of the film edited together into one, continuous shot as Aila tries to figure out what to do to help Rosie, and Rosie tries to figure out how to keep from being victimized by virtue signalling outsiders. That Aila is also a FIrst Nations woman hardly matters to Rosie; she barely even looks the part. Of course, when they do part, Rosie swallows whatever guilt she may have developed over stealing from Aila, and the caretakers at the safe house remind Aila when Rosie doesn’t want to stay that it sometimes takes people seven or eight times to relent and leave their abusive situation. We wait for resolution, for a sign that things will get better. When they don’t, we look for other signs, and we wait, left only with patience—to watch, and to never stop watching, and to sit with the weight of that, to afford the cost of empathy. —Dom Sinacola

---

49. Marriage Story

Year: 2019 Director: Noah Baumbach Stars: Scarlett Johansson, Adam Driver, Azhy Robertson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty, Merritt Wever Genre: Drama Rating: R

The way that Adam Driver ends “Being Alive,” which his character in Marriage Story has just sung in full (including dialogue asides from Company’s lead’s friends), is like watching him drain what’s left of his spirit out onto the floor, in front of his small audience (which includes us). The performance starts off kind of goofy, the uninvited theater kid taking the reins to sing one of Broadway’s greatest showstoppers, but then, in another aside, he says, “Want something… want something…” He begins to get it. He begins to understand the weight of life, the dissatisfaction of squandered intimacy and what it might mean to finally become an adult: to embrace all those contradictions, all that alienation and loneliness. He takes a deep exhalation after the final notes, after the final belt; he finally realizes he’s got to grow up, take down his old life, make something new. It’s a lot like living on the Internet these days; the impossibility of crafting an “authentic self,” negligible the term may be, is compounded by a cultural landscape that refuses to admit that “authenticity” is as inauthentic a performance as anything else. Working through identities is painful and ugly. Arguably, we’re all working through how to be ourselves in relation to those around us. And that’s what Bobby, the 35-year-old at the center of Stephen Sondheim’s 1970 musical Company, is doing. The scene forces the viewer to make connections about their humanity, the art they’re experiencing, and the ever deadening world in which it all exists. Charlie grabs the microphone, drained, realizing that he has to figure out what he has to do next, to re-put his life together again. All of us, we’re putting it together too. Or trying, at least. That counts for something. —Kyle Turner

---

50. Okja

Watch on Netflix

Okja takes more creative risks in its first five minutes than most films take over their entire span, and it doesn’t let up from there. What appears to be a sticking point for some critics and audiences, particularly Western ones, is the seemingly erratic tone, from sentiment to suspense to giddy action to whimsy to horror to whatever it is Jake Gyllenhaal is doing. But this is part and parcel with what makes Bong Joon-ho movies, well, Bong Joon-ho movies: They’re nuanced and complex, but they aren’t exactly subtle or restrained. They have attention to detail, but they are not delicate in their handling. They have multiple intentions, and they bring those intentions together to jam. They are imaginative works that craft momentum through part-counterpart alternations, and Okja is perhaps the finest example yet of the wild pendulum swing of a Bong film’s rhythmic tonality. Okja is also not a film about veganism, but it is a film that asks how we can find integrity and, above all, how we can act humanely towards other creatures, humans included. The answers Okja reaches are simple and vital, and without really speaking them it helps you hear those answers for yourself because it has asked all the right questions, and it has asked them in a way that is intensely engaging. —Chad Betz