Cele mai bune 50 de filme de pe Amazon Prime

Amazon Prime este un tezaur plin de streaming al unora dintre cele mai ezoterice, minunate si subvazute cinematografe din ultimii 80 de ani, desi alegerile bune pot parea aproape imposibil de eliminat din excesul uneori coplesitor de titluri ciudat de teribile ingropate in regiunile inferioare ale lui Prime. Si asta ca sa nu mai vorbim de navigarea contraintuitiva, care provoaca migrena, sau de inclinatia serviciului de a renunta la un titlu in mod neasteptat doar pentru ca acesta sa reapara sub un alt link la fel de neasteptat. Cine poate tine evidenta acestor lucruri?

Ei bine, putem. Sau, cel putin, incercam. O jumatate de duzina de filme din aceasta lista au parasit serviciul in luna noiembrie, tot atatea se indreapta catre IMDb TV (detinut tot de Amazon) si spre inchiriere. Nu va faceti griji, totusi: au existat o multime de filme grozave care asteptau sa le ia locul… a trebuit doar sa le dezgropam luptandu-ne cu interfata de utilizator notoriu de groaznica a Amazon.

Iata cele mai bune 50 de filme in flux pe Amazon Prime chiar acum:

1. O noapte in Miami

Un rezumat simplu al O noapte in Miami suna ca un film de incantare a unui tip: patru barbati in oras, fara atasamente care sa-i tina la rand si o limita a petrecerii lor de seara care se extinde spre cer. Dar cei patru barbati sunt Sam Cooke, Cassius Clay, Jim Brown si, mai ales, Malcolm X; orasul este de fapt Orasul Magic; iar seara specifica este 25 februarie 1964, cand campionul de box la categoria grea Sonny Liston s-a incrucisat cu Clay si si-a pierdut titlul intr-o suparare. Subiectele care le incruciseaza pe buzele personajelor includ, desigur, boxul si femeile si zbuciumul, dar li se alatura si alte subiecte mai importante, cum ar fi identitatea neagra americana, identitatea americana si modul in care cei doi interactioneaza unul cu celalalt. Dar asta nu ii fura pe One Night in Miami clauza „incantare”, multumita in mare masura spectacolelor grozave ale unei distributii formate dintr-un grup de actori tineri exceptionali (Eli Goree, Leslie Odom Jr., Aldis Hodge, Kingsley Ben-Adir) si regizat cu incredere de Regina King in debutul ei in lungmetraj. Adaptarea ei a piesei de teatru a lui Kemp Powers este un document istoric scris pentru a presupune ce conversatii ar fi putut avea acesti oameni in privat si departe de urechile indiscrete, o fictiune convingatoare inradacinata in realitate. De asemenea, este complet distractiv, plin de duh si exuberant. Acesta nu este un film despre galagie fara sens. Este vorba despre conversatii care conteaza de fapt. — Andy Crump Adaptarea ei a piesei de teatru a lui Kemp Powers este un document istoric scris pentru a presupune ce conversatii ar fi putut avea acesti oameni in privat si departe de urechile indiscrete, o fictiune convingatoare inradacinata in realitate. De asemenea, este complet distractiv, plin de duh si exuberant. Acesta nu este un film despre galagie fara sens. Este vorba despre conversatii care conteaza de fapt. — Andy Crump Adaptarea ei a piesei de teatru a lui Kemp Powers este un document istoric scris pentru a presupune ce conversatii ar fi putut avea acesti oameni in privat si departe de urechile indiscrete, o fictiune convingatoare inradacinata in realitate. De asemenea, este complet distractiv, plin de duh si exuberant. Acesta nu este un film despre galagie fara sens. Este vorba despre conversatii care conteaza de fapt. — Andy Crump

---

2. Taur furios

Cel mai bun film al anilor 1980 contine una dintre cele mai bune fapte ale regizorului si una dintre cele mai bune fapte ale actoriei cinematografice. Statutul pe care l-a atins Raging Bull al lui Martin Scorsese in anii de la lansare este complet castigat. Vizionarea ei este o experienta pe deplin simtita. De-a lungul anilor, s-a facut mult despre greutatea castigata de Robert De Niro in timp ce filma Raging Bull pentru a surprinde in mod autentic transformarea fizica a boxerului Jake LaMotta. Desi este un mare simbol al angajamentului sau, lire sterline nu incep sa explice profunzimea portretului personajului creat de el si Martin Scorsese. Filmul priveste fara iertare la un barbat fragil, nesigur, care isi comunica nevoia de iubire cu gelozie, furie si violenta. Locurile lui Scorsese transmit functionarea prea suspecta a capului lui LaMotta, apoi inapoi pentru a observa cu raceala violenta ingrozitoare care urmeaza. Apoi sunt scenele de box. Scorsese merita laude nesfarsite pentru ca a gasit modalitati atat de vii si inventive de a surprinde experienta din interiorul ringului. Dar ceea ce este cu adevarat uimitor este ca el depaseste o mare scena sportiva. Fiecare lupta serveste ca o fereastra catre sufletul lui LaMotta. Miscarea camerei, editarile rapide, schimbarile bruste de viteza reflecta toate starea lui mentala, nevoia de a se rani sau de a provoca daune altora. Un astfel de film expresiv si visceral a fost rareori egalat. — Michael Burgin Miscarea camerei, editarile rapide, schimbarile bruste de viteza reflecta toate starea lui mentala, nevoia de a se rani sau de a provoca daune altora. Un astfel de film expresiv si visceral a fost rareori egalat. — Michael Burgin Miscarea camerei, editarile rapide, schimbarile bruste de viteza reflecta toate starea lui mentala, nevoia de a se rani sau de a provoca daune altora. Un astfel de film expresiv si visceral a fost rareori egalat. — Michael Burgin

---

3. Proiectul Blair Witch

In cazul in care Scream a reinventat un gen tragand umbrele inapoi pentru a dezvalui mecanismele interioare ale groazei, The Blair Witch Project a mers pe calea opusa, creand un nou stil de prezentare si mai ales de promovare. Sigur, oamenii facusera deja filme found footage; uitati-va doar la The Last Broadcast cu un an mai devreme. Dar acesta a fost primul care a obtinut o lansare larga, in cinematografe, iar distribuitorul Artisan Entertainment a valorificat cu maiestrie lipsa de informatii disponibile despre film pentru a executa o misterioasa campanie de publicitate online in zilele infloritoare ale erei internetului. Altfel, fiinte umane rezonabile au intrat serios in Proiectul Blair Witch crezand ca ceea ce vedeau ar putea fi real, iar estetica granulara a filmului acasa a surprins o teroare innascuta a realitatii si a „oameni reali” care nu fusesera vazute inainte in genul de groaza. A fost, de asemenea, o dovada pozitiva ca un film indie cu microbuget bine realizat ar putea deveni un succes masiv de box office. Deci, in acest sens, The Blair Witch Project a reinventat doua genuri diferite in acelasi timp. — Jim Vorel

---

4. Tacerea Mieilor

Camera ii imbratiseaza fata, poate incercand sa o protejeze, desi nu are nevoie de protectie, si poate doar incercand sa vada in ea, sa vada ce vede, sa inteleaga de ce este atat de important sa vada ceea ce vede. Nici macar la 30 de ani, Jodie Foster pare mult mai tanara, inconjurata in Tacerea mieilor de barbati care se inalta deasupra ei, privind-o, dezorientata de ea, dorind poate sa o protejeze si pe ea, dar mai probabil, mai ironic, intimidata de un lume care ar permite unei creaturi atat de fragile sa rataceasca pe domeniul monstrilor. In rolul Clarice Starling, agent FBI in curs de formare, Foster este o nevinovatie care a vazut mai mult decat si-ar putea imagina oricare dintre noi, o razboinica care pare nesigura de priceperea ei. Acel Jonathan Demme, un regizor care a venit sub tutela lui Roger Corman, capabila sa adopte, apoi sa renunte imediat la genuri la capriciu — colturile Starling in limitele unei „Femei in pericol”, doar pentru a o vedea cum ridica din umeri de la fiecare eticheta care i se arunca, este o marturie a Tacerii Mieilor ca feminista, nu pentru ca locuieste atat de bine intr-un punct de vedere feminin, ci pentru ca violenta si frica ei sunt chestia toxicitatii masculine. Filmul lui Demme este doar al doilea care adapteaza romanele lui Thomas Harris Hannibal Lector pe ecran, dar este primul care traseaza linii incontestabile intre felul in care barbatii o vad pe Clarice Starling si modul in care criminalul in serie Buffalo Bill (Ted Levine) isi proiecteaza nevrozele asupra victimelor sale. . Demme (si Harris) leaga vazul de transformare la nevoia cuiva de a consuma, toate urmarite printr-o lentila de gen, reprezentata de perspectiva aparent omniscienta a lui Hannibal Lector (Anthony Hopkins), un canibal asexuat la limita care ii mananca literalmente pe cei peste care tine curte. Buffalo Bill este un monstru, la fel si Lector, dar diferenta este ca Lector nu incearca sa o posede pe Clarice Starling, desi o vede, pentru ca detine controlul asupra a ceea ce el consuma. Buffalo Bill nu este; ca barbat, crede ca, consumand feminitatea, poate deveni ea, prea prost si prea ingradit pentru a realiza ca consumul este stergere, ca a dori sa protejeze o femeie este doar o chestiune de a admite ca Lumea Barbatilor este o lume slaba si rea. esecul insusi idealurilor pe care se straduieste sa le pastreze. — Dom Sinacola Buffalo Bill nu este; ca barbat, crede ca, consumand feminitatea, poate deveni ea, prea prost si prea ingradit pentru a realiza ca consumul este stergere, ca a dori sa protejeze o femeie este doar o chestiune de a admite ca Lumea Barbatilor este o lume slaba si rea. esecul insusi idealurilor pe care se straduieste sa le pastreze. — Dom Sinacola Buffalo Bill nu este; ca barbat, crede ca, consumand feminitatea, poate deveni ea, prea prost si prea ingradit pentru a realiza ca consumul este stergere, ca a dori sa protejeze o femeie este doar o chestiune de a admite ca Lumea Barbatilor este o lume slaba si rea. esecul insusi idealurilor pe care se straduieste sa le pastreze. — Dom Sinacola

---

5. Tren spre Busan

Iubeste-i sau uraste-i, zombii sunt inca o constanta a genului de groaza in 2016, suficient de fiabile pentru a-ti pune ceasul dirijorului. Si desi probabil ca am vazut destule filme indie cu zombi in acest moment pentru a le evita pentru tot restul vietii mele de la obiceiurile mele de vizionare, de obicei exista cel putin un film grozav cu zombi la doi ani. In 2016, acesta a fost Train to Busan, un film care a fost adaugat de atunci pe lista noastra cu cele mai bune 50 de filme cu zombi din toate timpurile. Nu este nevoie de speculatii: Train to Busan ar fi facut, fara indoiala, pe lista. Aceasta poveste sud-coreeana a unui tata care are o cariera care incearca sa-si protejeze fiica tanara intr-un tren plin de zombi ravasiti este in egala masura un divertisment plin de suspans cu floricele de porumb si care afecteaza cu adevarat drama de familie. Se incheie cu cateva elemente de actiune pe care nu le-am mai vazut pana acum, sau chiar luate in considerare pentru un film cu zombi si de fiecare data cand poti adauga ceva cu adevarat nou la genul mortului care umbla, atunci cu siguranta faci ceva bine. Cu cateva personaje secundare memorabile si empatice si cateva efecte de machiaj de top, ai unul dintre cele mai bune filme cu zombi din ultimul deceniu. — Jim Vorel

---

6. Lupul de pe Wall Street

Deceniul a fost deopotriva amabil si nu atat de amabil cu bunul Marty, zece ani de luare proasta si-au pus la indoiala acreditarile pentru regizorul Silence, pentru ca a refuzat filmelor Marvel titlul de onoare de „cinema”, pentru ca a fortat publicul sa faca dusuri in masa dupa proiectiile lui The Wolf. de Wall Street. Si totusi este imposibil sa-l tii jos; este imun la controverse si se bucura de dezbateri aprinse, motiv pentru care, la varsta de 70 de ani, cronica sa despre viata, vremurile si crimele lui Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) — un broker de actiuni si un fraudator inveterat care a pacalit peste 1.000 de schlemiels, nenorociti. si iese din miliarde (si au scapat usor) – se simte ca ceva regizat de un artist cu jumatate de varsta. Lupul de pe Wall Street este un film suparat. Este, de asemenea, un film excitat, pervers, brutal, un film impecabil si fundamental hidos. La fiecare imagine care trece, Furia incinsa a lui Scorsese arde in jurul marginilor cadrului. Regizorul are propriile sale probleme si intra in conflict cu credinta sa crestina, dar aici prezenta lui este resimtita ca o zeitate furioasa care judeca distractia pe care Belfort o da peste clientii sai, de doua ori pe prima lui sotie, smucind in jurul celei de-a doua sotii si facand mai multa lovitura in trei ore decat a facut-o Scorsese insusi in anii ’70 si ’80. Cea mai usoara lovitura impotriva acestui film este ca sustine cultura financiara pe care o navigheaza pe parcursul duratei sale, pentru ca in niciun moment Scorsese nu impune moralitate fabricata asupra a ceea ce se intampla in fata noastra; in schimb, joaca hiturile asa cum le-a scris Belfort, aratand publicului exact ce a facut Belfort in timp ce isi conducea compania, Stratton Oakmont, si in timp ce alerga pe sotii sai. Faptul ca filmul se termina in cele din urma cu Belfort din nou in cautare este acuzatia suprema: a fi bogat i-a permis acestui om sa scape cu crima financiara, pentru ca a fi bogat, in cele din urma, face totul mai bine. „A fi bogat face totul mai bun”, pentru unii, este filozofia imbratisata a filmului, dar Lupul de pe Wall Street nu apreciaza demonstratiile de bogatie dezlantuite. Ii insulta. Scorsese pune energie in film, un izvor in fiecare pas lacom; s-ar putea numi o astfel de desfranare fara consecinte „un timp bun”. Dar Lupul de pe Wall Street nu-i pasa de acest tip de timp atat de mult cat ii pasa de agatarea Belfort-ului la uscat. — Andy Crump ” pentru unii, este filozofia imbratisata a filmului, dar Lupul de pe Wall Street nu apreciaza demonstratiile de bogatie dezlantuite. Ii insulta. Scorsese pune energie in film, un izvor in fiecare pas lacom; s-ar putea numi o astfel de desfranare fara consecinte „un timp bun”. Dar Lupul de pe Wall Street nu-i pasa de acest tip de timp atat de mult cat ii pasa de agatarea Belfort-ului la uscat. — Andy Crump ” pentru unii, este filozofia imbratisata a filmului, dar Lupul de pe Wall Street nu apreciaza demonstratiile de bogatie dezlantuite. Ii insulta. Scorsese pune energie in film, un izvor in fiecare pas lacom; s-ar putea numi o astfel de desfranare fara consecinte „un timp bun”. Dar Lupul de pe Wall Street nu-i pasa de acest tip de timp atat de mult cat ii pasa de agatarea Belfort-ului la uscat. — Andy Crump

---

7. Un varcolac american la Londra

Putini regizori au aratat vreodata un tact atat de innascut pentru a combina umorul negru si groaza, asa cum face John Landis. La apogeul puterilor sale la inceputul anilor ’80, la un an indepartat de The Blues Brothers, Landis a optat pentru o poveste mult mai murdara, mai grea, mai infricosatoare, care ramane cel mai bun film cu varcolaci din toate timpurile. Cand doi calatori care trec cu rucsac prin mlastinile engleze sunt atacati de un varcolac, unul este ucis, iar celalalt infectat cu blestemul lupului. Bantuit de viziunile in acelasi timp tulburatoare si hilare ale prietenului sau mort, el trebuie sa decida cum sa se impace cu monstrul care a devenit, chiar daca incepe o relatie cu o asistenta frumoasa interpretata de Jenny Agutter. Filmul te linisteste cu spiritul sau inainte de a arunca spectatorului secvente de vis socante si sangeroase, care ajung in mod repetat neanuntate. Momentul cheie este transformarea completa incredibil de dureroasa si traumatizanta a protagonistului, stabilita pe cantatul lui Sam Cooke cantand „Blue Moon”, care este inca de neintrecut in istoria genului. Legendarul FX si artistul de machiaj monstru Rick Baker a luat acasa primul premiu al Academiei pentru cel mai bun machiaj si coafura pentru ca a creat o scena care le-a dat de atunci cosmaruri adverse pentru lup. – Jim Vorel

---

8. Terminator

Primul Terminator (si al doilea lungmetraj) al lui James Cameron este mai putin un film de actiune pur cu floricele de porumb decat continuarea sa upscalate, dar asta il face si mai terifiant ca un film – intunecat, sumbru, plin de un raufacator tacut care isi smulge cu calm bucati din el. fata deteriorata pentru a-si viza mai precis victimele. Sarcina in fata lui Kyle Reese (Michael Biehn) si Sarah Connor (Linda Hamilton) pare atat de insurmontabila – chiar si cu un soldat din viitor, a merge dupa T-800 (Arnold Schwarzenegger, duh) cu arme moderne este atat de ineficienta, este atat de ineficienta. aproape comic. Este ca si cum Schwarzenegger joaca entropia in sine — entropia aparent o tema a seriei The Terminator, avand in vedere schimbarile, repornirile si recaaparile de atunci. Puteti distruge un terminator, dar viitorul (aparent condus de incasarile de la box office) refuza sa fie schimbat. — Jim Vorel

---

9. Manchester langa mare

Pierderea si durerea – precum si modurile dezordonate, indirecte in care oamenii fac fata consecintelor emotionale – au fost cheiele dramatice ale primelor doua filme ale regizorului si scriitorului Kenneth Lonergan, Poti conta pe mine si Margaret. Si asa este din nou si cu Manchester by the Sea, o lucrare captivanta, captivanta, in care suma impactului sau poate fi mai mare decat orice scene individuale. Spre deosebire de calitatea intima, de nuvela a filmului You Can Count on Me, Manchester by the Sea poarta aceeasi ambitie extinsa ca si Margaret, Lonergan drapand procedurile intr-o maretie tragica care se freaca uneori de modestia inerent tacuta a filmului. Casey Affleck in rolul lui Lee Chandler este linistit magnetic ca un barbat care nu se poate exprima intr-un moment in care chiar trebuie sa faca un pas inainte si sa fie figura patriarhala. Lucas Hedges si Kyle Chandler sunt, de asemenea, destul de buni, personajele lor ingropate adanc in cultura omului-om a comunitatilor de pe Coasta de Est in care este plasat filmul. Dar deosebit de grozava este Michelle Williams in rolul fostei sotii a lui Lee, care a mai jucat rolul sotiilor bantuite, in Brokeback Mountain si Shutter Island. Aici, totusi, ea strapunge cu adevarat inima: personajul ei nu a incetat niciodata sa o iubeasca pe Lee, dar creierul ei i-a spus ca trebuie sa o faca daca va continua vreodata cu viata ei. In acest film, ea este de fapt una dintre cele norocoase. Tragediile cad ca niste bombe in Manchester By the Sea, iar efectele unda s-au extins in toate directiile. Sfarsitul filmului nu este tocmai fericit, dar dupa ce au trecut prin toate Chandler, doar posibilitatea de acceptare poate parea o victorie castigata cu greu. — Tim Grierson Dar deosebit de grozava este Michelle Williams in rolul fostei sotii a lui Lee, care a mai jucat rolul sotiilor bantuite, in Brokeback Mountain si Shutter Island. Aici, totusi, ea strapunge cu adevarat inima: personajul ei nu a incetat niciodata sa o iubeasca pe Lee, dar creierul ei i-a spus ca trebuie sa o faca daca va continua vreodata cu viata ei. In acest film, ea este de fapt una dintre cele norocoase. Tragediile cad ca niste bombe in Manchester By the Sea, iar efectele unda s-au extins in toate directiile. Sfarsitul filmului nu este tocmai fericit, dar dupa ce au trecut prin toate Chandler, doar posibilitatea de acceptare poate parea o victorie castigata cu greu. — Tim Grierson Dar deosebit de grozava este Michelle Williams in rolul fostei sotii a lui Lee, care a mai jucat rolul sotiilor bantuite, in Brokeback Mountain si Shutter Island. Aici, totusi, ea strapunge cu adevarat inima: personajul ei nu a incetat niciodata sa o iubeasca pe Lee, dar creierul ei i-a spus ca trebuie sa o faca daca va continua vreodata cu viata ei. In acest film, ea este de fapt una dintre cele norocoase. Tragediile cad ca niste bombe in Manchester By the Sea, iar efectele unda s-au extins in toate directiile. Sfarsitul filmului nu este tocmai fericit, dar dupa ce au trecut prin toate Chandler, doar posibilitatea de acceptare poate parea o victorie castigata cu greu. — Tim Grierson dar creierul ei i-a spus ca trebuie sa o faca daca avea de gand sa-si continue viata. In acest film, ea este de fapt una dintre cele norocoase. Tragediile cad ca niste bombe in Manchester By the Sea, iar efectele unda s-au extins in toate directiile. Sfarsitul filmului nu este tocmai fericit, dar dupa ce au trecut prin toate Chandler, doar posibilitatea de acceptare poate parea o victorie castigata cu greu. — Tim Grierson dar creierul ei i-a spus ca trebuie sa o faca daca avea de gand sa-si continue viata. In acest film, ea este de fapt una dintre cele norocoase. Tragediile cad ca niste bombe in Manchester By the Sea, iar efectele unda s-au extins in toate directiile. Sfarsitul filmului nu este tocmai fericit, dar dupa ce au trecut prin toate Chandler, doar posibilitatea de acceptare poate parea o victorie castigata cu greu. — Tim Grierson

---

10. Nu ai fost niciodata cu adevarat aici

Lynne Ramsay are reputatia de a fi fara compromisuri. In industrie, asta inseamna ca are reputatia de a fi „dificila”. Sincer, cuvantul care o descrie cel mai bine este „necrutator”. Realizatorii de film la fel de responsabili de estetica lor precum Ramsay sunt rari. Mai rari sunt regizorii care detin atat de mult control fara a lasa o urma de ego pe ecran. Daca ati vazut vreunul dintre cele trei filme pe care le-a facut intre 1999 si 2011 (Ratcatcher, Morvern Callar, We Need to Talk About Kevin), atunci i-ati vazut loialitatea obtinuta fata de viziunea ei in actiune, indiferent daca acea viziune este bantuitoare, oribil sau pur si simplu bizar. E pe cat de puternica, pe atat de delicata. Cel de-al patrulea film al ei, You Were Never Really Here – bantuitor, oribil si bizare deodata – este, fara indoiala, capodopera ei, un film care delimiteaza violenta de tandrete in corpul ei de munca. Numirea lui un film de razbunare nu ii face dreptate. Este mai mult ca un tipat sustinut. You Were Never Really Here’s Titlul este construit din straturi, primul subliniind calmul protagonistului ei, Joe (Joaquin Phoenix, care actioneaza in spatele unei barbi care ar face gelos pe clanul Robertson), un veteran militar si fost agent federal. salbaticia ca in privinta lui de sine. Joe isi traieste viata trecand intre trecut si prezent, halucinatii si realitate. Chiar si atunci cand ocupa fizic un spatiu, este inchis in cap, retraind ororile intalnite in lupta, pe teren si in copilarie intr-o bucla non-stop, simultana. Fiecare dintre filmele ei anterioare surprinde colapsul uman cu incetinitorul. You Were Never Really Here este o imagine defalcata in hyperdrive, slaba, economica, complet nemilos si facuta cu maiestrie de foc. Sa fie acesta limbajul pe care il folosim pentru a caracteriza reputatia ei de unul dintre cei mai buni regizori care lucreaza astazi. — Andy Crump

---

11. Emma.

Filmat ca si cum fiecare cadru ar fi o pictura realista spumoasa, marcata ca si cum ar fi un film mut tip Chaplin si reunite de o distributie de spectacole impecabile din punct de vedere comic, debutul in lungmetrajul Autumn de Wilde, Emma., este alcatuit aproape in intregime din momente executate palpitant. Mai mult comedie de maniere decat romantism direct, atat romanul lui Jane Austen, cat si filmul lui De Wilde o iau drept subiect pe Emma Woodhouse (Anya Taylor-Joy), singura fericita, stapana „frumoasa, inteligenta si bogata” a unei mosii de tara engleza, in timp ce ea isi umple zilele ca prin montarea unei serii de scheme de potrivire conduse de ego (daca sunt bine intentionate). Semnalizate de deschiderea filmului in orele blande din zorii zilei celei mai recente nunti orchestrate de Emma din sat, aceste scheme au o istorie de succes remarcabil – suficient de reusite, cel putin, incat, pe de o parte, Emma are pe tatal ei codependent, nenorocit (un Bill Nighy fermecator, chiar daca ingrijorat) care o avertizeaza sa nu inceapa niciun plan care ar putea sa o indeparteze de el, in timp ce, pe de alta parte, are familia frumoasa a familiei Woodhouse. prietenul, domnul Knightley (un Johnny Flynn revigorant de foc), avertizand-o sa nu se ridice atat de sus pe loviturile ei anterioare de potrivire, incat incepe o schema indrazneata, chiar daca ea nu o poate reusi. Dincolo de a crea ceea ce ar fi o experienta solida de filmare in orice context, sentimentul cald si zbuciumat al comunitatii pe care aceasta atentie profunda la detalii trebuie sa-l construiasca este, asa cum subliniaza Andy Crump din Paste in interviul sau atent cu de Wilde si Taylor-Joy, exact ceea ce 2020 preia o comedie veche de 205 de ani despre maniere necesare cultivarii. Cu momentul nostru cultural actual definit atat de izolarea digitala prelungita – si varul sau, cruzimea care permite anonimatul — cel mai bun lucru Emma lui de Wilde. ar putea face a fost sa se aplece atat de tare in sublimitatea originalului lui Austen, incat, pentru intreaga sa durata glorioasa de doua ore fara telefon, publicul sau s-ar putea simti, in mod colectiv, transportat. — Alexis Gunderson

---

12. Marele bolnav

The Big Sick poate fi uneori ingrozitor de conventional, dar printre atuurile sale cheie se numara viziunea sa radianta asupra personajelor sale. Bazat pe primul an in relatia dintre scenaristii casatoriti Kumail Nanjiani si Emily V. Gordon, acest roman-com indie are o structura usor riscanta si cateva observatii transante despre ciocnirile culturale care au loc in familiile de imigranti care traiesc in America. Dar ceea ce este cel mai adanc este cat de profund de iubiti sunt acesti oameni. Nu este acelasi lucru cu a fi dragut: mai degraba, The Big Sick este sfidator de generos, intelegand ca oamenii sunt ingrozitor de defecte, dar sunt si capabili de o bunatate incomensurabila atunci cand situatia o cere. Deci, chiar si atunci cand filmul se impiedica, aceste personaje te tin sus. Nanjiani joaca o versiune usor fictiva a sinelui sau mai tanar, un stand-up din Chicago care se lupta, care are la fel de mult succes in cariera sa ca si el in viata de intalnire. Nascut intr-o familie pakistaneza care s-a mutat in Statele Unite cand era baiat, el este un fiu cuminte, in ciuda faptului ca a mintit ca este un musulman practicant si a respins politicos incercarile parintilor sai (Anupam Kher, Zenobia Shroff) de a-l instala intr-un casatorie aranjata. Atunci o intalneste pe Emily (Zoe Kazan), o studenta americana de care se indragosteste instantaneu. Ea jura ca nu vrea o relatie, dar in curand se indragostesc unul de celalalt – chiar daca Kumail stie ca nu poate functiona. Ceea ce este cel mai radical la The Big Sick este insistenta optimista ca putina bunatate poate face toata diferenta. — Tim Grierson in ciuda faptului ca a mintit despre faptul ca este un musulman practicant si a respins politicos incercarile parintilor sai (Anupam Kher, Zenobia Shroff) de a-l stabili intr-o casatorie aranjata. Atunci o intalneste pe Emily (Zoe Kazan), o studenta americana de care se indragosteste instantaneu. Ea jura ca nu vrea o relatie, dar in curand se indragostesc unul de celalalt – chiar daca Kumail stie ca nu poate functiona. Ceea ce este cel mai radical la The Big Sick este insistenta optimista ca putina bunatate poate face toata diferenta. — Tim Grierson in ciuda faptului ca a mintit despre faptul ca este un musulman practicant si a respins politicos incercarile parintilor sai (Anupam Kher, Zenobia Shroff) de a-l stabili intr-o casatorie aranjata. Atunci o intalneste pe Emily (Zoe Kazan), o studenta americana de care se indragosteste instantaneu. Ea jura ca nu vrea o relatie, dar in curand se indragostesc unul de celalalt – chiar daca Kumail stie ca nu poate functiona. Ceea ce este cel mai radical la The Big Sick este insistenta optimista ca putina bunatate poate face toata diferenta. — Tim Grierson dar in curand se indragostesc unul de altul — chiar daca Kumail stie ca nu poate functiona. Ceea ce este cel mai radical la The Big Sick este insistenta optimista ca putina bunatate poate face toata diferenta. — Tim Grierson dar in curand se indragostesc unul de altul — chiar daca Kumail stie ca nu poate functiona. Ceea ce este cel mai radical la The Big Sick este insistenta optimista ca putina bunatate poate face toata diferenta. — Tim Grierson

---

13. Hellraiser

Principalul raufacator/eventual erou (exista un numar ingrozitor de sequele teribile Hellraiser) din spatele francizei Hellraiser a lui Clive Barker este Cenobite Pinhead, trimis din gropile propriei sale dimensiuni personale a iadului pentru a te trage in adancuri cu el. Unde te chinuie. Pentru eternitate. Totul pentru ca ai deschis un cub Rubik elegant. Pinhead nu are nicio remuscare, privindu-te mort in ochi, in timp ce promite ca va „smulge sufletul”. Da, si cenobitii sunt indestructibili. Personal, m-a oprit pentru totdeauna la cutii de puzzle. Ca si in fictiunea sa, obsesiile lui Barker pentru dualitatea durerii si placerii sunt expuse pe deplin in Hellraiser, o poveste neplacuta despre ura bolnava si dragoste mai bolnava. — Rachel Haas

---

14. Lupul din Snow Hollow

Ofiterul de politie din Snow Hollow John Marshall (Cummings) echilibreaza instabil intalnirile Alcoolicii Anonimi cu eforturile de a-si creste fiica adolescenta, Jenna (Chloe East), ingrijirea tatalui sau bolnav, Hadley (Forster), mentinand relatii diplomatice cu fostul sau si pastrand un capac pe temperamentul lui vulcanic. Cand o femeie (Annie Hamilton) este rupta in bucati intr-o vizita de weekend in orasul natal al statiunii de schi a lui John, cu doar cateva clipe inainte ca iubitul ei (Jimmy Tatro) sa planuiasca sa o faca in casatorie, John se intinde pana la limitele sale si mai departe in urmarirea ucigasului, pe care toata lumea il concluzioneaza cu o rapiditate uluitoare este mai degraba un varcolac decat un om. Caracterul de poticnire al colegilor si subalternilor sai si inapoierea fundului lui Snow Hollow actioneaza ca benzina asa cum este. Consensul ca orasul este atacat de o creatura mitica este paiul care face vena din gatul lui John sa se intinda de furie. Lupul din Snow Hollow aterizeaza in spatiul in care groaza si umorul se intalnesc, minand rasul in lupte de doliu si custodie. Rasetele lui Cummings sunt genul care semnaleaza disconfort: liniile lui de pumn sunt ascutite, ceea ce face ca neplacerile din jurul filmului sa cada mai usor. Privind un politist facandu-se fizic cu oricine care ii apasa suficient butoanele provoaca zvarcoli. Cand colegul ofiter Bo (Kevin Changaris) spune din greseala prea multe despre crime in fata reporterilor, John il cheama la un banc de zapada si incepe sa-l loveasca pe bietul ticalos din jur, un moment care s-ar rasturna in intuneric pur fara ajutorul unei persoane vesele. coloana sonora si slapstick-ul lor. Indiferent, Ideea este facuta: John e pe margine, iar marginea lui este surprinzator de amuzanta. Poftimirea ironica si capricioasa ii confera lui Wolf of Snow Hollow o piele intepatoare, iar aplicarea restransa a FX ii da tensiune. La putin sub 80 de minute, aceasta economie este cheia. Nu este atat de mult faptul ca oroarea este ridicata ca controlata. Dar, mai degraba decat sa bata cu salbaticia innascuta a nisei varcolacilor, comanda lui Cummings asupra materialului sau ofera filmului o anumita prospetime. El imblanzeste monstrul din om, astfel incat barbatul sa fie tot ce a mai ramas, la bine si la rau. John nu este perfect, dar un om imperfect nu trebuie sa fie o fiara. — Andy Crump Nu este atat de mult faptul ca oroarea este ridicata ca controlata. Dar, mai degraba decat sa bata cu salbaticia innascuta a nisei varcolacilor, comanda lui Cummings asupra materialului sau ofera filmului o anumita prospetime. El imblanzeste monstrul din om, astfel incat barbatul sa fie tot ce a mai ramas, la bine si la rau. John nu este perfect, dar un om imperfect nu trebuie sa fie o fiara. — Andy Crump Nu este atat de mult faptul ca oroarea este ridicata ca controlata. Dar, mai degraba decat sa bata cu salbaticia innascuta a nisei varcolacilor, comanda lui Cummings asupra materialului sau ofera filmului o anumita prospetime. El imblanzeste monstrul din om, astfel incat barbatul sa fie tot ce a mai ramas, la bine si la rau. John nu este perfect, dar un om imperfect nu trebuie sa fie o fiara. — Andy Crump

---

15. Topor mic: Alex Wheatle

Alex Wheatle este o poveste despre cresterea varstei bazata pe viata timpurie a autorului omonim premiat YA si este penultimul film al colectiei Small Axe a lui McQueen. Amplasat in anii ’70 si inceputul anilor ’80, il urmam pe Alex din copilarie intr-un orfelinat de cruzime Dickensian pana la tineretea sa din Brixton, unde se conecteaza cu Blackness, pana la ingrijirea lui de un coleg de celula rastafari paternalist in inchisoare. Alex Wheatle este reusit si devastator, cu o cinematografie dinamica, o coloana sonora fenomenala si o performanta de debut sfasietoare a lui Sheyi Cole. In multe privinte, se simte ca o imbinare a celorlalte patru filme Small Axe: rasismul sistemic din Mangrove, evadarea muzicala din Lover’s Rock, problemele cu tata din Red, White & Blue si cruzimea din copilarie a Educatiei. Dar in suprapunerea sa tematica, Alex Wheatle isi submineaza propria semnificatie. Nu are identitatea distincta a celorlalte filme si, desi este intotdeauna o placere sa urmaresti filmele la nivelul lui McQueen, nu lasa o impresie de durata. — Leila Latif

---

16. Generalul

Cand spionii yankei ii fura locomotiva si ii rapesc iubita, un inginer de cale ferata din Sud („The Great Stone Face” Buster Keaton) este fortat sa-si urmareasca cei doi iubiti peste liniile inamice. In timp ce cateva imagini cu Charlie Chaplin ii da curs pentru banii sai, Generalul este, fara indoiala, cea mai buna comedie muta facuta vreodata, daca nu chiar cea mai buna comedie facuta vreodata. In punctul culminant al renumitei cariere a lui Buster Keaton, filmul nu a primit succes de critica sau de box-office atunci cand a fost lansat, dar a imbatranit enorm. Este un spectacol de poveste, romantism amestecat, aventura, actiune (urniri, incendii, explozii) si comedie intr-o capodopera tacuta fara intreruperi. — David Roark

---

17. Tacere

Tacerea transmite, cu concentrarea totala a gestalt-ului, una dintre cele mai mari naratiuni pe care ni le-a oferit literatura in ultimii 100 de ani. Ca si cartea lui Endo, filmul este atat text, cat si subtext al discutiilor noastre cele mai dificile si provocatoare ca fiinte umane: despre substanta credintelor noastre; substanta temerilor noastre; substanta agresiunii si violentei noastre si a cautarii noastre de a ne controla si/sau a ne proteja pe noi insine si poporul nostru; substanta tacerii care inconjoara toate acestea si careia indraznim sa dam sens. Silence este un film despre pluralitatea credintei, perspectivei si experientei – si despre cum, in punctul culminant al acestei pluralitati, aceste piese se anuleaza reciproc. Cand are loc aceasta anulare, se aude ce se afla cu adevarat sub tot barajul de zgomot: tacerea. Totusi, acesta nu este un crez al unui ateu sau al nihilistului; aici tacerea suna a pace si a izolarii. O voce vorbeste in tacere si ar putea fi Isus sau ar putea fi propria minte care raspunde tacerii, transformata in vocea lui Hristos – cand Rodrigues (Andrew Garfield) il aude in sfarsit pe Hristos vorbind, suna ca o imbinare a propriei sale voci cu cea a mentorului sau, parintele Ferreira (Liam Neeson) – pentru ca Hristos a purtat puritatea aceleiasi taceri in interior. Toate diviziunile sunt topite la nimic. Egoismul inceteaza pentru ca sinele nu mai este un lucru sau exista in eul recunoscut in toate celelalte. Perfectiunea este sunetul negrului dintre stele, absolut si intreg. Gandirea crestina ortodoxa il asociaza de obicei pe Dumnezeu cu lumina, viata, fiinta, paradisul, Cuvantul. Dar s-ar parea ca orice concept al lui Dumnezeu — presupusa sursa a tuturor lucrurilor — care spera sa fie convingator trebuie sa includa in acel concept contrariile care compun realitatea noastra: intunericul, moartea, negatia, uitarea, non-Cuvantul. La radacina limbajului universului si existentei se afla acest binar. Poate ca Dumnezeu este intr-adevar Alfa si Omega. Intr-un interviu acordat lui Scorsese, Film Comment a remarcat ca Silence este ca o „apoteoza apostata”. In prefata sa la o editie recenta a cartii, Scorsese insusi a gandit ca Tacerea era o evanghelie a lui Iuda, la suprafata referindu-se la slabul Kichijiro (Yosuke Kubozuka), un ghid pentru preoti care ajunge sa-i tradeze in mod repetat, dar in adevar. referindu-se la aproape fiecare personaj din poveste, in special la Rodrigues. Mai ales Scorsese insusi. Nu ar putea fi mai clar de ce Scorsese se conecteaza cu acest material asa cum o face: il descrie pe el si tot ceea ce reprezinta arta lui. Este nucleul a ceea ce este el, un credincios care crede pana la punctul in care trebuie sa se indoiasca. Scorsese a declarat ca intreaga sa lucrare a vietii a fost despre religie si film. Acest lucru este evident: daca opera sa a fost un ciclu perpetuu de profesie si negare, pacat si marturisire, osandire si rascumparare, Tacerea este punctul in care acul se indeparteaza de pe vinil. Unul sta blocat, urmarind inregistrarea invartindu-se, fara sunet in aer, in afara de zgomotul intamplator si murmurul propriei respiratii. — Chad Betz Scorsese a declarat ca intreaga sa lucrare a vietii a fost despre religie si film. Acest lucru este evident: daca opera sa a fost un ciclu perpetuu de profesie si negare, pacat si marturisire, osandire si rascumparare, Tacerea este punctul in care acul se indeparteaza de pe vinil. Unul sta blocat, urmarind inregistrarea invartindu-se, fara sunet in aer, in afara de zgomotul intamplator si murmurul propriei respiratii. — Chad Betz Scorsese a declarat ca intreaga sa lucrare a vietii a fost despre religie si film. Acest lucru este evident: daca opera sa a fost un ciclu perpetuu de profesie si negare, pacat si marturisire, osandire si rascumparare, Tacerea este punctul in care acul se indeparteaza de pe vinil. Unul sta blocat, urmarind inregistrarea invartindu-se, fara sunet in aer, in afara de zgomotul intamplator si murmurul propriei respiratii. — Chad Betz

---

18. Candyman

Problema cu a scrie despre Candyman este ca va trebui inevitabil sa scrii „Candyman” de cinci ori. Ce se intampla daca monitorul meu se strica brusc, lasandu-ma sa vad o entitate paranormala leganand o teava de lungime completa in spatele reflexului meu intunecat? Spre deosebire de multi dintre albii din Chicago din continuarea slasher a scriitoarei/regizoarei Nia DaCosta, nu sunt suficient de prost pentru a o tenta pe Bloody Mary din Near North Side. Sunt, totusi, inca atras de actualizarea ei a legendei, care reuseste sa culeaga piesele filmului original si sa le puna la loc intr-un colaj convingator, reclamant. Ignorand restul seriei Candyman in favoarea unei urmariri directe a slasher-ului din 1992 al lui Bernard Rose, bogat in alegorii, DaCosta il prezinta pe artistul cu pantaloni de lux Anthony (Yahya Abdul-Mateen II) aceeasi legenda urbana care l-a consumat pe studentul de licenta lookie-loo. Helen Lyle. Povestea originala l-a adaptat pe Clive Barker la rasismul si inegalitatea bogatiei din SUA – in special in Chicago si chiar mai ales in proiectele Cabrini-Green din Chicago. Acum casele si cladirile sale au fost demolate sau abandonate. O tinta uriasa are vedere la granita sa de nord-vest, de unde puteti cumpara athleisure si puteti lua un Starbucks intern inainte de a merge la Panera Bread. Gentrificarea s-ar putea sa fi acoperit bine istoria, dar aceasta istorie nu poate fi stearsa atat de usor. „O astfel de poveste – o durere ca asta – dureaza pentru totdeauna”, spune Burke, spalatorul de mult timp al lui Colman Domingo. „Acela este Candyman.” DaCosta arata clar ca Anthony este atras de legenda, de istorie, mai intim decat Helen a fost vreodata, si isi actualizeaza la randul sau specirile. Apartamentele de cosmar si baile putrede prin care Helen se tara si fotografiate reflectau cu grija entitatea care le bantuia; dar proiectele au fost pavate, iar Candyman persista. DaCosta impusca orasul in consecinta, fie in linii drepte divizate, fie complet deformat: nu observi niciodata cum turnurile din Marina City arata ca niste stupi pana cand sunt rasturnate cu susul in jos. Stimulat de interesul lui Anthony, Candyman este acum un inevitabil pe fiecare suprafata reflectorizante. Nu poti privi in alta parte de la compozitiile si machetele inspirate ale lui DaCosta, ochii tai conduc dintr-un colt intunecat in altul cu o stapanire asemanatoare omului invizibil asupra spatiului negativ. Intr-una din zilele astea, crezi, va ramane fara idei despre cum sa impusca o ucidere in oglinda. Nu este asa, mai ales in lumea ei de auto-reflectie omniprezenta, dureroasa din punct de vedere fizic si psihic. In timp ce ucide, comise de o fiinta vazuta in mare parte in oglinzi, sunt uneori putin prea obscucate de trucul lor pentru a fi visceral satisfacatoare, se potrivesc perfect cu temele si estetica filmului chiar si atunci cand nu varsa cascade de sange. Puterea martiriului, ciclurile de exploatare economica, pretul sangelui asteptat pentru progres – chiar daca aceste idei sunt imperfecte implicate, sunt introduse atat de convingator incat sa-l consolideze pe Candyman ca o groaza de vazut si o tragedie care trebuie discutata. — Jacob Oller

---

19. Conversatia

Faptul cu adevarat incredibil despre acest film este ca Coppola l-a facut ca un proiect secundar intre filmele Nasul. Cu Gene Hackman, The Conversation este povestea unui tehnician de supraveghere care se confrunta fata in fata cu implicatiile meserii sale si cu paranoia de a fi urmarit in fiecare moment. A fost nominalizat pentru cel mai bun film in 1974, un premiu care a revenit Nasului, partea a II-a. Este una dintre rarele momente din istoria filmului in care un regizor si-a pierdut singur. — Shane Ryan

---

20. Spatiu de birouri

Vizionati gratuit pe Freevee

Marea comedie are aproape intotdeauna o inima intunecata. (Flipside este valabil si pentru marea groaza: aproape intotdeauna se clatina pe marginea farsei). Dar asta are sens: rasul este raspunsul nostru la contradictii absurde si neasteptate; comedia are nevoie de intunericul sau pentru a inflori pe deplin. Mike Judge, scriitorul/directorul Office Space, stie bine acest lucru. Umorul lui se refera la cei mai de jos, cei mai tristi ticalosi de pe scara corporatiei (astfel 99% dintre noi se pot intelege) care se simt in cea mai mare parte morti in interior, apeland la filme Kung Fu si la bere ieftina pentru a scapa. Este un subiect la fel de vechi ca capitalismul insusi: cei mai multi dintre noi suntem nefericiti, nu facem ceea ce ne dorim, simtind ca visele ne scapa din ce in ce mai mult pe zi ce trece. Pentru protagonistul Peter Gibbons (Ron Livingston), scopul sau este o bucurie subversiva: independent, de la nicio sursa de neliniste societala (spre deosebire de, sa zicem, Benjamin Braddock de la Graduate), nu vrea sa faca nimic. Si pe langa faptul ca este un antidot hilar pentru zeci de eroi-protagonisti hiperactivi previzibili, taiati de prajituri, nevoile lui se simt absolut reale si este ceea ce merita cursa corporativa de sobolani intr-un anti-erou. Cel care face bine este inlocuit cu cel care nu face nimic. De asemenea, ajuta faptul ca Judge are o distributie perfect la bord cu tonul sau. Impreuna, transforma caricatura in profunzime, un desen animat in viata vie. — Harold Brodie

---

21. Trebuie sa vorbim despre Kevin

We Need To Talk About Kevin se refera la experienta unei mame (Tilda Swinton) care se lupta cu consecintele unui masacr de scoala comis de fiul ei (Ezra Miller). In constructia sa narativa, ea se bazeaza pe doua tropi cheie: cel al thriller-ului „whydunnit”, in care misterul motivatiilor faptuitorului este un factor determinant, si cel al groazei familiale, in care un element intunecat sfasie o gospodarie traditionala. . Intr-adevar, adevarata groaza nu este ca un adolescent a ales negatia totala fata de banalitatea vietii de familie normative, ci ca acestea pareau a fi singurele doua optiuni disponibile. Tilda Swinton este geniala in rolul principal al unei mame care se lupta cu vinovatia pentru ceea ce a facut fiul ei si reflecta asupra copilariei sale, intrebandu-se ce, daca este ceva, ar fi putut fi facut diferit atunci cand cineva da nastere unei „samante proaste”. Natura sfasietoare a filmului este perfect incapsulata de scena in care Kevin, cand era copil, renunta pentru scurt timp la tendintele sale sociopatice in timp ce este bolnav, oferindu-i personajului lui Swinton o scurta sansa de a se simti ca o mama pretuita, doar pentru a o inchide din nou emotional de indata ce fizicul sau fizic. sanatatea revine, zdrobindu-i sperantele ca ar fi fost facuta un fel de descoperire. —Donal Foreman

---

22. Evangelion 3.0+1.0: De trei ori o data

Din 1995, Neon Genesis Evangelion a patruns in constiinta culturala cu roboti giganti, adolescenti infuriati si referinte biblice ezoterice. Este povestea lui Shinji Ikari, un baiat destinat sa piloteze un robot urias numit Unit-01 intr-un viitor in care creaturi numite Ingeri sunt destinate sa distruga umanitatea. Dar Shinji rezista destinului sau, plangandu-se la fiecare pas si inghetand de nehotarare in timp ce supravietuirea umanitatii sta pe umarul lui. Este cu adevarat o franciza unica, creata de geniul si Hideaki Anno profund deprimat. Este o franciza care l-a chinuit de peste 25 de ani, de la un serial la o gramada de filme care au lucrat pentru a rescrie un final nemultumitor. Acum, Anno s-a terminat in sfarsit. Odata cu lansarea ultimei si ultimei sale piese din media Evangelion, Evangelion 3.0+1.0: De trei ori pe vremuri, vremea Ingerilor a ajuns la sfarsit. Thrice Upon a Time este al patrulea film Rebuild of Evangelion, care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Thrice Upon a Time este al patrulea film Rebuild of Evangelion, care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Thrice Upon a Time este al patrulea film Rebuild of Evangelion, care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews care este o repovestire completa a evenimentelor din seria originala. Filmul final din universul lui Shinji, Asuka, Rei si EVA poate sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Rei si EVA-urile ar putea sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Rei si EVA-urile ar putea sa nu fie cel mai bun loc pentru debutantii in franciza, dar ar trebui sa fie un mare motivator. Rareori francizele anime se termina cu o nota atat de perfecta, dar Anno arata ca este posibil cu Evangelion 3.0+1.0: Thrice Upon a Time. Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews Dupa decenii in care se lupta cu ceea ce inseamna aceasta serie pentru el si il foloseste ca un mecanism pentru a-si procesa propriul bagaj emotional, Anno si-a gasit in sfarsit inchiderea in lumea sa sparta, plina de neliniste si speranta. Acesta este un suspin de usurare, un suspine inabusit de mandrie care puncteaza o piatra de hotar culturala. Odata cu lansarea acestui film, Anno este in sfarsit libera. — Mary Beth McAndrews

---

23. Ocol

Un element de baza Poverty Row cu o distributie necunoscuta care se uita in noaptea intunecata postbelica a sufletului, Detour a ajuns sa intruchipeze cel mai bun film noir pe care il are de oferit – si anume, ca preocuparile legate de buget si de program au imbogatit indirect produsul artistic, reducand unul mai important. scenariul si romanul sursa si mai umflat intr-o economie de povestire precisa si extrem de clara. Prins in mintea transpirata a pianistului de jazz Al Roberts (Tom Neal), care se indreapta spre vest din New York pentru a se stabili cu iubita lui (Claudia Drake), un simbol al vietii stabile pentru Roberts, care a fugit cu inima pentru a incerca sa „Make it” la Hollywood, suntem blocati doar cu versiunea ghinionului despre evenimentele pe parcursul calatoriei sale din ce in ce mai disperate. La urma urmei, calatoria lui de autostopul pare sortita esuarii de la inceput, dar devine al naibii aproape de sumbru odata cu cadavrarea accidentala a unui Charles Haskell (Edmund MacDonald) gregar, in urma unei intalniri dragute cu un prieten vartej, si apoi complet fara speranta odata cu introducerea Verei (Ann Savage), o femeie fatala iconica care nu… Nu trebuie sa incerc din greu sa-l prind in capcana pe Roberts, pana in acel moment, atat de departe din liga lui, si-a tras pantalonii mult peste sfarcurile lui. Oricat de eficienta este o incapsulare a genului sau, pe cat este un noir care se ineaca in intregime in propriul sau cosmar infernal, Detour este cel mai impresionant pentru cat de gratios poate obtine Ulmer la maximum din atat de putin. — Dom Sinacola in acel moment, atat de departe din liga lui, si-a tras pantalonii mult peste sfarcurile lui. Oricat de eficienta este o incapsulare a genului sau, pe cat este un noir care se ineaca in intregime in propriul sau cosmar infernal, Detour este cel mai impresionant pentru cat de gratios poate obtine Ulmer la maximum din atat de putin. — Dom Sinacola in acel moment, atat de departe din liga lui, si-a tras pantalonii mult peste sfarcurile lui. Oricat de eficienta este o incapsulare a genului sau, pe cat este un noir care se ineaca in intregime in propriul sau cosmar infernal, Detour este cel mai impresionant pentru cat de gratios poate obtine Ulmer la maximum din atat de putin. — Dom Sinacola

---

24. Un erou

Care este pretul pentru a avea constiinta? Un erou al maestrului iranian Asghar Farhadi duce o fapta buna la toate concluziile sale dezordonate, oferind un teren fertil pentru stapanirea realismului estetic de catre regizor si a dinamicii interpersonale stranse. Rahim (Amir Jadidi), un debitor inchis, returneaza o punga plina cu bani pe care i-a gasit in concediu. Consecintele acelui act, impinse si intinse si inclinate de scenariul lui Farhadi – care adauga o intelegere inteligenta a retelelor sociale la o retea ascutita de relatii si reputatii – sunt un test de rezistenta pentru canalele lacrimale. Nobilimea condamnata este cea mai mare cerinta pentru Jadidi, dar zambetul sau mare si cu dinti si postura batuta de lume ii permit sa gaseasca cantitatile perfecte de farmec (fie ca sunt autentice sau dezamagitoare) sau patos (pe care stim ca l-ar uri) in Rahim. Sahar Goldoost,

---

25. Topor mic: rosu, alb si albastru

Ceea ce are Red, White & Blue sunt doua spectacole extraordinare ale lui John Boyega si Steve Toussaint. Boyega este fermecator in timp ce inflacaratul si conflictualul Leroy Logan, un om de stiinta de culoare care, in urma unui atac rasist al politiei asupra tatalui sau, decide sa se alature fortei pentru a o reforma din interior. Tatal sau este jucat cu ferocitate si demnitate la fel de convingatoare de Toussaint. Exista atat de multe de iubit in acest film, deoarece McQueen se sprijina in abilitatile sale de suspans – ridicand tensiunea cu un stil incomparabil – si scoate la iveala spectacole care sunt capabile sa transmita atat de multe fara sa spuna un cuvant. Cu toate acestea, scenariul nu se potriveste cu restul filmului, cu o expunere greoaie si un sentimentalism neobisnuit care ii ingreuneaza pe actori. In esenta, Red, White & Blue nu este despre reforma politiei. De fapt, aproape toate realizarile fascinante ale carierei lui Logan au loc cu mult timp dupa filmul. Mai degraba, Red, White & Blue se concentreaza pe o relatie complicata tata/fiu. Privit prin acea lentila (si probabil prin lentila propriilor tale probleme paterne) se ridica. — Leila Latif

---

26. Clubul de lupta

Bazat pe romanul uluitor al lui Chuck Palahniuk, versiunea cinematografica a Fight Club isi imbunatateste sursa. Multumesc, David Fincher. Atat Brad Pitt, cat si Edward Norton isi pot califica performantele drept „cel mai bun material pentru rol”. Este un thriller serios care prezinta violenta ca un instrument pentru a face fata banalitatii vietii si pericolelor care insotesc aceasta linie de gandire. Majoritatea oamenilor care nu au citit cartea au fost probabil la fel de surprinsi de sfarsit precum au fost atunci cand Meat Loaf a aparut in film. Fight Club este unul dintre cele mai bune filme ale anilor ’90. Perioada. Daca aveti o problema cu asta, atunci poate ar trebui sa iesim afara. — Shawn Christ

---

27. Toporul mic: Educatia

Educatia este cea mai personala si tandra lucrare a lui McQueen, axata pe educatia copiilor de culoare in anii 1970. McQueen, acum recunoscut ca un geniu creativ, i s-a spus in repetate randuri in copilarie de catre profesorii sai ca nu va fi niciodata capabil sa faca mai mult decat munca manuala de baza. In Educatie, el redeschide acele rani vechi prin Kingsley, un baiat stralucitor care viseaza sa fie astronaut. Datorita rasismului institutional si dislexiei nediagnosticate, Kingsley este trimis la o „scoala speciala” unde este plasat alaturi de copii albi cu tulburari de invatare intense si aparente si alti copii de culoare care nu au niciun motiv vizibil pentru a fi acolo. Dintre toate filmele pe care le-a facut, acesta este curatat de majoritatea semnaturilor stilistice ale lui McQueen: Intregul lucru seamana cu un film realizat efectiv in anii 1970, mai degraba decat cu un film modern intr-un cadru din anii ’70. Facand un film inradacinat in propriile amintiri, McQueen ne transporta in intregime acolo. Eroinele filmului se bazeaza pe activistii de culoare din viata reala care au luptat pentru viitorul copiilor din Indiele de Vest si au creat scolile de sambata care l-au alimentat pe McQueen. Educatia serveste atat ca un frumos tribut adus realizarilor lor in intreaga comunitate, cat si in recunoasterea talentelor unuia dintre cei mai talentati vizionari artistici din Marea Britanie. — Leila Latif

---

28. Dragoste si prietenie

Titlul celei mai recente comedii a lui Whit Stillman poate fi Dragoste si prietenie, dar, in timp ce ambele sunt cu siguranta prezente in film, abunda si alte calitati, mai negative: inselaciune, manipulare, chiar ura de-a dreptul. Sub suprafata eleganta a imaginii de epoca – cel mai evident evident in partitura orchestrala in stil baroc a lui Benjamin Esdraffo si in directia artistica ornamentata a lui Louise Matthew – se afla o viziune mai intunecata asupra umanitatii, care da filmului o lovitura mai ironica decat s-ar fi putut anticipa de la inceput. Totusi, umorul din Dragoste si prietenie nu este de genul mizantropic. Ca intotdeauna in cazul lui Stillman, viziunea sa asupra deficientelor burghezului este necrutatoare, dar in cele din urma empatica. Ceea ce inseamna ca, chiar daca Stillman se indreapta spre un fel de final fericit, filmul lasa un gust usor amar – care este probabil asa cum ar trebui sa fie. O astfel de onestitate a fost intotdeauna un semn distinctiv al cinematografiei lui Stillman si, chiar daca Dragoste si prietenie se simte mai mult ca o confectie decat celelalte filme ale sale, acea franchete, din fericire, inca ramane. — Kenji Fujishima

---

29. Toporul mic: Lovers Rock

In Lovers Rock, McQueen se dezlipeste de o naratiune conventionala si se inclina spre stil, miscare si sentiment pe parcursul unei singure petreceri in Notting Hill – o zona din Londra care (in 1980) a fost in mare parte populata de comunitatea Indiei de Vest. dar de atunci a devenit unul dintre cele mai scumpe cartiere de pe planeta. Acest film se bazeaza in general pe petrecerile pe care comunitatea neagra le tinea pentru ei insisi, deoarece nu erau binevenite in barurile si cluburile de noapte din Londra la acea vreme. In centrul acestui film se afla Martha (Amarah-Jae St. Aubyn), o crestina britanica din clasa de mijloc cu radacini jamaicane si mecanicul visator de schimbare a codurilor Franklyn (Micheal Ward). Lansat intr-o perioada de carantine si distante sociale, filmul a avut o primire incantatoare, aducand caldura in casele noastre si dorinta de a reveni la o seara cu astfel de posibilitati. O singura scena in care ringul de dans canta alaturi de „Silly Games” de Janet Kay este McQueen la cea mai mare si mai vesela sa, transportand publicul intr-un extaz hipnotic ametitor. In multe privinte, Lovers Rock este cel mai mic film al lui McQueen, dar poate ajunge sa fie cel mai iubit al lui. — Leila Latif

---

30. Toporul mic: Mangrove

Mangrove este cel mai grozav film al lui McQueen nu numai pentru ca este o piesa exceptionala a filmului, ci si pentru ca arata practic fiecare dintre punctele forte ale lui McQueen. Prima jumatate se uita la terorizarea sponsorizata de stat a restaurantului Mangrove, un restaurant din Notting Hill deschis de Frank Crichlow (Shaun Parkes) in 1968, care a devenit un hub pentru comunitatea Indiei de Vest si Pantere Negre Britanice. Dupa ce o demonstratie care protesteaza impotriva tratamentului acordat de Mangrove este invadata de forta de politie rasista, noua dintre participanti (inclusiv Crichlow insusi) sunt acuzati pentru incitarea la o revolta. A doua jumatate a filmului urmareste procesul lor si impactul pe care il are asupra lor. De la inceput pana la sfarsit, McQueen trage in toti cilindrii, aruncand o lumina asupra unei piese de istorie in mare masura uitate si atragand spectacole exceptionale din intreaga distributie (dar in special Parkes si Malachi Kirby). Multe dintre cele mai frumoase momente ale lui Mangrove, inclusiv punctul culminant, se tin strans de fata lui Parkes si ne lasa sa traim durere intensa, furie, frica, bucurie si usurare prin fantanile fara fund ale ochilor sai caprui sufletesti. Si este palpitant: scenele anterioare ale politiei, furisand pe strazi ca niste pradatori de varf, deranjeaza si ingrozesc. Dar McQueen este capabil sa realizeze schimbari de ton fara intreruperi, interogatoriul acelorasi ofiteri de politie intr-o scena ulterioara a tribunalului dovedindu-se absurd si hilar. O lauda deosebita trebuie acordata si directorului de imagine Shabier Kirchner. Folosirea camerei in acest film este pe cat de imprevizibila, pe atat de frumoasa, facand fiecare moment visceral si captivant. McQueen alege fotografii si unghiuri neobisnuite pentru a oferi fiecarei scene compozitia atenta a unui Vermeer. Exista o poezie pura pentru Mangrove si o nota de subsol implicita: Curajul acestor activisti va fi in cele din urma surprins de un regizor negru si va fi transformat nu numai in cea mai mare lucrare a sa (de pana acum), dar poate in cel mai bun film britanic al deceniului.— Leila Latif

---

32. Sun of Metal

Ruben Stone (Riz Ahmed) este provocat de sponsorul sau de dezintoxicare: Stati intr-o camera complet tacuta. Daca nu reusiti sa faceti asta, scrieti despre ce va trece prin minte. Ca un dependent de recuperare si un rockstar infloritor, acest lucru este greu de realizat de unul singur. Dar, cu auzul care se deterioreaza rapid, Ruben se teme de tacere ca nimeni altul. Sound of Metal, regizat de Darius Marder, exploreaza lupta unui muzician cu identitatea din cauza noii sale dizabilitati. Un experiment de design de sunet asociat cu o performanta stelara principala face un film captivant. Alaturi de iubita lui, Lou (Olivia Cooke), Ruben co-conduce trupa de metal Blackgammon. Ei calatoresc la concerte in Winnebago si se leaga pe drumul liber. Ruben isi pierde auzul intr-un mod brusc, provocand ingrijorare. Temut, merge la un audiolog pentru a descoperi ca pierderea auzului este destul de avansata. Preocupat de faptul ca sobrietatea lui este in pericol din cauza vestilor socante, Lou il convinge pe Ruben sa mearga la un refugiu comunitar pentru surzi. In timp ce este acolo, el echilibreaza sentimentele conflictuale de a invata sa traiasca si sa se iubeasca pe sine ca o persoana surda si sa-si doreasca vechea viata. Cu o poveste solida despre o pierdere profunda (sau este pur si simplu o schimbare profunda?), cu spectacole knockout ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiat, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs Lou il convinge pe Ruben sa mearga la un refugiu comunitar pentru surzi. In timp ce este acolo, el echilibreaza sentimentele conflictuale de a invata sa traiasca si sa se iubeasca pe sine ca o persoana surda si sa-si doreasca vechea viata. Cu o poveste solida despre o pierdere profunda (sau este pur si simplu o schimbare profunda?), cu spectacole knockout ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiat, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs Lou il convinge pe Ruben sa mearga la un refugiu comunitar pentru surzi. In timp ce este acolo, el echilibreaza sentimentele conflictuale de a invata sa traiasca si sa se iubeasca pe sine ca o persoana surda si sa-si doreasca vechea viata. Cu o poveste solida despre o pierdere profunda (sau este pur si simplu o schimbare profunda?), cu spectacole knockout ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiat, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs el echilibreaza sentimentele conflictuale de a invata sa traiasca si sa se iubeasca pe sine ca un surd si sa-si doreasca vechea viata. Cu o poveste solida despre o pierdere profunda (sau este pur si simplu o schimbare profunda?), cu spectacole knockout ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiat, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs el echilibreaza sentimentele conflictuale de a invata sa traiasca si sa se iubeasca pe sine ca un surd si sa-si doreasca vechea viata. Cu o poveste solida despre o pierdere profunda (sau este pur si simplu o schimbare profunda?), cu spectacole knockout ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiat, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs Spectacole eliminatorii ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiu, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs Spectacole eliminatorii ale lui Ahmed si Paul Raci intr-un rol secundar si un design de sunet demn de premiu, Sound of Metal trece prin dezordine. Dar, cel mai important, face acest lucru dand prioritate comunitatii surzilor/cu deficiente de auz prin angajarea de talente surde, utilizarea consultantilor pentru surzi si subtitrari pe tot parcursul filmului. Filmul lui Marder este genul de film care ar fi putut merge cu usurinta in directia gresita (din toate motivele corecte). In schimb, lipeste aterizarea. — Joi Childs

---

33. Orasul gras

John Huston, un regizor de film veche, bautor si macho, daca a existat vreodata, si-a indreptat mana catre o adaptare a romanului de box Fat City – iar rezultatul a fost poate unul dintre cele mai grozave filme pe tema pugilismului facute vreodata. Sufletul sportului consta in oamenii din margine – violentii, criminalii, imigrantii saraci, minoritatea rasiala – iar personajele filmului (interpretate de oameni ca Stacy Keach si Jeff Bridges) nu sunt mari, ci doar aspirationale. barbati intr-un oras fara fund, simtindu-se lasati in urma de restul lumii. Huston nu se fereste niciodata de realitatea jocului de lupta la mica masura: barbati zdrobiti, invinetiti, cu putine sperante si chiar mai putine perspective, petrecand cei mai buni ani fizici luand bataie pentru a-si castiga existenta. — Christina Newland

---

34. Vastul noptii

Vast of Night este genul de film SF care se infiltreaza in memoria ta adanca si se simte ca ceva ce ai auzit la stiri, observat intr-un vis sau spus intr-un bar. Imnul unui oras mic al regizorului Andrew Patterson catre analog si extraterestri este construit din preluari lungi si vorbarete si secvente rapide de manipulare a tehnologiei. De fapt, un joc cu doua maini din anii ’50 intre pasionatii de audio (Sierra McCormick si Jake Horowitz jucand un operator de centrala si, respectiv, disc jockey), filmul este o fabula matlasata cu straturi de povesti, anecdote si conversatii care se stivuiesc si impletesc caldura inainte de a smulge copertele. Eficacitatea locatiei prafuite si a locuitorilor sai, creat dintr-un meci de baschet din liceu si conversatii telefonice unilaterale (care din urma sunt exemple perfecte ale performantei increzatoare ale lui McCormick si scenariul ascutit al scriitorilor James Montague si Craig W. Sanger), isi face doar inevitabila destinatie OZN in desert. chiar mai bine. Confortul si prietenia se intalnesc cu o manifa usoara si un torent de cuvinte, ceea ce face ca linistea senzoriala (linisterea pentru a se concentra pe o frecventa sau renuntarea la imagini pentru a se concentra asupra unui singur apelant radio misterios) aproape sfanta. Este o mitologie in cea mai buna calitate, o poveste de origine care face ca obsesia extraterestra sa para la fel de naturala si ca parte a vietilor noastre curioase ca multele sale instantanee sociale. Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller Scenariul ascutit al lui Sanger), nu face decat sa-si imbunatateasca si mai bine inevitabila destinatie OZN in desert. Confortul si prietenia se intalnesc cu o manifa usoara si un torent de cuvinte, ceea ce face ca linistea senzoriala (linisterea pentru a se concentra pe o frecventa sau renuntarea la imagini pentru a se concentra asupra unui singur apelant radio misterios) aproape sfanta. Este o mitologie in cea mai buna calitate, o poveste de origine care face ca obsesia extraterestra sa para la fel de naturala si ca parte a vietilor noastre curioase ca multele sale instantanee sociale. Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller Scenariul ascutit al lui Sanger), nu face decat sa-si imbunatateasca si mai bine inevitabila destinatie OZN in desert. Confortul si prietenia se intalnesc cu o manifa usoara si un torent de cuvinte, ceea ce face ca linistea senzoriala (linisterea pentru a se concentra pe o frecventa sau renuntarea la imagini pentru a se concentra asupra unui singur apelant radio misterios) aproape sfanta. Este o mitologie in cea mai buna calitate, o poveste de origine care face ca obsesia extraterestra sa para la fel de naturala si ca parte a vietilor noastre curioase ca multele sale instantanee sociale. Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller ceea ce face ca linistea senzoriala (linisterea pentru a se concentra pe o frecventa sau renuntarea la imagini pentru a se concentra asupra unui singur, misterios apelant radio) aproape sfanta. Este o mitologie in cea mai buna calitate, o poveste de origine care face ca obsesia extraterestra sa para la fel de naturala si ca parte a vietilor noastre curioase ca multele sale instantanee sociale. Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller ceea ce face ca linistea senzoriala (linisterea pentru a se concentra pe o frecventa sau renuntarea la imagini pentru a se concentra asupra unui singur, misterios apelant radio) aproape sfanta. Este o mitologie in cea mai buna calitate, o poveste de origine care face ca obsesia extraterestra sa para la fel de naturala si ca parte a vietilor noastre curioase ca multele sale instantanee sociale. Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller Frumoasa oda la toate lucrurile care merg [UNINTELLIGIBLE BUZZING] noaptea este o inspiratie indie pentru viitorul Fox Mulders de pretutindeni. — Jacob Oller

---

35. Fata lui Vineri

Efectele speciale au devenit atat de sofisticate incat multi dintre noi probabil am uitat cata uimire pura poti provoca o poveste grozava si un scenariu care nu se lasa nici macar o secunda. Aceasta comedie uimitoare, cu un ritm ametitor, de Howard Hawks, ii are in rolurile principale pe Cary Grant si Rosalind Russell si ne duce inapoi in doua dintre preocuparile distinctive ale deceniului: „Comedia de recasatorie” si intriga si obsesivitatea lumii ziarelor. In momentul in care Lindy Johnson din Russell intra in biroul ziarului condus de fostul ei sot Walter Burns (Grant), stii ca este pentru a-i spune ca se recasatoreste si paraseste jurnalismul pentru a-si creste o familie si stii ca nu asa se va termina. Nu exista un mister de mare suspans aici. Ceea ce te pune pe marginea scaunului tau in acest film este modul in care ajungi acolo. Actionat hilar si filmat cu experienta, His Girl Friday deriva o mare parte din impactul sau comic din glumele incredibil de inteligente si fulgeratoare ale personajelor. Nici nu va ganditi sa va verificati telefonul in timp ce vizionati asta. De fapt, incearca sa clipesti cat mai putin posibil. — Amy Glynn

---

36. Plecare din Las Vegas

Gazduind singurul spectacol castigator al Oscarului lui Nicolas Cage, sumbru Leaving Las Vegas este destul de ciudat si de hotarat, incat sa nu te superi de complotul sau naucitor despre un scenarist de bautura in cautarea mortii si lucratoarea sexuala cu o inima de aur aici pentru a-l urmari. merge. De fapt, randul lui Elisabeth Shue ca trauler-bar intarit este poate chiar mai impresionant decat neintelepciunea traita de Cage. In timp ce acesta din urma reuseste sa-si transforme ochii sticlosi in ai de caprioara, chiar si dupa ce o invalmaseala de blackjack a facut si mai deranjanta de utilizarea de catre regizorul Mike Figgis a filmarilor intense de 16 mm, primul este cel care face totul sa dea un clic. Turnul zdrobit, pazit, dur ca unghiile a lui Shue invinge un personaj dat foarte putin. Complotul stereotip si nesigur impiedica Leaving Las Vegas sa fie un film cu adevarat grozav,

---

37. Orasul pierdut din Z

The Lost City of Z al lui James Gray este un film anti-perioada. In sensul Imigrantului, ultimul film glorios al lui Gray, Z este fascinat de mediul sau (de data aceasta incepem peste Atlantic in Blighty, din 1906 pana in 1925) si impodobit luxos cu detalii de epoca – dar climatul social sugrumat si spatiile fizic claustrofobe. a societatii sale aparent sofisticate occidentale fac ca acel mediu sa para total neatragator. Doar odata ce ajungem in Amazon, nepatat de mainile occidentale, filmul se relaxeaza, partitura sa atragatoare si peisajul in aer liber devin imbietor. Acolo, intr-un tinut de triburi simple si salbaticie indiferenta, un barbat precum soldatul si exploratorul maiorul Percy Fawcett (Charlie Hunnam) isi poate gasi libertatea de ingustimea mintii care infecteaza Marea Britanie de la inceputul secolului al XX-lea. Cinematografia lui Darius Khondji nu completeaza doar filmul lui Gray, isi adanceste semnificatia, intarind atractivitatea junglei lui Fawcett, la nesfarsit verde si misterioasa, unde casa din Anglia pare plictisitoare si monotona. Fiecare cadru este somptuos si cu ochi incetosi, tanjind mereu dupa o era pierduta, cand aventurierii ar putea gasi inca colturi ale Pamantului complet neatinse. (Gray poate arata putina dragoste pentru Empire, dar el infatiseaza explorarea coloniala in sine ca pe o aventura romantica.) Filmul nu creeaza multa complexitate, dar se simte profund. Ca si Fawcett, il doare — ca obsesia lui, jungla, o invaluie, aruncand o vraja de durata. — Brogan Morris tanjind mereu dupa o era pierduta cand aventurierii ar putea gasi inca colturi ale Pamantului complet neatinse. (Gray poate arata putina dragoste pentru Empire, dar el infatiseaza explorarea coloniala in sine ca pe o aventura romantica.) Filmul nu creeaza multa complexitate, dar se simte profund. Ca si Fawcett, il doare — ca obsesia lui, jungla, o invaluie, aruncand o vraja de durata. — Brogan Morris tanjind mereu dupa o era pierduta cand aventurierii ar putea gasi inca colturi ale Pamantului complet neatinse. (Gray poate arata putina dragoste pentru Empire, dar el infatiseaza explorarea coloniala in sine ca pe o aventura romantica.) Filmul nu creeaza multa complexitate, dar se simte profund. Ca si Fawcett, il doare — ca obsesia lui, jungla, o invaluie, aruncand o vraja de durata. — Brogan Morris

---

38. Ida

O examinare convingatoare a modului in care trecutul ne poate modela chiar si atunci cand nu stim nimic despre el, filmul linistit polonez al lui Pawel Pawlikowski are loc in anii 1960, cand al Doilea Razboi Mondial s-a incheiat, dar inca prinde vietile oamenilor. In rolul principal, Agata Trzebuchowska — cu un echilibru bine adaptat intre naivitate si curiozitate, in ciuda faptului ca este un actor neprofesionist — joaca rolul unei calugarite in curs de formare care afla ca familia ei era evreica si a fost ucisa in timpul ocupatiei naziste. Ea porneste intr-o odisee pentru a le gasi mormintele alaturi de matusa ei cinica si alcoolica Wanda (Agata Kulesza), fost procuror al guvernului comunist. Relatia dintre cele doua personaje devine din ce in ce mai complexa pe masura ce patrund tot mai adanc in targul iepurelui din trecutul familiei lor. Filmat in raport alb-negru si academie (1,37:1) de catre directorii de imagine ?ukasz ?al si Ryszard Lenczewski, Ida isi foloseste cadrul cu un efect distinct, resemnand adesea personajele in treimea inferioara a ecranului. Efectul poate fi tulburator, dar intrigant; acel spatiu ar putea contine puterea vigilenta a stapanului Idei, dar ar putea fi, de asemenea, nimic altceva decat un gol gol. Dupa o viata de certitudine, Ida trebuie sa decida singura. — Jeremy Mathews

---

39. Jiro Dreams of Sushi

Jiro Dreams of Sushi este despre unul dintre cei mai mari maestri ai lumii culinare, dintre care gurmanzii ocazionali nici macar nu l-au auzit niciodata. Desi munca lui Jiro – la propriu, felurile de mancare pe care le pregateste atat de usor, si apoi actul de a-l urmari in timp ce isi priveste clientii cum mananca felurile de mancare – este, aparent, punctul central al filmului, povestea este cu adevarat propulsata de relatia bucatarului cu cei doi fii ai sai: cel mai tanar si-a inceput propriul restaurant, iar cel mai in varsta, la varsta de 50 de ani, continua sa lucreze cu tatal sau, antrenandu-se sa preia intr-o zi infamul restaurant al lui Jiro. Lipsit de gelozia familiala tipica la care te-ai putea astepta (si atat de lipsit, probabil, de multe conflicte), Jiro Dreams of Sushi este doar un documentar frumos filmat despre trei barbati care si-au dedicat viata cautarii perfectiunii. Ceea ce in sine este suficient de conflict, Asa cum filmul intreaba ager: Unde se intalnesc stilul, arta, practica si perfectiunea? — Emily Kirkpatrick

---

40. Downhill Racer

Cu Downhill Racer, Michael Ritchie a facut pentru filmele sportive ceea ce a facut Two-Lane Blacktop pentru filmele rutiere. A creat un film de sport existentialist, pe cat de tensionat, pe atat de ingrozitor, si a adus genul in taramul sumbru. Spre deosebire de multe alte filme de genul sau, Downhill Racer submineaza multe dintre tropiile pe care suntem atat de obisnuiti sa le vedem in majoritatea divertismentului comercial. Romantismul este gol, nu exista eroi pe care sa-i inradacineze, iar protagonistul pe care il avem cu siguranta are dorinta de maretie, dar in niciun moment nu ne inspira. In schimb, David Chappellet al lui Robert Redford are mult slabit mania, gelozia si frica. Cand reuseste, se simte gol, atat pentru public, cat si pentru personaj. Uneori filmul este destul de nihilist, in ciuda frumusetii poetice si transcendentale a decorului si a cinematografiei. Redford ofera aici una dintre cele mai discrete spectacole ale sale; Gama lui de emotii este mult mai subtila, dar in subtilitatea lui observam toata furia, teama si ambitia care compun turnul stralucit al lui Redford. Distributia secundara este la fel de nuantata. Lucrurile mici sunt cele care creeaza atmosfera puternica a acestui film si, ca urmare, secventele de actiune sunt cu atat mai captivante. — Nelson Maddaloni

---

41. Walk Hard: The Dewey Cox Story

Desi Walk Hard: The Dewey Cox Story pretinde a fi o falsificare a biopicurilor si a reprezentarilor lor extreme despre artisti – in special muzicieni – exagerarile biopicurilor sunt o reflectare a fragilitatilor si excentricitatilor artistilor pe care ii profileaza, asa ca este greu sa distingem o satira. despre biopic-uri dintr-o satira despre muzicieni. Indiferent de categoria in care se incadreaza filmul, Walk Hard nu reuseste atat de mult linia fina de a fi inteligent, ci ofera o distractie si o distractie absurda cu o gramada de rasete. John C. Reilly, care il interpreteaza pe starul muzicii in ascensiune si tulburat, Dewey Cox, prezinta cu pricepere un personaj idiot, totusi conspirator si superficial, dar sincer, cu o inima de aur prost. Aratand ceva ca Johnny Cash incrucisat cu Tom Waits, Cox are multiple dependente, sotii si faze muzicale. Aspirand la un nivel dincolo de maretie, dupa ce si-a ucis accidental fratele, impartindu-l in doua cu o maceta, cand sunt baieti care cresc in Alabama, Cox este obligat sa compenseze pierderea fratelui sau, ducand la o viata de exces si ingaduinta. . Dar Reilly nu este singura vedeta a filmului. Kristen Wiig straluceste ca sotia frustrata a lui Cox si mama numarului lor aparent infinit de copii; ca cealalta sotie frustrata si partenera de duet a lui Cox, Jenna Fischer este superba. Tim Meadows este isteric cu o performanta remarcabila ca colegul de trupa al lui Cox, care pare sa nu se opreasca din a face sau sa il introduca pe Cox la droguri din ce in ce mai grele. In plus, cameouri de la Jack White (Elvis Presley), Jack Black (Paul McCartney), Paul Rudd (John Lennon), Jason Schwartzman (Ringo Starr), Justin Long (George Harrison), Eddie Vedder, Jackson Browne si Lyle Lovett fac filmul si mai ridicol. La fel ca majoritatea filmelor de genul sau, Walk Hard poate fi prea exagerat pentru a se dovedi, dar are ceva fermecator in el, subliniat de dragostea sa autentica pentru muzica si afinitatea pentru muzicieni. De asemenea, reiese din una dintre primele replici din film („Guys, I need Cox!”) ca acest proiect nici nu se ia prea in serios si nici nu cere acelasi lucru de la spectatorii sai. — Pamela Chelin

---

42. Vanci

La fel de mult un omagiu adus jocurilor adolescentilor din anii ’80 – grija unor credinciosi precum John Hughes si Cameron Crowe – pe cat este o incercare de a impinge acest gen la extreme aproape lipsite de gust, Heathers este o privire hilara in miezul supurant al idului adolescentilor, toate ochelari de soare si tigari si momeala de inchisoare si kitsch neinteles. Ca orice telenovela pentru adolescenti, o mare parte din atractia filmului consta in laudarea stilului in defavoarea substantei – inventand moduri intregi de a vorbi, de a se imbraca si de a arata pentru o generatie impresionabila, crescuta in tropii de la Hollywood – dar Heathers isi imbratiseaza stilul ca o cheie de bolta esentiala a filmului, recunoscand ca pana si cea mai umflata melodrama poate fi vanduta printr-o imagine bine ingrijita. Si unele dintre imaginile lui Heathers sunt de nesters: JD (Christian Slater) scotand o arma asupra unor batausi de la scoala in sala de masa, sau Veronica (Winona Ryder) aprinzandu-si pasiv tigara cu flacarile lins de la explozia fostului ei iubit. Este logic ca scriitorul Daniel Waters sa fi vrut initial ca Stanley Kubrick sa-i regizeze scenariul: Heathers este filmul (pentru adolescenti) al unui regizor. — Dom Sinacola

---

43. Micile ore

Comediile obscenoase rareori fac apel la surse atat de bine privite: The Little Hours sustine ca baza ei se afla in colectia de romane a lui Giovanni Boccaccio, din secolul al XIV-lea, The Decameron, care face ca structura, ticalosia si caracterizarile sale sa para toate in mod adecvat. O serie de incidente care implica trei calugarite excitate — Alessandra, Genevra si Fernanda (Alison Brie, Kate Micucci si, respectiv, Aubrey Plaza) — si Massetto, un fermier sexi pe fuga (jucat de Dave Franco in modul complet de coperta romanului romantic) , The Little Hours il gaseste pe scriitorul/regizorul Jeff Baena (care a studiat in Studii Medievale si Renasterii la NYU) incantat sa actualizeze povestile usoare si pline de spirit ale lui Decameron, ajutat de faptul ca limbajul lui Boccaccio era opus eruditiei inflorite a majoritatii textelor perioadei. .

---

44. Demonul Neon

If Nicolas Winding Refn—sticla de colonie antropomorfa; jaguar asexuat—va face un film de groaza, Nicolas Winding Refn va face un film de groaza despre lucrurile care il sperie cel mai mult pe Nicolas Winding Refn: asimetrie, sex, paternitate. In The Neon Demon, fiecare personaj este fie fiica cuiva, fie o figura dezbatuta de tata, ambii insetati dupa genul de carne pe care numai Los Angeles-ul il poate oferi, rolurile de pradator si prada intr-un flux constant si tulburator. Partial film cu canibali si partial o reclama pentru masini la nesfarsit, filmul lui Refn despre un tanar model (Elle Fanning) care ajunge in industria modei merge exact acolo unde crezi ca va ajunge, chiar si atunci cand incearca cat se poate de ciudat sa fie ciudat. ca naiba. Dar, in ciuda eforturilor sale, Refn sustine o astfel de globala, atmosfera taratoare de disperare – un sentiment atat de adanc inradacinat al imperfectiunii fizice care se profileaza, al mortii – incat nu conteaza niciodata daca The Neon Demon nu se aduna la nimic mai mult decat un showroom de fabrica al numeroaselor skinuri superbe pe care le locuieste, violent. sau nu. — Dom Sinacola

---

45. In interiorul lui Llewyn Davis

Llewyn Davis (Oscar Isaac) nu este un om bun; ii spune la fel de mult nepotului sau, de parca s-ar fi resemnat de mult cu acea realitate. Cat timp in urma nu este clar – timpul, cand te prabusesti din canapea in canapea si atat de necrutator in idealismul tau artistic incat problemele tale devin ale tuturor, este maleabil. Are tendinta de a cadea inapoi pe sine, de a derula inapoi si de a reincepe. In 1961, Llewyn este un element de baza in scena populara emergenta din New York, dupa ce a atras o atentie minora pentru un album pe care l-a inregistrat cu un fost partener, acel partener acum o gaura in forma de succes in viata lui Lewyn. Albumul lui solo nu merge atat de bine – nici macar nu a fost lansat oficial de o casa de discuri – desi Llewyn stie ca este bun, poate chiar grozav, dispretuind orice alt artist (interpretat de oameni ca Justin Timberlake, Adam Driver si Carey Mulligan) nu s-au calibrat la standardele sale particulare pentru ceea ce constituie crearea muzicala etica si incisiva. Suntem convinsi ca si el este bun, avand in vedere scenele lungi in care Isaac interpreteaza pe deplin cantece adesea sfasietoare, camera lui Bruno Delbonnel intrezarind aceste imagini uitate printr-o ceata moale si stinsa, romantizand si judecand cumva amintirile noastre despre ceea ce ar putea acea parte a istoriei. au fost. Cu toate acestea, talentul lui Llewyn nu conteaza; si-a pierdut o parte din sine care ar putea intra in legatura cu un public. Daca Inside Llewyn Davis este ruminarea fratilor Coen cu privire la ceea ce ar insemna ca parteneriatul lor sa se incheie, este o marturisire profund personala a vulnerabilitatii si a fricii. Daca filmul este o scrisoare de dragoste catre o epoca mitologizata care poate nu a existat niciodata, atunci este vorba despre daca Llewyn este sau nu un om bun, indiferent daca ceea ce a reprezentat inseamna de fapt ceva sau nu – daca va fi sau nu amintit ca ceva mai mult decat o gaura in forma de Llewyn in vietile tuturor oamenilor pe care i-a dezamagit. — Dom Sinacola

---

46. ​​Slujitoarea

Exista putini regizori de pe Pamant capabili sa creeze experienta unor filme precum The Handmaiden atat de rafinat, pastrand in acelasi timp atat inertia intriga, cat si un sentiment de distractie. (Da, este adevarat: Park a facut o imagine cu adevarat distractiva, si adesea surprinzator, sumra de amuzanta.) Filmul incepe destul de sumbru, stabilindu-se intr-o scena de ramas bun in lacrimi, in timp ce Sook-hee (Kim Tae-ri) este transportat la conac al aristocratului retras si exorbitant de bogat Kouzuki (Cho Jin-woong), unde va actiona ca slujitoare a nepoatei sale, Lady Hideko (Kim Min-hee). Dar Sook-hee nu este o servitoare: este o hota de buzunare care lucreaza in numele lui Fujiwara (Ha Jung-woo), un escroc care intriga sa-si puna manusile pe bunurile lui Hideko. (Acesta nu este un eufemism. El o vrea doar pentru banii ei.) Dezvaluirea adevaratelor intentii ale lui Sook-hee este doar prima dintre multele de pe itinerariul narativ al Handmaiden. Park a proiectat filmul ca o cutie de puzzle in care fiecare pas facut pentru a gasi solutia raspunde la o intrebare si pune altele noi in acelasi timp. Dar esti aici sa citesti despre sex, nu-i asa? In scenele de sex dintre cele doua Kim, Park arata genul de regizor care este cu adevarat. Sexul este sexy, scenele vaporoase, dar in fiecare gasim o tandrete care ne invita sa le citim mai degraba ca romantism decat ca pornografie. Nu suntem conditionati sa cautam umanitatea in pantomime de natura sexuala explicita, dar exact atunci The Handmaiden este cel mai uman. Exista ceva reconfortant in asta si in incadrarea deviantei lui Park, asa cum este intruchipata de componenta masculina a filmului. Nu prea avem nevoie de el sa ne explice asta, dar mesajul este binevenit. — Andy Crump nu-i asa? In scenele de sex dintre cele doua Kim, Park arata genul de regizor care este cu adevarat. Sexul este sexy, scenele vaporoase, dar in fiecare gasim o tandrete care ne invita sa le citim mai degraba ca romantism decat ca pornografie. Nu suntem conditionati sa cautam umanitatea in pantomime de natura sexuala explicita, dar exact atunci The Handmaiden este cel mai uman. Exista ceva reconfortant in asta si in incadrarea deviantei lui Park, asa cum este intruchipata de componenta masculina a filmului. Nu prea avem nevoie de el sa ne explice asta, dar mesajul este binevenit. — Andy Crump nu-i asa? In scenele de sex dintre cele doua Kim, Park arata genul de regizor care este cu adevarat. Sexul este sexy, scenele vaporoase, dar in fiecare gasim o tandrete care ne invita sa le citim mai degraba ca romantism decat ca pornografie. Nu suntem conditionati sa cautam umanitatea in pantomime de natura sexuala explicita, dar exact atunci The Handmaiden este cel mai uman. Exista ceva reconfortant in asta si in incadrarea deviantei lui Park, asa cum este intruchipata de componenta masculina a filmului. Nu prea avem nevoie de el sa ne explice asta, dar mesajul este binevenit. — Andy Crump Nu suntem conditionati sa cautam umanitatea in pantomime de natura sexuala explicita, dar exact atunci The Handmaiden este cel mai uman. Exista ceva reconfortant in asta si in incadrarea deviantei lui Park, asa cum este intruchipata de componenta masculina a filmului. Nu prea avem nevoie de el sa ne explice asta, dar mesajul este binevenit. — Andy Crump Nu suntem conditionati sa cautam umanitatea in pantomime de natura sexuala explicita, dar exact atunci The Handmaiden este cel mai uman. Exista ceva reconfortant in asta si in incadrarea deviantei lui Park, asa cum este intruchipata de componenta masculina a filmului. Nu prea avem nevoie de el sa ne explice asta, dar mesajul este binevenit. — Andy Crump

---

47. Ash este cel mai pur alb

Povestea lui Ash Is Purest White se intinde pe zeci de ani, o epopee uluitor de frumoasa, pe cat de comica, pe atat de sfasietoare, care se simte imposibil de intim – limitata, chiar si nu de spatiu sau imagini, ci de emotie. China, de-a lungul deceniilor prin care filmul matura, se prabuseste in mijlocul modernizarii, cu putina grija pentru cei care nu isi permit sa se schimbe cu vremurile. Apoi exista dragoste, pasiune si crima: in esentia sa, Ash Is Purest White este o poveste de dragoste intre doi criminali, Qiao (Tao Zhao) si Bin (Fan Liao). Sunt oameni seriosi, cu comportamente serioase, viata lor de zi cu zi osciland intre neantul unui stil de viata de rutina si violenta. Cu toate acestea, violenta este rareori vazuta – desi atunci cand este, Zhangke Jia o dirijeaza cu un sentiment de disperare si urgenta necrutatoare – si cea mai mare parte a violentei de tip emotional. Inca, Exista, de asemenea, un mare simt al comediei umane care atarna peste lucrarile filmului, deoarece povestile personajelor principale ale lui Jia reflecta China in general: totul se schimba, nimic nu este sacru, trecutul palideaza in comparatie cu viitorul care se apropie rapid. Realitatea poate fi combatuta, dar timpul este inevitabil – mereu ne invadeaza si trece mereu pe langa noi. — Cole Henry

---

48. Pumnul furiei

Anul: 1972 Regia: Lo Wei Vedete: Bruce Lee, Nora Miao, Riki Hashimoto, Huang Tsung Hsing Evaluare: R Durata: 106 minute

Cea de-a doua caracteristica a lui Bruce Lee este o actualizare definitiva fata de cruditatea lui The Big Boss, avand un buget mai mare, o productie mai buna si o poveste mai importanta pentru valorile lui Lee. Personajul sau, Chen Zhen, devine un erou popular chinez atunci cand infrunta ocupantii japonezi invadatori – mai ales in scena clasica in care sparge un panou pe care scrie „fara chinez si fara caini” in parcul local. Fist of Fury marcheaza adevarata sosire a lui Bruce Lee, complet formata ca o legenda a actiunii, iar daca exista un moment precis in care publicul poate fi martor la acest lucru, acesta este lupta emblematica in dojo: Chen apare la centrul de antrenament japonez pentru a merge absolut in oras. toata lumea dinauntru. Cat de iconic ar deveni Bruce Lee? Aproape fiecare piesa vestimentara pe care a purtat-o ​​Lee in orice film a devenit un simbol al artelor martiale pentru deceniile urmatoare, fie ca este o simpla camasa alba, sau costumul bleumarin al acestui film, sau, bineinteles, treningul galben din The Game of Death. Asa stii ca tipul este o legenda. — Jim Vorel

---

49. Vivarium

O poveste imobiliara ciudata, in care proprietarii de case pentru prima data Tom (Jesse Eisenberg) si Gemma (Imogen Poots) obtin mult mai mult decat se asteptau, Vivarium este un cosmar stiintifico-fantastic discret al banalului, dupa inceputul lui David. Cronenberg. Filmul regizorului Lorcan Finnegan functioneaza, de asemenea, ca o alegorie a relatiei, in care Tom si Gemma se gasesc blocati intr-un cartier la moda de case de prajituri, unde intemeierea unei familii nu este doar o asteptare, ci ceva impus lor. Nu este la fel de inspaimantator ca ceva de genul Shivers, dar mai afectator prin designul sau suprareal si lipsa de speranta. Eisenberg si Poots detin ecranul ca un cuplu in dezintegrare care se descurca in moduri distincte noului lor terariu unde sunt observati, manipulati si – poate cel mai deranjant dintre toate – asigurati in mod obiectiv de forte nevazute si nedefinibile. Lansarea sa din 2020 se simte deosebit de potrivita, deoarece repetitia si lipsa de speranta devin rezidenti permanenti ai casei cuplului. Elementele de gen se infiltreaza in film, accelerand in sughituri si inceputuri care sunt la fel de captivante ca designul intentionat artificial al filmului. Dublarea sunetului uimitoare, colorarea ciudata si cateva momente autentice „Oh rahat” fac din Vivarium o fabula stransa, urata, care s-ar potrivi cu cele mai bune episoade Twilight Zone. — Jacob Oller

---

50. Suspectii obisnuiti

Filmul este o inselaciune si o frauda. Este pe cat de manipulator, pe atat de necinstit, dar, spre deosebire de multe alte filme mult mai putin demne de aceeasi descriere, toata nerusinarea acestui film este intentionata. Cand a fost lansat The Usual Suspects, spectatorii i-au lasat pacaliti, uitandu-se la ecrane cu expresii care se potriveau cu Michael Caine si Steve Martin pe pista de la sfarsitul filmului Dirty Rotten Scoundrels: la inceput confuzi, apoi poate putin furios, dar in cele din urma incantati de felul in care pacaliti ca tocmai fusesera. Pasionat perfect, realizat in mod stralucit de regizorul Bryan Singer si editorul/compozitorul John Ottman — filmul nu le lasa niciodata sa stie ca sunt pacaliti de ansamblul irezistibil sau de scenariul intunecat si rautacios al lui Christopher McQuarrie. Si apoi asa… a disparut… — Bennett Webber