Cele mai bune 50 de filme de pe HBO Max

Cele mai bune filme de la HBO Max nu reflecta nimic, daca nu punctul culminant al distopiei noastre de streaming. Aparent, acesta este un lucru bun: mai jos veti gasi capodopera dupa capodopera de la oameni ca Stanley Kubrick, Agnes Varda, Alfred Hitchcock, David Lynch, Barbara Kopple, Jacques Demy, Akira Kurosawa, Maysles, Pennebaker, Ingmar Bergman — cei In cautarea unui curs intensiv in cinematografia mondiala, poate sa multumeasca de unul singur Turner Classic Movies care a fost pliat sub bannerul HBO pentru recompensele pe care sunt pe cale sa le inhale. Practic, este ca Criterion Channel Lite in unele dintre colturile sale mai inalte.

La fel ca majoritatea celorlalte servicii de streaming care nu sunt detinute, sa zicem, de House of Mouse, nu exista o tema generala reala pentru ceea ce prezinta HBO, tocmai de aceea HBO trece Max reprezenta un indemn atat de puternic de a peste tot. si de a lasa totul. intampla. Chiar si Hayao Miyao, notoriu impotriva ca ele sale sa fie disponibile pe servicii de film in streaming, a cedat cele din urma. In timp ce candva aceste servicii de streaming reprezentau sau alternativa mai accesibila la un pachet de televiziune prin cablu prea scump, acum nu se ofera nicio alternativa, chiar daca aproape toate filmele imaginabile sunt disponibile pentru a viziona clar acum. Bun venit HBO Max: Primesti si tu o bucata din noi.

Veti gasi aici o multime de pietre pretioase franceze, ca sa nu mai vorbim de o selectie esentiala de documentare, filme mute, produse de baza SF, filme cu monstri psihedelici, muzicale si fiecare nuanta de momeala Oscar intre ele.

Iata cele mai bune 50 de filme de pe HBO Max in acest moment:

---

1. 2001: O odisee a spatiului

Cu cincizeci de ani in urma, Stanley Kubrick a povestit totul – despre viata, despre univers, despre durere si pierdere si despre modul in care realitatea si timpul se schimba pe masura ce noi, acesti calatori nesemnificativi, navigam prin toate, incercand sa le schimbam. . pe toate, nesigur daca am schimbat ceva. Scrisa de Kubrick si Arthur C. Clarke (al carui roman, conceput alaturi de scenariu, a fost lansat la scurt timp dupa premiera filmului), 2001: A Space Odyssey incepe cu originile rasei umane si se termina cu zorii a ceea ce vine dupa noi . — invartindu-se deasupra planetei noastre, asemanator unui zeu, un fat spatial a cincea dimensiune aparent atotstiutor, binevoitor — care se intinde pe nenumarati ani lumina si milenii intre ele. Si totusi, in ciuda salturilor sale ambitioase si a dimensiunii abia de inteles, fiecare gest simbolic inalt Kubrick se potriveste cu un moment de umanitate intima: tristetea mortii unui intelect puternic; socul crimei cu sange rece; detaliile si plictiseala de a ne mentine corpurile in functiune zilnica; lupta si uimirea de a intalni ceva ce nu putem explica; nevoia nerostita de a supravietui, niciodata pusa la indoiala pentru ca nu i se va raspunde niciodata. Mult mai mult decat un document speculativ despre rasa umana care colonizeaza Sistemul Solar, 2001 se intreaba de ce facem ceea ce facem – de ce, impotriva atatorului forte de opozitie, vazute si altfel, impingem in afara, dincolo de marginile a tot ceea ce stim. . . , tot ce trebuie sa stim vreodata? In mijlocul unor cadru lungi cu corpuri care cerneau prin spatiu, cu nave si cosmonauti care plutesc in tacere prin necunoscut, Kubrick gaste gratia – ajutat, desigur, de o coloana sonora clasica epica pe care astazi nu o putem desprinde din imaginile de nesters ale lui Kubrick – si in gratie isi gaste un scop. : Daca putem transcende radacinile noastre terestre cu curiozitate si neinfricare, atunci ar trebui. Pentru ca putem. Faptul ca sfarsitul odiseei lui Kubrick ne intoarce la inceput nu face decat sa reafirme acel scop: suntem si am fost intotdeauna navigatorii destinului nostru. — Dom Sinacola

---

2. Scoaterea mortilor

Bringing Out the Dead, o drama uluitor de descurajatoare despre taxele aduse lucratorilor medicali, Bringing Out the Dead are in mod natural multe de spus despre martiri si moralitate. Martin Scorsese nu lasa sa ramana neexaminata credinta literala a nimanui sau cea din sistemul medical defectuos american. Soferul de ambulanta cu ochii morti si disperat al lui Nicolas Cage trece in bicicleta printre parteneri obositi (pictati stralucitor de John Goodman, Ving Rhames si Tom Sizemore) in timp ce incearca sa puna ceva al naibii de bine in acest colt aparent uitat de Dumnezeu din New York. Va fi salvat de Mary (Patricia Arquette), fiica unui pacient cu infarct? Sau se va scufunda mai adanc in nebunia halucinanta care deja aparent a atins pe toti cei din jurul lui? Paul Schrader scrie un alt scenariu slabanog si trist in timp ce adapteaza romanul lui Joe Connelly, infatisand lumea atemporala a amurgului a urgentelor medicale cu toate detaliile sale murdare si fantomele psihologice. Toate acele filmari nocturne au meritat: filmul arata la fel de cosmar pe cat se simte. Este o lume a imperfectiunii, o lume a bunelor intentii, o lume la doar un telefon (sau improbabil, dar nu imposibil, accident) distanta. Bringing Out the Dead este un film despre sfarsitul vietii in forma sa cea mai ingrozitor de realista – in care Narcan si gura-la-gura inlocuiesc spiritualitatea – dar atingerea luminoasa a lui Scorsese si interpretarea nuantata a lui Cage ofera posibilitatea izolarii la sfarsit. accident Jacob Oller) plec. Bringing Out the Dead este un film despre sfarsitul vietii in forma sa cea mai ingrozitor de realista – in care Narcan si gura-la-gura inlocuiesc spiritualitatea – dar atingerea luminoasa a lui Scorsese si interpretarea nuantata a lui Cage ofera posibilitatea izolarii la sfarsit. accident Jacob Oller) plec. Bringing Out the Dead este un film despre sfarsitul vietii in forma sa cea mai ingrozitor de realista – in care Narcan si gura-la-gura inlocuiesc spiritualitatea – dar atingerea luminoasa a lui Scorsese si interpretarea nuantata a lui Cage ofera posibilitatea izolarii la sfarsit. Jacob Oller

---

3. Spirited Away

Ce este despre The Away al lui Hayao Miyazaki care il face unul dintre cele mai grozave – daca nu cel mai bun – filme pe care le-a facut vreodata? Poate pentru ca reprezinte cea mai buna expresie a temelor si conceptelor sale cele mai definitorii — puterea si perseverenta unei tinere, gloria rap a zborului, lupta spirituala a amneziei personale si culturale cu societatea japoneza, puterea rascumparatoare a iubirii. Poate ca sunt ceva de-a face cu miezul povestii filmului fiind atat de arhetipic identificabil, nu atat de o reimaginare moderna, cat este o evocare spirituala a Alice in Tara Minunilor a lui Lewis Carroll, o odisee a copilariei intr-o lume care se simte atat familiara, cat si straina. acelasi timp. Oricare ar fi cazul, nu exista nimic asemanator sa vizionati pentru prima data „Spirited Away”. Imaginea lui Chihiro (Rumi Hiiragi), a descoperit ca parintii ei s-au transformat in porci, alergand frenetic pe strazi in timp ce orasul din jurul ei prinde viata, luminile palpaind in existenta si spiritele care se ridica de pe pamant, nu este nimic altceva decat magic. Filme precum Nausicaa, Princess Mononoke si My Neighbour Totoro i-au facut cunostinta cu Hayao Miyazaki, dar Spirited Away ia asigurat numele printre canonul celor mai mari animatori care au trait vreodata, asigurandu-i mostenirea pentru deceniile urmatoare. — Tousaint Egan dar Spirited Away a fost cel care ia asigurat numele printre canonul celor mai mari animatori care au trait vreodata, asigurandu-i mostenirea pentru deceniile urmatoare. — Tousaint Egan dar Spirited Away a fost cel care ia asigurat numele printre canonul celor mai mari animatori care au trait vreodata, asigurandu-i mostenirea pentru deceniile urmatoare. — Tousaint Egan

---

4. Patimile Ioanei d’Arc

Fata lui Renee Jeanne Falconetti este in creierul tau, indiferent daca esti constient de asta acolo sau nu. Contururile si pistelele sale, acoperite de par tuns din substanta sau stil — capul ei centrat de doi ochi largi, marginiti de lacrimi, in suprapunere intre extaz si mizerie, chiar daca nu uitam la ea — consuma spatiu nemarginit in regizorul danez Carl Th. Capodopera tacuta a lui Dreyer, aparent suspendata de-a lungul lungului curs al istoriei de acum (oricand se intampla acum) si cand Dreyer si-a imaginat pentru prima data aceasta experienta captivanta, expresionista. Dreyer a scris despre filmul sau: „Ceea ce a contat a fost absorbtia spectatorului in trecut”, iar apoi, „A fost necesar un studiu amanuntit al documentelor din procesul de reabilitare; Nu am studiat hainele vremii si chestii de genul asta. Anul evenimentului mi-a parut la fel de neesential ca distanta sa fata de prezent.” Desi Pasiunea Ioanei d’Arc Dreyer se bazeaza pe stenogramele din 1491 ale procesului de erezie al sfantului sau titular (regizorul a fost binevenit de Societe Generale des Films pentru a face un film in Franta, alegerea sa a subiectului fiind sustinuta de canonizarea catre Franta) . a Ioanei d’Arc dupa Primul Razboi Mondial), el ofera putine detalii vizuale sau context istoric. In schimb, el scufunda spectatorul in perspectiva lui Joan, isi tine mana pe capul nostru in timp ce ne inecam in chinul la care este supusa ea, rareori eliberandu-si greutatea, cu exceptia ultimelor momente ale filmului, cand executia lui Joan pe rug declanseaza. . violenta in intreaga cetatenie. . Dar mai ales: acea fata, uimita de-a lungul timpului. Cel mai remarcabil, in Vivre sa vie de Jean-Luc Godard, regizorul se uita la protagonistul sau, Nana (Anna Karina), o urmareste pe Ioana d’Arc, luminandu-si fata plina de lacrimi in prim-plan, in timp ce experimenteaza ceva din aceleasi. . imagini in fata ei. Godard reflecta chipul lui Falconetti in cel al Karinei, care se intinde pe mai bine de trei decenii ca si cum ar fi nimic. Poate ca nu exista o oda mai buna la puterea a ceea ce a realizat Dreyer: atemporalitate suportata de tragedia carnii noastre prea slabe, prea umane. — Dom Sinacola care se intinde pe mai bine de trei decenii ca si cum ar fi nimic. Poate ca nu exista o oda mai buna la puterea a ceea ce a realizat Dreyer: atemporalitate suportata de tragedia carnii noastre prea slabe, prea umane. — Dom Sinacola care se intinde pe mai bine de trei decenii ca si cum ar fi nimic. Poate ca nu exista o oda mai buna la puterea a ceea ce a realizat Dreyer: atemporalitate suportata de tragedia carnii noastre prea slabe, prea umane. — Dom Sinacola

---

5. 8 1/2

Cu Fellini ratacim printr-o umbra a psihicului sau, intrebandu-ne unde incep amintirile lui si unde se termina psihozele lui Guido (Marcello Mastroiani). Poate cel mai impresionant amestec al lui Fellini de vise si fantezii, de adevar moral si eroare oniric, de spatiu si timp, 8 ½ isi spune povestea in benzi Mobius, infasurand realitate in realitate pentru a lasa publicul neputincios ingropat in autoabsorbtia personajului sau principal. Obsesia lui Guido este atat de introspectiva incat nu se poate abtine sa nu distruga fiecare relatie apropiata din viata lui si, totusi, prin agatarea naratiunii filmului de lupta unui regizor de a realiza cel mai recent film al sau — titlul se refera la faptul ca acest a fost al optulea lungmetraj si jumatate al lui Fellini — iconicul regizor italian pare sa sustina ca geniul artistic cere practic un asemenea solipsism. . . Este o declaratie nemaipomenita de facut pentru un film, dar Fellini o face cu atata gratie si viziune, cu o intentie atat de perfecta, 8 ½ devine o capodopera dulce-amaruie: clar, dureros si plin de nostalgie, celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola Este o declaratie nemaipomenita de facut pentru un film, dar Fellini o face cu atata gratie si viziune, cu o intentie atat de perfecta, 8 ½ devine o capodopera dulce-amaruie: clar, dureros si plin de nostalgie, celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola Este o declaratie nemaipomenita de facut pentru un film, dar Fellini o face cu atata gratie si viziune, cu o intentie atat de perfecta, 8 ½ devine o capodopera dulce-amaruie: clar, dureros si plin de nostalgie, celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola oferi. — Dom Sinacola celebreaza genul de viata glorioasa pe care numai cinematograful o poate face. oferi. — Dom Sinacola

---

6. Umbrelele din Cherbourg

Capodopera lui Jacques Demy este o poveste vertiginoasa, vibranta, dulce-amaruie, despre dragoste pierduta, gasita si desfiintata pentru totdeauna, o alta victima in timpul razboiului intr-o tara marcata de conflicte militare. Umbrelele din Cherbourg este traita, o poveste derivata din experienta de viata a lui Demy, iar acel cuvant cheie — „experienta” — este esential pentru ca filmul sa dea clic. Indepartati-i reperele muzicale si ramaneti cu o naratiune despre un tanar (Nino Castelnuovo) si o tanara (Catherine Deneuve) care se indragostesc profund unul de celalalt, pentru a fi sfasiati atunci cand este recrutat pentru a lupta peste ocean. . Povestea ramane inradacinata in patosul lui Demy, iar patosul da gravitatea lui Umbrellas. Muzica, desigur, este o parte critica a caracterului ei, o doza de magie pe care Demy o foloseste pentru a sustine rigorile vietii in timp de razboi cu maretie si sens. Este un film despre oameni indragostiti care se indragostesc si apoi se indragostesc din nou de noi parteneri si sentimente modificate, o imagine frumoasa care poate sa te faca sa lesini si sa-ti zdrobeasca inima. — Andy Crump

---

7. Sapte samurai

Filmul favorit al inimii lui Akira Kurosawa este Ikiru, in timp ce cel al creierului este intotdeauna pus in neregula pe Seven Samurai. Uita de multitudine de remake-uri si re-imaginari oficiale si neoficiale, gandeste-te practic la orice fir ambitios de actiune/aventura, la povesti incantatoare despre cei care se lupta cu fortele aparent imbatabile care le ameninta existenta, cu doar curaj, inteligenta. . si bravura de partea lor: Seven Samurai este incorporat in acel ADN. De la cele mai mici detalii ale structurii sale, pana la incadrarea specifica, design si coregrafie, alegerile lui Kurosawa il solidifica felul de a folosi unul dintre cele mai grozave filme realizate vreodata. —Oktay Ege Kozak

---

8. Casablanca

Probabil ca exista un numar decent de autori-teoreticieni care s-ar chinui cu mine pentru ca spun ca Casablanca este un film perfect. Echipa de productie nu a considerat-o mare lucru, de fapt; doar unul dintre sutele de filme realizate in acel an (in ciuda unei distributii din liga majora si a unor mari scriitori). A avut rezultate solide la box office, desi nu spectaculos. Apoi a castigat o gramada de premii ale Academiei. Apoi reputatia sa a inceput sa creasca. Unul dintre multele lucruri interesante despre Casablanca este durabilitatea sa epica – povestea se simte la fel de proaspata si reala astazi ca si in 1945. O drama romantica cu tonuri politice si multa inteligenta, prezinta spectacole superbe de Humphrey Bogart si Ingrid Bergman, Peter Lorre, Sydney Greenstreet si Paul Henreid (pentru inceput). Dragoste condamnata, sacrificiu de sine, bogie-uri din belsug, si unul dintre cele mai esentiale momente cinematografice ale epocii sale (amandoi copiii mei s-au nascut dupa 11 septembrie si chiar si ei au aplaudat cand corul La Marseillaise ia inecat pe nazisti). Destept, dulce si plin de duh; probabil filmul prin excelenta la anii 1940 si unul dintre cele mai bune filme de bine din secolul la XX-lea. — Amy Glynn

---

9. Avion!

Trio-ul de scriitori format din Jerry Zucker, Jim Abrahams si David Zucker (ZAZ) a definit un gen cu parodia lor de film dezastru in 1980. Glumele zboara repede si furioase, din confuzia „Who’s on First” a unui echipaj care include Roger si Capitanul. Oveur („Roger, Roger. Care este vectorul nostru, Victor?”) catre Oveur (Peter Graves) intreband un copil din cabina de pilotaj: „Joey, iti place filmele despre gladiatori?” unei batrane care traduce jive („Jive-ass tip oricum nu are creier! Shiiiiit!”) pentru a „nu-mi mai spune Shirley!” Ridicol si ridicol de citat, este cel mai amuzant film de falsificare din toate timpurile. – Josh Jackson

---

10. Cetateanul Kane

Evident, Citizen Kane nu este strain de nicio lista de filme ca aceasta, dar nu se poate nega ca o parte din ceea ce face ca acest film sa fie aparent „cel mai mare din toate timpurile” este modul in care foloseste procesul jurnalismului pentru ai. crea un stil si o structura de povestire care se simte cu totul unica la inceputul anilor 1940. Experimentam o mare parte a filmului prin ochii unui reporter (marele Joseph Cotten) care incearca sa inteleaga viata si moartea magnatului ziarului Charles Foster Kane (regizorul Orson Welles). ). ): Intr-un fel, este jurnalism de film ca investigatie, care ii permite lui Welles sa adopte o abordare inovatoare, disecand viata lui Kane in flashback-uri, stiri si interviuri din surse nu intotdeauna de incredere. Vezi doar: montajul sau vizual uimitor de ziar – doar un exemplu al montajului spectaculos al filmului,

---

11. Jules si Jim

Privit pe scara larga ca o piatra de incercare franceza, triunghiul amoros clasic al lui Francois Truffaut din perioada Primului Razboi Mondial se bazeaza pe un roman semi-autobiografic cu acelasi titlu al lui Henri-Pierre Roche, de care Truffaut la dat peste cap intr- o librarie din Paris in anii 1950. Adaptarea spune povestea tragica a lui Jim (Henri Serre), un boem francez, Jules (Oskar Werner), prietenul sau austriac si Catherine (Jeanne Moreau), iubita/sotia lui Jules. Cei doi barbati sunt indragostiti de Catherine, care seamana ciudata cu o statuie pe care amandoi o iubesc. Se casatoreste cu Jules. Razboiul izbucneste, iar cei doi barbati, din parti opuse ale conflictului, se lupta cu echipa ca unul l-ar putea ucide pe celalalt fara sa vrea in lupta. (Ceea ce se intampla de fapt este, probabil, mai rau.) Ambii supravietuiesc, iar mai tarziu, Jim ii viziteaza pe Jules si Catherine in cabana lor din Padurea Neagra. Jules marturiseste ca este nefericit, ca Catherine are aventuri constante, la parasit pe el si pe copilul lor, Sabine, luni intregi si ca traieste in groaza de ao pierde. Catherine incearca sa-l seduca pe Jim. Cei trei incearca o situatie experimentala in care Catherine este cu ambii barbati, dar tragedia rezulta doar de acolo. Poate un exemplu definitiv al noului val francez, filmul incorporeaza un vast lexic de tehnici cinematografice – filmari de stiri, fotografii, stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn dar tragedia rezulta doar de acolo. Poate un exemplu definitiv al noului val francez, filmul incorporeaza un vast lexic de tehnici cinematografice – filmari de stiri, fotografii, stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn dar tragedia rezulta doar de acolo. Poate un exemplu definitiv al noului val francez, filmul incorporeaza un vast lexic de tehnici cinematografice – filmari de stiri, fotografii, stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn dar tragedia rezulta doar de acolo. Poate un exemplu definitiv al noului val francez, filmul incorporeaza un vast lexic de tehnici cinematografice – filmari de stiri, fotografii, stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn dar tragedia rezulta doar de acolo. Poate un exemplu definitiv al noului val francez, filmul incorporeaza un vast lexic de tehnici cinematografice – filmari de stiri, fotografii, stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn stergere, fotografii panoramice, cadre inghetate, naratiune vocala (de Michel Subor) – desi nuante ale influentei sale falnice in ulterioare. filmele, televiziunea si muzica sunt aproape nenumarate. — Amy Glynn

---

12. Dispera franceza

Asa cum a fost cazul The Grand Budapest Hotel din 2014, The French Dispatch este o poveste intr-o poveste sau, in acest caz, mai multe povesti intr-o poveste si exista si povesti in acele povesti. Wes Anderson ramane o forta creativa care trebuie luata in considerare. Reprosat frecvent de cei negativi pentru angajamentul sau fata de stilul sau de filmare „ciudat” fin reglat, The French Dispatch demonstreaza ca este mai interesat decat orice de cum sa se joace cu mediul filmului si sa gaseasca noi modalitati de a-si spune povestile. Aici, el se provoaca la un mijloc mult mai complicat de a povesti, care este ocazional complicat, dar stimuleaza nerabdarea de a reveni la film – de a revedea si de a descoperi ceva nou. In plus, el schimba incursiunile anterioare in animatia stop-motion cu o scena de urmarire animata 2D extinsa, si chiar schimba pentru scurt timp operatia sa de camera prototip stationara si simetrica cu o secventa de masa in care camera se invarte incet in jurul personajelor asezate, creand o dimensionalitate noua si izbitoare cinematografiei sale. Timothee Chalamet, Jeffrey Wright si Benicio del Toro, in primele colaborari cu regizorul, nu ar fi putut fi perfect in acord cu lungimea uneia foarte specificate a lui Anderson. Chiar si roluri minore ale noii includ Anderson precum Elisabeth Moss, Henry Winkler, Christoph Waltz si Rupert Friend sunt, asa cum ar fi asteptat de la un perfectionist precum Anderson, o potrivire perfecta. Precizia cu care Anderson a desfasurat odata fara efort angoasa, conflictele familiale, dragostea, nesiguranta si, poate, mai presus de toate, pierderea, in cadrul semnaturii sale atent construite, productia de film este in mare parte absenta din cel mai nou efort al sau. Diversele trucuri de povestire ocupa centrul scenei, in timp ce personajele sunt forte pe bancheta din spate. Filmul devine o vitrina ironica pentru evolutia regizorului ca creativ care a perfectionat un stil inegalabil de peste doua decenii, cu un umor mai ascutit, dar fara pulsul mai profund simtit al unor filme precum The Darjeeling Limited, Fantastic Mr. Fox sau cel mai recent. , si cel mai eficient, The Grand Budapest Hotel. Totusi, nu inseamna ca oasele lui The French Dispatch lipsesc deloc din carne. „Ce se intampla mai departe?” ajunge sa fie un sentiment proportional cu cel al publicatiei titulare a filmului, al orasului care dispare in care este plasat si cu tema generala din cel de-al zecelea lungmetraj al lui Wes Anderson: Eterna batalie intre arta si capital. Intrebarea „Ce se intampla mai departe?” este mai putin putin o ancheta cu privire la viitorul unei publicatii inchise, fictive, decat o profetie ingrijoratoare, din viata reala, iar The French Dispatch actioneaza ca un dialog cu aceasta frica de viitorul artei. In aceasta privinta, este greu de argumentat ca aceasta dizolvare latenta a profunzimii caracterului este un negativ net, atunci cand Anderson este in mod clar interesat, mai mult decat orice, de cresterea si evolutia ca artist. — Brianna Zigler este greu de argumentat ca aceasta dizolvare latenta a profunzimii caracterului este un negativ net, atunci cand Anderson este in mod clar interesat, mai mult decat orice, de cresterea si evolutia ca artist. — Brianna Zigler este greu de argumentat ca aceasta dizolvare latenta a profunzimii caracterului este un negativ net, atunci cand Anderson este in mod clar interesat, mai mult decat orice, de cresterea si evolutia ca artist. — Brianna Zigler

---

13. The Janes

In primavara anului 1972, sapte femei au fost arestate pentru incalcarea unei legi pe care decizia Roe v. Wade din 1973 avea sa o dizolve in mod suma. Inainte ca arestarea sa fie considerata oficial nedrepta, acele femei erau componente integrante ale unui colectiv din Chicago care ii ajuta pe cei care abia asteptau schimbarea politicii pentru a-si permite actiunile. The Janes, un documentar HBO direct si captivant, regizat de Tia Lessin si Emma Pildes, are acces intim la membrii colectivului care isi vedeau reteaua de avorturi subterana ca pe o datorie, o chemare si singurul lucru care avea sens in fata unui total. interzicerea autonomiei reproductive. Filmul incepe cu un carlig la fel de dramatic pe cat poate un documentar bazat pe cap vorbitor. Un membru al colectivului descrie experienta ei chinuitoare cu un furnizor de avort organizat de mafiote; una dintre singurele optiuni disponibile la momentul respectiv, in afara de metodele autoinduse. Insotita de filmari de arhiva si alese cu intelepciune, ea transmite fulgerele texturale ale evenimentului: motelul slabit, procedura clinica total lipsita de orice confort sau anestezic, nivelurile socante de sange si prezenta neasteptata a unei alte fete in camera, un strain a carui procedura a fost facuta cu aceeasi insensibilitate in ceea ce priveste daca vreunul dintre ei a supravietuit. Doar datorita acelei proceduri duble – si ca amandoi aveau pe altcineva care sa se asigure ca celalalt nu sangera – ea a trait pentru a spune povestea. Aceasta este doar una dintre povestile de groaza care ii fac pe The Janes, colectivul care a oferit mii de femei un mijloc de a le salva vieti, dar ilegale, sa fie atat de insolubil. Pe tot filmul, membrii colectivului ofera relatari directe despre ceea ce ia atras unul spre celalalt si, in cele din urma, i-au legat impreuna, chiar si prin epuizare si sedere in spitale psihice. Cei care isi spun povestile nu provin dintr-o era complet extraterestra, iar cunostintele pe care le impartasesc, pe rand, in tonuri sincere si ganditoare, sunt incredibile de valoroase. In orice caz, The Janes este un apel pentru a gasi si a forma retele in propria comunitate. Este o reamintire, deoarece inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa faca eficient. analizati si eludati acea latura legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner Cei care isi spun povestile nu provin dintr-o era complet extraterestra, iar cunostintele pe care le impartasesc, pe rand, in tonuri sincere si ganditoare, sunt incredibil de valoroase. In orice caz, The Janes este un apel pentru a gasi si a forma retele in propria comunitate. Este o reamintire, deoarece inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata. ce, cine si cum sa se faca eficient. analizati si eludati acea latura legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner Cei care isi spun povestile nu provin dintr-o era complet extraterestra, iar cunostintele pe care le impartasesc, pe rand, in tonuri sincere si ganditoare, sunt incredibil de valoroase. In orice caz, The Janes este un apel pentru a gasi si a forma retele in propria comunitate. Este o reamintire, deoarece inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata. ce, cine si cum sa se faca eficient. analizati si eludati acea latura legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner pe masura ce inevitabilitatea unei alte interdictii a avortului se apropie din ce in ce mai mult in fiecare zi, vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner —Shayna Maci Warner vor exista intotdeauna oameni care ignora ceea ce este legal in favoarea a ceea ce este corect – iar documentarul poate fi un instrument pentru a invata ce, cine si cum sa analizeze si sa evite in mod eficient acest lucru. partea legala, incontestabil gresita a istoriei. —Shayna Maci Warner

---

14. Godzilla

La inceputul lui Godzilla, inainte ca monstrul sa fie zarit de pe malul insulei Odo, un pescar local ii spune reporterului Hagiwara (Sachio Sakai) in vizita despre piesa pe care o urmareste, descriindu-o ca fiind ultimul vestigiu ramas din vechiul „exorcism” . ” odata practicau oamenii lui. Hagiwara ii urmareste pe actori „sacrificand” o tanara creatura calamioasa a marii pentru ai potoli foamea si ao convinge sa lase niste peste pentru ca oamenii sa se bucure – cel putin pana la urmatorul sacrificiu. Filmul cu monstru de succes al lui Ishiro Hondo — primul de acest gen din Japonia, cel mai scump film realizat vreodata in tara la acea vreme, nici macar la un deceniu dupa bombardarea atomica de la Hiroshima si Nagasaki — este, dupa 20 de secvente de peste trei ori mai multi ani, un exorcism surprinzator de elegiac propriu, o reamintire a traumei continue a unei natiuni intr-o perioada in care restul lumii a venit sa uite. Dupa cum descrie J Hoberman in eseul sau pentru lansarea filmului Criterion, o mare parte din imaginile dezastrelor Honda sunt „codificate in naturalism”, o privire asemanatoare cu adevarata distrugere provocata de fiara, dar care nu se poate distinge de consecintele atacurilor americanilor din 1945. , mai ales cand SUA si Rusia, printre alte puteri, testau bombe H in Pacific la inceputul anilor 1950, scaldandu-i pe japonezi in chiar mai multe radiatii decat cele in care erau deja saturate. Si totusi, Godzilla este un film SF, plin de un om de stiinta „nebun” intr-un plasture pe ochi si un om intr-un costum de dinozaur de cauciuc rasturnand poduri model. Ca Honda se descurca cu o asemenea prostie cu o mana neincetat de poetica, eliminarea durerii psihologice a natiunii sale in salve larg intime, este deloc uluitoare. Fotografiile cu Godzilla trecand greoi prin fumul gros, reflectoarele care ii evidentiaza gura cascata, in timp ce armele armatei japoneze nu fac altceva decat sa socheze intunericul cu un frumos clarobscur, au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune de sequele). ). a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola este deloc uluitoare. Fotografiile cu Godzilla trecand greoi prin fumul gros, reflectoarele care ii evidentiaza gura cascata, in timp ce armele armatei japoneze nu fac altceva decat sa socheze intunericul cu un frumos clarobscur, au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune de sequele). ). a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola este deloc uluitoare. Fotografiile cu Godzilla trecand greoi prin fumul gros, reflectoarele care ii evidentiaza gura cascata, in timp ce armele armatei japoneze nu fac altceva decat sa socheze intunericul cu un frumos clarobscur, au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune de sequele). ). a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola reflectoarele care ii evidentiaza gura cascata, in timp ce armele armatei japoneze nu fac altceva decat sa socheze intunericul cu un frumos clarobscur, au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune a sechelarii a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola reflectoarele care ii evidentiaza gura cascata, in timp ce armele armatei japoneze nu fac altceva decat sa socheze intunericul cu un frumos clarobscur, au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune a sechelarii a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune de sequele a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola au fost rareori egalate in filme de genul sau (si in propria legiune de sequele a regizorului); Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola — Dom Sinacola odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola — Dom Sinacola odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola Honda a vazut zei si monstri si, odata cu intrarea lumii intr-o noua era a pieirii tehnologice, nu a gasit nicio diferenta intre cei doi. — Dom Sinacola

---

15. Terminator 2: Ziua Judecatii

Acea continuare rara care il depaseste pe predecesorul sau, James Cameron si co-scenariul William Wisher Jr. au creat un scenariu de film de actiune aproape perfect, care a rasturnat originalul pe cap si la lasat pe Ahnold sa fie un tip bun. Dar transformarea Lindei Hamilton de la o domnisoara aflata in dificultate la un erou prost este ceea ce face filmul atat de remarcabil. De ce ar trebui baietii sa obtina toate scenele bune de actiune? – Josh Jackson

---

16. Salarii fricii

A trecut aproximativ o ora inainte ca filmul lui Henri-Georges Clouzot sa ajunga la intriga reala – o ora intreaga inainte ca cei patru expatriati saraci ai nostri sa preia spectacolul care sfideaza moartea de a conduce doua camioane pline cu nitroglicerina pe 300 de mile perfide, din orasul petrolier sud-american. Las Piedras la locul exploziei unui camp petrolier supravegheat de o corporatie americana. Clouzot isi pune miza pur si simplu: deoarece nitroglicerina este atat de volatila si pentru ca corporatia nu are la dispozitie echipamentul adecvat de transport, voluntarii trebuie, cu o grija deosebita, sa conduca camioane pline cu substanta chimica pe teren muntos pentru a fi folosite pentru a atenua focul de petrol. o uriasa explozie controlata. Dar aceasta calatorie nu incepe decat dupa ce Clouzot a strabatut lumea stagnanta a soferilor nostri, prezentandu-ne genul de barbati care rareori se ocupa de moneda sperantei: lothario corsican Mario (Yves Montand), italianul cald la inima Luigi (Folco Lulli), fostul gangster alunecos Jo (Charles Vanel) si tipul cool german stoic Bimba ( Peter van Eyck) sunt fiecare prinsi in oras, pierzandu-si timpul interminabil acolo cu locuri de munca ciudate, bauturi alcoolice si femei locale. Cu un control alegoric aproape fara efort, Clouzot ii pune pe barbati la cheremul capitalismului american, dandu-le posibilitatea de a alege sa continue sa moara incet in Las Piedras sau sa-si riste viata pentru suficienti bani pentru a iesi in sfarsit (ceea ce intr-adevar nu este deloc o alegere) . Mai degraba decat sa-i arunce drept eroi si viitori martiri, Clouzot care se balaceste cu ei in Las Piedras dezvaluie firea lor neobisnuita, cum ar fi afemeiatul lui Mario, distanta aproape sociopatica a lui Bimba si lasitatea latenta a lui Jo. Chiar si cu atat de neplacut, strangem din dinti si ne tinem respiratia in timp ce acesti anti-eroi se clatineaza peste fata propriei lor inevitabile distrugeri, Clouzot stiind foarte bine ca ne-a prins de gat. In tensiunea sa incredibila, The Wages of Fear poate fi un ceas ingrozitor, dar este filmat cu o lipsa atat de totala de sentimentalism, incat sumbruarea peisajului creat de Clouzot ne-o obliga sa nu pese de cei care nu merita. Avem afectiune nu pentru ca Clouzot ne-a manipulat, ci pur si simplu pentru ca acesti barbati zdrobiti sunt la fel de mult la cheremul unui univers indiferent ca si noi, conduci de soarta si de classism si orice altceva nu vom controla niciodata, indiferent daca stim sau nu. — Dom Sinacola Clouzot stiind foarte bine ca ne-a prins de gat. In tensiunea sa incredibila, The Wages of Fear poate fi un ceas ingrozitor, dar este filmat cu o lipsa atat de totala de sentimentalism, incat sumbruarea peisajului creat de Clouzot ne-o obliga sa nu pese de cei care nu merita. Avem afectiune nu pentru ca Clouzot ne-a manipulat, ci pur si simplu pentru ca acesti barbati zdrobiti sunt la fel de mult la cheremul unui univers indiferent ca si noi, conduci de soarta si de classism si orice altceva nu vom controla niciodata, indiferent daca stim sau nu. — Dom Sinacola Clouzot stiind foarte bine ca ne-a prins de gat. In tensiunea sa incredibila, The Wages of Fear poate fi un ceas ingrozitor, dar este filmat cu o lipsa atat de totala de sentimentalism, incat sumbruarea peisajului creat de Clouzot nu ne obliga sa nu pese de cei care nu merita. Avem afectiune nu pentru ca Clouzot ne-a manipulat, ci pur si simplu pentru ca acesti barbati zdrobiti sunt la fel de mult la cheremul unui univers indiferent ca si noi, conduci de soarta si de classism si orice altceva nu vom controla niciodata, indiferent daca stim sau nu. — Dom Sinacola Avem afectiune nu pentru ca Clouzot ne-a manipulat, ci pur si simplu pentru ca acesti barbati zdrobiti sunt la fel de mult la cheremul unui univers indiferent ca si noi, conduci de soarta si de classism si orice altceva nu vom controla niciodata. . , indiferent daca stim sau nu. — Dom Sinacola Avem afectiune nu pentru ca Clouzot ne-a manipulat, ci pur si simplu pentru ca acesti barbati zdrobiti sunt la fel de mult la cheremul unui univers indiferent ca si noi, conduci de soarta si de classism si orice altceva nu vom controla niciodata, indiferent daca stim sau nu. — Dom Sinacola

---

17. dictator Marele

Primul „talkie” al lui Charlie Chaplin a fost o satira ascutita pe care el a scris, regizat, produs, marcat si jucat in rolul ambelor roluri principale, un despot fascist care seamana destul de mult cu Adolf Hitler si cu un frizer evreu persecutat. Satira buna poate fi puternica, iar acest film a fost: Lansat in timp ce Statele Unite erau inca in pace cu Germania, a starnit o mai mare atentie publica si a condamnat nazistii si Mussolini, antisemitismul si fascismul. ( Acestea fiind spuse, Chaplin a povestit mai tarziu ca nu ar fi putut niciodata sa faca filmul satiric nici macar un an sau doi mai tarziu, pe masura ce amploare orelor din lagarele de concentrare germane a devenit mai clara.) tiranul cat si omul asuprit. a fost o inspirat, subliniind adevarul inspaimantator, dar inevitabil, ca toti continem putin din ambele personaje. Acesta este un film surprinzator de pertinent pentru momentul nostru particular din istorie si merita sa stearga praful si sa stea la coada nu numai pentru mestesugurile sale incredibile, ci si pentru rezonanta sa ca studiu in proiectie. — Amy Glynn

---

18. Frumoasa si Bestia

Inainte ca Jerry Orbach si Angela Lansbury sa dea voce pentru articole animate de uz casnic, a existat Jean Cocteau. Aceasta poveste este cu noi inca din secolul al XVIII-lea si este redata in nenumarate iteratii, asa ca voi renunta la rezumatul intrigii si voi spune doar: De la preambulul care sparge al patrulea perete, in care regizorul roaga publicul sa abordeze filmul cu interior. . … credinta copilului inainte in magia basmelor, pana la sfarsit, Frumoasa si Bestia ramane o comoara de imagini subtile, muzica fascinanta, opulenta baroc, intensitate sexuala si rasfat total in fantezie, ajutati de Jean Marais (Beast) si Josette Day (Belle) ) ) oferind spectacole incantatoare. Temele explorate aici sunt tropi traditionali de basm: inocenta si lacomia, puterea transformatoare a iubirii, frica de necunoscut, magia. Cocteau a fost un poet celebru, precum si un regizor de film, iar acesta este un exemplu puternic al modului in care cele doua mestesuguri se informeaza reciproc, in modul in care valorifica imaginile pentru a crea conexiuni metaforice. Filme ciudate si puternice. — Amy Glynn

---

19. Solyaris

In 2002, Steven Soderbergh a adaptat romanul stiintifico-fantastic clasic al lui Stanislaw Lem intr-un film perfect frumos si frumos. Este singura data cand povestea unui film cu Tarkovsky a fost duplicata, impartasind material sursa si ilustreaza un adevar important: viziunea lui Andrei Tarkovsky este singulara, inimitabila; se ridica peste toate celelalte. Acolo unde un regizor desavarsit precum Soderbergh a facut un film SF util, Tarkovsky a facut poezie vizuala de cel mai inalt nivel. Instinctele artistice ale lui Tarkovsky l-au esuat rareori si, desi era o imagine de gen cu buget mare, Solyaris isi asuma riscuri cu aceeasi incredere in exprimare si aceeasi adancime de rezonanta ca orice alt film cu Tarkovsky. Conceptul stiintific-fantastic al planetei-entitati titulare ii permis lui Tarkovsky un nou unghi in privinta acelorasi teme reflectate in multe dintre lucrarile sale: rolurile esentiale ale istoriei si memoriei in prezentul si viitorul nostru; responsabilitatea grea a individului de a raspunde la chemarile sublimului; lupta pentru a cunoaste adevarul. Estetica de lunga durata, de asociere libera a lui Tarkovsky a fost bazata pe filozofia sa de filmare ca „sculptura in timp”, iar in Solyaris exista o confluenta fascinanta intre modul in care timpul si perceptia sunt manipulate de Tarkovsky si modul in care aceste lucruri. . sunt manipulate de catre Solyaris insusi. Solyaris ii da inapoi pe protagonist, psihologul astronaut Kris Kelvin (Donatas Banionis), pe sotia sa moarta Hari (Natalya Bondarchuk), in ce scop nu este clar. Dar filmele lui Tarkovsky functioneaza intr-un mod similar; este dificil sa spunem exact de ce fac ceea ce fac, totusi ei trag din cele mai adanci radacini ale noastre. Ele provoaca realitati emotionale, meditative, spre deosebire de oricare alta. La fel ca Hari reinviat al lui Kelvin, stimulii sunt simulacre, simboluri extrase dintr-un vis colectiv, dar acest lucru nu diminueaza valoarea de a le experimenta. Uneori, te conduc intr-un loc precum Solyaris il conduce pe Kelvin: o insula a memoriei pierdute – sau poate a unui viitor imposibil, inundata de apele unui Spirit. Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz spre deosebire de oricare alta. La fel ca Hari reinviat al lui Kelvin, stimulii sunt simulacre, simboluri extrase dintr-un vis colectiv, dar acest lucru nu diminueaza valoarea de a le experimenta. Uneori, te conduc intr-un loc precum Solyaris il conduce pe Kelvin: o insula a memoriei pierdute – sau poate a unui viitor imposibil, inundata de apele unui Spirit. Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz spre deosebire de oricare alta. La fel ca Hari reinviat al lui Kelvin, stimulii sunt simulacre, simboluri extrase dintr-un vis colectiv, dar acest lucru nu diminueaza valoarea de a le experimenta. Uneori, te conduc intr-un loc precum Solyaris il conduce pe Kelvin: o insula a memoriei pierdute – sau poate a unui viitor imposibil, inundata de apele unui Spirit. Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz care da viata visului. — Chad Betz spre deosebire de oricare alta. La fel ca Hari reinviat al lui Kelvin, stimulii sunt simulacre, simboluri extrase dintr-un vis colectiv, dar acest lucru nu diminueaza valoarea de a le experimenta. Uneori, te conduc intr-un loc precum Solyaris il conduce pe Kelvin: o insula a memoriei pierdute – sau poate a unui viitor imposibil, inundata de apele unui Spirit. Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz care da viata visului. — Chad Betz spre deosebire de oricare alta. La fel ca Hari reinviat al lui Kelvin, stimulii sunt simulacre, simboluri extrase dintr-un vis colectiv, dar acest lucru nu diminueaza valoarea de a le experimenta. Uneori, te conduc intr-un loc precum Solyaris il conduce pe Kelvin: o insula a memoriei pierdute – sau poate a unui viitor imposibil, inundata de apele unui Spirit. Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz Asta face ca irealul sa fie real; care da viata visului. — Chad Betz

---

20. Gust de cirese

O poezie cu ton existential de ritm si deliberare exasperante, Taste of Cherry merge pe calea lunga in aproape toate modurile imaginabile. Kiarostami pune in scena un minim de complot in decorul sau preferat – un vehicul in miscare – protagonistul sau de varsta mijlocie care conduce pe drumurile prafuite din satul nordic iranian Koker. Domnul Badii (Homayoun Ershadi), un stoic care conduce un Range Rover, cerceteaza strain dupa strain, invitandu-i pe cativa in masina lui pentru a discuta despre o slujba cu efort redus si bine platita. Are nevoie de ajutor pentru a se sinucide. Conversatiile care urmeaza sunt incomode, filozofice, stratificate, uneori laborioase. Cand Kiarostami nu duce telespectatorii intr-o calatorie fizica de confruntare neclintita, el ne tine, de asemenea, la o distanta literala – in spatele ferestrelor si de la fotografii largi, curios de plane, izolarea masinii contrasta cu peisajele intinse ale masinilor industriale. Vocea domnului Badii este uneori ascunsa dupa geam; ne straduim sa-l vedem prin draperii semitransparente sau printr-o caseta de bilete — nici macar nu primim un prenume. Ni se refuza cea mai mica intimitate, hotarare sau logica. La randul sau, exista ceva trecator si totusi imemorial pentru Taste of Cherry, o punte confuza si transcendentala intre extreme si experiente, culturi si politica, pasager si sofer, privitor si insusi Kiarostami, intre necunoscutele noastre respective. — Amanda Schurr Exista ceva trecator si totusi imemorial la Taste of Cherry, o punte confuza si transcendentala intre extreme si experiente, culturi si politica, pasager si sofer, privitor si insusi Kiarostami, intre necunoscutele noastre respective. — Amanda Schurr Exista ceva trecator si totusi imemorial la Taste of Cherry, o punte confuza si transcendentala intre extreme si experiente, culturi si politica, pasager si sofer, privitor si insusi Kiarostami, intre necunoscutele noastre respective. — Amanda Schurr

---

21. Timpurile moderne

Daca timpul este un cerc plat, atunci Modern Times este ca un pinion plat – eforturile Micului Vagabond care navigheaza intr-o lume mecanica fiind atat de necontenite si repetitive incat elemente precum norocul si speranta servesc doar sa stimuleze farsa lui Chaplin, desi stapanesc putin. asupra viitorului personajelor sale. Nu prea multe schimbari pentru Micul Vagabond de-a lungul timpului: El incearca sa supravietuiasca, si totusi sistemul institutional il trage inapoi de unde a inceput, disperat de foame si fara bani, ramas fara nimic de facut decat sa incerce din nou. Aceasta a fost, de asemenea, ultima incercare a lui Chaplin in rolul Vagabondului si este usor de imaginat ca, de-a lungul multor nenorociri ale filmului, alaturi de un partener la fel de bun in crima, gamin (Paulette Goddard), este absorbit. . si sublimat in modern. masina industriala, aceasta „disparitie” a fost oarecum prin proiect. Este un mod ciudat pentru personajul iubit al lui Chaplin de a iesi, dar la fel sunt si multe moduri in care Chaplin arata cum masina industriala moderna devine si ea parte a Vagabondului. S-ar putea sa fie strans printr-un aparat urias, cu pata de pinioane, devenind o cu schemele sale, dar la fel si linia de asamblare – cu toate acele rasuciri, strangere si invartire – se impresioneaza pe Vagabond, lasandu-l incapabil. . dupa o tura lunga. sa faca altceva decat sa-si clatineasca bratele ca si cum ar fi inca pe linia de asamblare. Nu e de mirare, deci, ca sediul fabricii presedintelui Modern Times are o asemanare izbitoare cu Henry Ford: Chaplin, care a facut turul lumii in urma succesului lui City Lights, a fost martor la conditiile liniilor de automobile din Detroit, la felul in care greletul nostru. timpurile moderne au cantarit tinerii muncitori. Marea Depresiune, Chaplin pare sa spuna ca a fost primul semn al cat de bine nu poate ucide tehnologia spiritelor, nu atat de mult aruncandu-ne, cat absorbindu-ne individualitatea. Modern Times, deci, este un film cu o constiinta mult dincolo de timpul sau, un fel de amestec perfect de efecte speciale, metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola este un film cu o constiinta mult dincolo de timpul sau, un fel de amestec perfect de efecte speciale, metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola este un film cu o constiinta mult dincolo de timpul sau, un fel de amestec perfect de efecte speciale, metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola metode sanguine de film mut si furie radicala. — Dom Sinacola

---

22. Ikiru

Vizionarea lui Ikiru, ai senzatia ca Leslie Knope i-ar placea: filmul este la fel de mult o sarbatoare a vietii, cat si a unei vieti in afirma special, dar este si o are ceea ce poate face guvernul local daca doar o singura functionare. . public obstinat poate. unge rotile birocratiei. Ikiru este unul dintre cele mai bune filme ale lui Akira Kurosawa, un film la scara mare construita pentru a gazdui o poveste la scara mica, care se afiseaza la putin putin de doua ore si jumatate, deoarece detaliaza ultimele zile ale sefului de sectie Kenji. . Watanabe (Takashi Shimura), un batran. un angajat guvernamental scapat de un diagnostic de cancer de stomac. (Medicii ii dau mai putin de un an de trait.) Pe filmul lui Kurosawa, este ghidat de doua figuri foarte diferite — un romancier desfranat (Yunosuke Ito) si veselul Toyo (Miki Odagiri), unul dintre subalternii lui Kenji. – spre scop si sens. O viata simpla traita in slujba celorlalti nu este o viata irosita, nu spune filmul, in timp ce arunca lovituri si batai de cap asupra ipocriziei semenilor insensibili si apatici ai lui Kenji. Un mesaj sentimental, poate, dar unul care este simtit cu seriozitate si bine castigat prin statura mestesugului lui Kurosawa. — Andy Crump

---

23. Au Revoir les Enfants

Au revoir les enfants portretizeaza viziunea (foarte limitata) a unui scolar francez asupra Holocaustului intr-o maniera atat rezervata, dar devastatoare. Amplasat intr-un internat catolic din Franta, filmul castigator al Leului de Aur al lui Louis Malle urmareste un baiat bogat rasfatat (Gaspard Manesse) in timp ce se impieteneste cu un nou colegiu de clasa care este in secret evreu (Raphael Fejto) gazduit de preotul binevoitor al internatului (Philippe Morier). -Genoud). Malle a bazat filmul pe propria copilarie, impregnandu-l fara efort cu o simplitate linistita, care permite momentelor sale cele mai triste, potential melodramatice, sa fie incredibil de reale. Impreuna cu directorul de imagine Renato Berta, Malle doar lasa camera sa zaboveasca; intr-o scena, in special, filmeaza un pasaj gol, subliniind frumos un moment teribil pe care personajul sau principal – si publicul sau – nu il vor uita niciodata. — Jeremy Mathews

---

24. Cusca de pasari

Stii ce e incomod? Cand esti un proprietar de club de drag de la South Beach (Armand, interpretat de Robin Williams) si fiul tau heterosexual apare si iti cere binecuvantarea de a se casatori cu iubita lui, care este fiica unui senator Neocon (Gene Hackman) care conduce ceva. . numit „Coalitia pentru ordine morala”. Vrei sa-ti sustii copilul, dar nu-ti place sa fii inchis de el, iar intalnirea la cina inseamna ca tu si partenerul tau, Albert (Nathan Lane), esti fortat sa treci la un nivel cu totul nou de rezistenta in care tu. . sunt heterosexuali, un atasat cultural al Greciei si casatorit cu experimentul heterosexual de o noapte (Katherine, interpretata de Christine Baranski) care a dus la conceperea fiului tau. Partenerul tau este jignit, senatorul este investigat de tabloide, tensiunile sunt mari si baiatul tau de casa Agador (Hank Azaria) a fost de acord sa se transforme intr-un majordom grec pe nume „Spartacus”, dar sa recunoastem, tensiunile cresc din toate partile – si asta inainte ca mama ta bebe sa fie. . prinsa in trafic si Albert vede oportunitatea pentru rolul drag al unei vieti. Urmeaza niste capricii complet shakespeariane. Refacerea lui Mike Nichols din 1996 a filmului La Cage Aux Folles de Edouard Molinaro nu a fost cu adevarat un comentariu social naucitor, dar sub exteriorul sau sclipitor al unui vehicul vedet, care se simte bine, exista cateva adancimi pe care le-ai putea rata. . cu usurinta in timp ce esti distra de rahat-nebun si puternic. paiete cu paiete ale lui Williams si Lane. De fapt, nu este doar agitat si plin de duh, dar, ca si in multe dintre rolurile de film ale lui Robin Williams, The Birdcage are o serie serioasa in care este in curs de desfasurare o investigatie autentica a identitatii personale si ipocrizie, acceptarea, snobismul si, mai presus de toate, stilul individual de „drag” al fiecaruia (si hei, toti avem unul, chiar daca nu il exprimam intotdeauna punand gene false si cantand Sondheim) este eliminat pentru mult- examen necesar. — Amy Glynn

---

25. Kwaidan

Povestile cu fantome nu devin mult mai frumoase decat cele patru din Kwaidan-ul lui Masaki Kobayashi. Intre doua epopee a samurai acerb politice si laudate pe scara larga, Hara-kiri (1962) si Samurai Rebellion (1967), Kobayashi a condus ceea ce a fost atunci cea mai scumpa productie cinematografica din Japonia vreodata, un film antologic cu partile sale legat. liber de colectie de folk japonez a lui Lafcadio Hearn. povesti si inclinatia intuitiva a lui Kobayashi pentru decoruri suprarealiste, spectaculos de luxuriante. In „Parul negru”, un ronin egoist si sarac (Rentaro Mikuni) isi abandoneaza sotia pentru a se casatori in avea, doar pentru a realiza ca a facut o greseala groaznica, cufundandu-l intr-un cosmar gotic decadere si regret. „Femeia zapezii” urmareste un mester (intotdeauna binevenit Tatsuya Nakadai) condamnat sa i se fure tot ceea ce iubeste de un spectru birocratic rabdator. Filmul in sine, „Hoichi the Earlless”, il confrunta pe muzicianul calugar orb titular (Katsua Nakamura) cu o familie de fantome, fortand bardul sa recite – in pasaje tacute si sfasietoare pe biwa – povestea mortii lor in timpul razboiului. Pastrata de imagini de nesters (cel mai cunoscut, poate, este pielea lui Hoichi acoperita complet in scenariul Sutrei inimii pentru alunga influenta fantomelor), „Hoichi the Earlless” este atat profund deranjant, cat si linistit tragic, stranii de tristete lui. Recunoasterea lui Kobayashi ca numai fortele aflate in afara controlului nostru detin cheile destinului nostru. A patra, si de departe cea mai ciudata, intrare, „Intr-o ceasca de ceai”, este o poveste intr-o poveste, neterminat intentionat pentru ca scriitorul (Osamu Takizawa) care scrie despre un samurai (Noboru Nakaya) care tot vede un barbat necunoscut (Kei Sato) in ceasca sa de ceai este, la randul sau, atacat de spiritele rautacioase pe care le evoca. Din aceste basme disparate, o multime de furaje pentru focurile de tabara, Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola neterminat intentionat pentru ca scriitorul (Osamu Takizawa) care scrie despre un samurai (Noboru Nakaya) care tot vede un barbat necunoscut (Kei Sato) in ceasca sa de ceai este, la randul sau, atacat de spiritele rautacioase pe care le evoca. Din aceste basme disparate, o multime de furaje pentru focurile de tabara, Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola neterminat intentionat pentru ca scriitorul (Osamu Takizawa) care scrie despre un samurai (Noboru Nakaya) care tot vede un barbat necunoscut (Kei Sato) in ceasca sa de ceai este, la randul sau, atacat de spiritele rautacioase pe care le evoca. Din aceste basme disparate, o multime de furaje pentru focurile de tabara, Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola o multime de furaje pentru focurile de tabara, Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola o multime de furaje pentru focurile de tabara, Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola — Dom Sinacola Kobayashi creeaza un mit pentru trecutul bantuit al tarii sale: Nu suntem nimic, daca nu pionii tuturor celor care vor veni inainte. — Dom Sinacola

---

26. Povestea politiei

Iti amintesti scena din The Blues Brothers in care Jake si Elwood conduce Bluesmobile printr-un mall si il distrug bine? Practic, asta face Jackie Chan unui centru comercial din Police Story, cu exceptia faptului ca este cu propriile sale sale sale maini. Serios, exista suficienta sticla in acea scena de lupta de noua minute pentru zece filme de arte martiale. Chan joaca rolul unui politist (din nou) care merge dupa tipii rai (din nou). De ce sa complici sinopsisul intrigii mai mult decat atat? Singura rationala de a clasifica filmele cu Jackie Chan este pur si simplu sa te concentrezi pe actiune si pe cascadorii care sfideaza moartea. Chan a numit Police Story cel mai tare film al sau si cine suntem noi sa ne certam? — Jim Vorel

---

27. Ugetsu

Intr-un moment incredibil de prolific de la sfarsitul carierei, Kenji Mizoguchi a lansat Ugetsu intre Viata lui Oharu (1952) si Sansho executorul judecatoresc (1954), cu doar trei ani inainte de moartea sa. La fel ca in acele filme, Mizoguchi la plasat pe Ugetsu in Japonia feudala, foloseste razboiul civil al tarii ca un mediu prin care ar putea explora modalitatile in care oamenii obisnuiti sunt impiedicati sa-si vada nevoile lor cele mai josnice, impodobiti in loc. de forte mult dincolo de propriile lor. Control. Asa ca merge cu doua cupluri: Genjuro (Masayuki Mori), un olar care spera sa profite de pe urma razboiului, si sotia sa Miyagi (Kinuyo Tanaka); Tobei (Eitaro Ozawa) si Ohama (Mitsuko Mito), care acuza pe buna dreptate visele sotului ei de a fi un samurai bine decorat ca fiind prostii, mai ales daca tinem cont ca Tobei nu da semne de putere fizica, cu atat mai putin un creier cu vreun simt al priceperii militariste. Ignorand atat preocuparile grave ale sotiilor lor, cat si valu ecliptic al razboiului, cei doi barbati si-au propus sa faca sau ultima mare oferta pentru faima si avea, pornind doar sa gaseasca sau tara bantuita, literalmente, uneori, de victime. Ugetsu este un film luxuriant elementar, incarnat de filmarile lungi si de punerea in scena a lui Mizoguchi, care a evidentiat insensibilitatea a ceea ce incerca sa surprinda. Schimbarea perfecta intre scenele eterice – intalnirea iconica dintre barci, plasata in mijlocul unui peisaj acvatic infernal de ceata si prevestire este probabil punctul central in jurul caruia se desfasoara filmul – si grupuri mai groaznice de durere in masa in curs, Mizoguchi evoca un sentiment de inevitabilitate: indiferent de cat de mult invata aceste personaje despre dragoste sau familie sau despre ei insisi, sunt condamnati. Mizeria se desfasoara in mod supranatural si inutil in Ugetsu – atat de mult incat, pana cand cineva a observat ca a avut loc tragedia, este deja bine ingropata in oasele celor aflati la mila ei. — Dom Sinacola

---

28. Cleo de la 5 la 7

La jumatatea filmului al doilea al lui Agnes Varda, titularul Cleo (Corinne Marchand), o cantareata pop care asteapta rezultate potential devastatoare ale unui fel de test medical, se uita direct in camera, plangand in timp ce canta o melodie in timpul unei sesiuni de antrenament, altfel tipice. Este un moment revelator: Varda se adreseaza publicului ei direct prin personajul ei adresandu-se direct publicului ei, totul in pragul dizolvarii totale. Cleo, o celebritate frumoasa, in plina dezvoltare, pare sa inteleaga ca poate fi goala fara infatisarea ei, la fel cum se bate impotriva fortelor care o pun intr-o pozitie atat de insuportabila. Cu alte cuvinte, sa-si dea seama in acel moment de melodrama, de emotia intensificata pe care o cunoaste prea bine, aceasta chestia muzicii pop la cea mai favorabila conditie comerciala, ca atractivitatea ei s-ar putea sa se sfarseasca curand, ea a ajuns la lacrimi, incapabil sa-si impace talentul cu chipul sau fragilitatea cu mijloacele ei de existenta, lasand publicul sa decida daca merita sau nu simpatia noastra. Daca nu, se intreaba Varda, atunci de ce nu? Filmata practic in timp real, Cleo de la 5 la 7 asteapta alaturi de personajul nostru in timp ce asteapta stiri care ii schimba viata, pluteste de la cafenea la casa si parca oriunde, fara sa faca mare lucru cu viata pe care o are, cu viata pe care o are. poate afla ca pierde destul de curand. Ea urmareste un film mut cu camee de Jean-Luc Godard si Anna Karina, intalneste un soldat in concediu de pe frontul algerian (Antoine Bourseiller) care marturiseste ca crede ca oamenii mor degeaba, trece cu masina pe langa scena unei crime si simte ca universul poate si-a indreptat gresit ghinionul spre alt suflet. Unul dintre filmele definitorii ale filialei Left Bank a Noului Val francez (spre deosebire de cele ale „Right Bank”, cele mai faimoase filme ale lui Truffaut si Godard, cinefilii mai comerciali si cosmopoliti ai miscarii), Cleo de la 5 la 7 este un vis febril al obisnuitului, o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola Unul dintre filmele definitorii ale filialei Left Bank a Noului Val francez (spre deosebire de cele ale „Right Bank”, cele mai faimoase filme ale lui Truffaut si Godard, cinefilii mai comerciali si cosmopoliti ai miscarii), Cleo de la 5 la 7 este un vis febril al obisnuitului, o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola Unul dintre filmele definitorii ale filialei Left Bank a Noului Val francez (spre deosebire de cele ale „Right Bank”, cele mai faimoase filme ale lui Truffaut si Godard, cinefilii mai comerciali si cosmopoliti ai miscarii), Cleo de la 5 la 7 este un vis febril al obisnuitului, o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola o meditatie asupra neantului vietii de zi cu zi, pe cat de existentiala, pe atat de lipsita de scop. — Dom Sinacola

---

29. Cetatea lui Dumnezeu

Lansat initial in ianuarie 2003, spre lauda critica, magistralul, dar brutal, City of God a lui Fernando Meirelles a renuntat la vedere pana cand Miramax la relansat pentru a fi luat in considerare pentru Oscar. Si nu a reusit sa obtina nici macar o nominalizare la film in limbi straine in acel an, reprezentarea alternativa intensa si intima a favelelor disperate din Rio a crescut in statura si putere. Bazat pe romanul lui Paulo Lins (si adaptat de Braulio Mantovani), Meirelles si-a indreptat privirea neclintita catre o lume uitata de cei bogati si puternici, ignorata de politie si indiferenta fata de ordinea si ordinea. Orasul lui Dumnezeu a stabilit sablonul pentru alte filme urbane socante care urmeaza sa urmeze (ca sa nu mai vorbim de o renastere a „favela funk” de catre muzica-marauders precum Diplo si MIA), dar, in timp ce alte studii cinematografice precum Gomora (despre Sicilia moderna) si documentarul Dansand cu diavolul se tavalesc intr-o asemenea viciozitate, acest film plonjeaza mai adanc, prinde mai tare si totusi permite intotdeauna licariri de umanitate intr-un asemenea intuneric. Reprezentarea ingrozitoare a violentei zilnice din favele, facuta de City of God, exemplifica in detaliu socant viziunea hobbesiana asupra vietii ca fiind „uroasa, brutala si scurta”, dar filmul nu arunca niciodata judecata. In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta si totusi permite intotdeauna licariri de umanitate intr-un asemenea intuneric. Reprezentarea ingrozitoare a violentei zilnice din favele, facuta de City of God, exemplifica in detaliu socant viziunea hobbesiana asupra vietii ca fiind „uroasa, brutala si scurta”, dar filmul nu arunca niciodata judecata. In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta si totusi permite intotdeauna licariri de umanitate intr-un asemenea intuneric. Reprezentarea ingrozitoare a violentei zilnice din favele, facuta de City of God, exemplifica in detaliu socant viziunea hobbesiana asupra vietii ca fiind „uroasa, brutala si scurta”, dar filmul nu arunca niciodata judecata. In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta — Andy Beta In timp ce haosul si varsarea de sange stapanesc lumea protagonistului Rocket si pe cei ai generatiei sale – psihoticul droghlor Li’l Ze, groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta groovy playboy Benny si solemnul Knockout Ned (cantaretul Seu Jorge, in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta in rolul sau de eruptie) – City of God elucideaza o simetrie subiacenta, prezentand daca nu dreptate poetica, atunci versiunea de strada a aceleiasi. — Andy Beta

---

30. In inaltimi

In 2018, regizorul Jon M. Chu a impregnat intriga roman-com standard a adaptarii sale Crazy Rich Asians cu decadenta clasica de la Hollywood, agatandu-l pe un cadru de specific cultural bine construit. A fost mare, spectaculos si jenant de roman pentru un film american de acest gen. Acum, in 2021, prima versiunea lui Chu a lui In the Heights, musicalul care la pus pe Lin-Manuel Miranda pe harta (si ia castigat primul sau Tony). Este incredibil. Electricitatea captivanta a unei distributii de succes non-albe care devine superstaruri in fata ochilor tai, stilul maximalist al unui smash modern care isi actualizeaza influentele, impletirea unor teme hiper-specifice si ample — punctele forte ale lui Chu si distributia lui cresc, aducand In the Heights la fel de sus asa cum a fost vreodata. Este cel mai bun musical de la Hollywood din ultimii ani. Urmarind cateva zile inabusitoare in Washington Heights din New York, filmul imbina tensiunea fierbinte de vara a lui Do the Right Thing cu afectiunea tachinata lui School Daze pentru genul sau de cantece. Se intampla ca coltul in care ne aflam este punctul de ciocnire pentru vietile si romantele care se intersecteaza a doua cupluri – seful bodegii Usnavi (Anthony Ramos) si aspirantul designer Vanessa (Melissa Barrera), si dispecerul Benny (Corey Hawkins) si recent. Nina (Leslie Grace) care abandoneaza Stanford — care serveste drept exemplu cele mai vocale din cartier ale celor pe care loteria trucata a vietii ia lasat, punandu-si rabdarea si increderea intr-o zgarietura zilnica. Nu exista o adevarata lupta esentiala (mai ales nu intre rechini si jeturi, desi nu ar fi incredibil daca West Side Story a lui Steven Spielberg ar oferi in 2021 doua muzicale grozave din New York?), in afara de nenumaratele nelinisti mereu prezente ale americanilor din generatia a Na care traiesc intr-o tara rasista. Da, cei familiarizati cu temele lui Mirandei Hamilton vor gasi aici un ritm si o aroma tematica similare – desi stilul melodiilor se strecoara intr-o salsa sau bolero la fel de usor precum barurile de rap trec si ies din spaniola – dar cu o puritate a formei si ceea ce inseamna ca criticile si observatiile lirice sunt chiar mai ascutite decat cele infundate in metafora istorica a fenomenului. De fapt, aproape toate melodiile sunt niste melodii care tin emotiile la un nivel ridicat – vei plange, vei inveseli, vei fredona melodiile pentru tine la iesirea din teatru – sustinute de o orchestratie care, desi este retinuta atunci cand se limiteaza la iubitii sai, explodeaza cand refrenele se incorporeaza in sfarsit cartierul in general. Bops-ul captivant si melodiile in miscare se potrivesc cu editarea ritmica si un fundal vibrant, potrivit de populat, care este coregrafia constanta, sustine perpetuul, fluxul organic al unei comunitati. In the Heights este grozav, iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller explodeaza cand refrenele se incorporeaza in sfarsit cartierul in general. Bops-ul captivant si melodiile in miscare se potrivesc cu editarea ritmica si un fundal vibrant, potrivit de populat, care este coregrafia constanta, sustine perpetuul, fluxul organic al unei comunitati. In the Heights este grozav, iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller explodeaza cand refrenele se incorporeaza in sfarsit cartierul in general. Bops-ul captivant si melodiile in miscare se potrivesc cu editarea ritmica si un fundal vibrant, potrivit de populat, care este coregrafia constanta, sustine perpetuul, fluxul organic al unei comunitati. In the Heights este grozav, iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller fluxul organic al unei comunitati. In the Heights este grozav, iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller fluxul organic al unei comunitati. In the Heights este grozav, iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller iar maretia sa este amplificata de bucuria pe care o va inspira in teatrele pline de oameni in anii urmatori. — Jacob Oller

---

31. Nord de Nord-Vest

Cand un publicist cu maniere blande (Cary Grant, in unele subiecte serioase) este confundat cu un agent secret si se afla in punctul de mirare al unui spion periculos, suspansul este un dat. Adaugati o incurcatura romantica cu Eva Marie Saint, care s-ar putea sa fie sau nu in confuzie cu spionii, si il veti avea pe Hitchcock la cel mai bun mod, transformand un vis suprarealist al unui complot in ceva usor. -manuit si neted. North by Northwest ar putea fi, de asemenea, cel mai complet distractiv si, probabil, cel mai uimitor din punct de vedere vizual, cu unele dintre cele mai emblematice compozitii de scena din istoria filmului (in special, dar nu numai, secventa incredibil de filmata in varful Muntelui Rushmore). Saint este cool si intrigant si, daca Grant a avut vreodata o zi in viata lui in care nu a fost incredibil de fermecator, aceasta nu a fost surprinsa pe film. Si acesta este cu siguranta un thriller, dar este si plin de duh (poate chiar putin multumit de sine, dar acest spectator nu se plange – daca cineva a castigat asta, Alfred Hitchcock a castigat-o). Iscusit, inteligent, fermecator – daca dintr-un motiv oarecare nu stiti deja de ce Hitchcock este un zeu durabil al cinematografiei, acest film ar trebui sa va clarifice. — Amy Glynn

---

32. Aviatorul

Cu personalitatea mai mare decat viata a lui Howard Hughes si acele scene pline de actiune cu el zburand (si prabusindu-se) cu avioane, este greu sa nu ne gandim mai intai la celebrul om de afaceri si aviator ca la un fel de super- erou: un om capabil de aproape orice isprava, de suportand orice fel de lupta. Dar un film care surprinde doar acea parte a vietii lui Hughes ar fi unul incomplet. Unul gol. Ceea ce face din The Aviator unul dintre cele mai grozave biopicuri ale tuturor timpurilor este ca arata si vulnerabilitatile lui Hughes, dintre care cel mai important a fost lupta lui cu tulburarea obsesiv-compulsiva. Reprezentarea lui Leonardo DiCaprio a lui Hughes la cel mai scazut nivel, in timpul spiralelor pline de anxietate a lui Hughes este mult mai convingatoare si mai plina de suspans decat scena prabusirii aviatice de la Beverly Hills in sine. — Anita George

---

33. Pather Panchali

Pather Panchali al lui Satyajit Ray este, in cine intrebi, fie cel mai trist film facut vreodata, fie unul dintre cele mai triste functie – desi daca filmul te face sa plangi mai mult sau mai putin este, poate, in afara sensului. Influenta lui Pather Panchali poate fi evidentiata cel mai bine la scara micro, in relatie specifica cu cinematograful indian, prezentand un moment de cotitura care a declansat miscarea Parallel Cinema si a modificat textura filmelor tarii pentru totdeauna. Ceea ce nu este o dovada a substantei reale a lui Pather Panchali, desi sa fim realisti aici: capodopera lui Ray este un film dureros, vital, creat pentru a transmuta cele mai dure rigori ale copilariei traite in India rurala in naratiune. Poate ca este prezumtuos pentru un critic american fara cadru de referinta pentru contextul cultural al lui Pather Panchali sa descrie filmul ca fiind „adevarat vietii”, dar Ray este atat de bun la capturarea unui mic, lume specifica cu camera lui pe care ajungem sa cunoastem. . , sa intelegem, viata tanarului Apu, indiferent cine suntem sau de unde venim. Nu este aceasta doar definitia absoluta a puterii de transport a cinematografiei? — Andy Crump

---

34. Cap de sters

Poate fi o experienta dureroasa sa vizionezi un film si sa nu ai idee despre aceasta vorba — sa ai sensul filmului sa sacaie in miezul tau, mereu la indemana. Totusi, acesta este exact combustibilul topit, subteran, care impinge viziunile lui David Lynch inainte, iar odata cu debutul sau, perplexul si terifiantul Eraserhead, regizorul nu ofera nicio consolare pentru sentimentul invadator ca cu el nu vom gasi niciodata vreun fel de acostare logica la. . ingrijire. sa ne pastram psihicul in siguranta. O poveste simpla despre un muncitor cu parul amuzant (Jack Nance) care se invarte nervos printr-un peisaj industrial fantasmagoric, facand in acest proces un copil mutant cu aspect de broasca testoasa, pe care trebuie sa-l creasca dupa ce noua lui sotie isi. . abandoneaza „familia”, Eraserhead este o persoana uluitoare. act de a ingropa experimentarea cinematografica independenta in constiinta populara. Poate ca nu stiti prea multe despre Eraserhead, dar probabil stii ce este. Si fie ca este sau nu o meditatie asupra orilor paternitatii, sau o privire asupra devolutiei ciudate a intimitatii fizice intr-un ecosistem pe moarte, sau o lucrare revolutionara de design sunet DIY sau orice altceva, Eraserhead este o gaura neagra de influenta. Este groaznic, emotionant, este un cosmar visceral si, pana in ziua de azi, nu seamana cu nimic din ce am mai vazut pana acum. Ceea ce poate fi sau nu un compliment. Nu pot fi sigur. — Dom Sinacola nu seamana cu nimic din ce am vazut pana acum. Ceea ce poate fi sau nu un compliment. Nu pot fi sigur. — Dom Sinacola nu seamana cu nimic din ce am vazut pana acum. Ceea ce poate fi sau nu un compliment. Nu pot fi sigur.

---

35. Raidul: Rascumpararea

Urmareste pe HBO

Cand generatiile viitoare privesc inapoi la inceputul secolului al XXI-lea si cauta o modalitate de a intelege claustrofobia si frica care au definit atat de mult din mass-media populara a vremii, lasati-le sa priveasca The Raid si sa-si bata pumnii in spiritul spaimii existentiale. . In esenta, o piesa de actiune extinsa, ritmata cu o precizie supra-umana atat pentru a incita si apoi a exploata la maximum nivelurile crescute de dopamina, The Raid nu lasa niciun spatiu pentru ezitare – odata ce intri, esti la cheremul lui, iar filmul numai usurare asteapta in varful unui bloc de apartamente conduc de unul dintre cei mai ravasiti, cei mai psihopati sefi criminali din Jakarta. The Raid este asa cum arata cinematograful de arte martiale in tanarul nostru secol: sumbru, distopic si hiper-violent. Acesta este talismanul pentru a indeparta toate gandurile publice desensibilizate si cinematograf desensibilizant. Doar continuarea sa, The Raid 2: Barendal ar putea redefini „necrutator” cu tot atata desconsiderare flagranta fata de exigent de a-si pastra carnea. — Dom Sinacola

---

36. Soimul maltez

Renumit de multi drept primul noir major (dupa filmul mai obscur din 1940 Stranger on the Third Floor), acest clasic John Huston a stabilit stacheta detectivului arhetipal, subgenului in ansamblu si restul carierei vedetei Humphrey Bogart. La suprafata, un mister de crima care se invarte in jurul unui alt arhetip, cel al titularului MacGuffin, Soimul Maltez este in esenta un studiu de caracter, o asigurare definitiva a masculinitatii si a obiectivitatii cool pe care o implica, prin intermediul unuia dintre Sam. . Cazma. Antieroul lui Bogart este un om de onoare, asa cum i se potriveste – nu are nicio retinere sa sarute vaduva partenerului sau mort in timp ce corpul este inca cald sau sa predea politiei pe femeia vinovata pe care o iubeste. El nu este „sap” al nimanui. Interesant este ca creatorul lui Spade, Dashiell Hammett, care a lucrat candva ca PI — a numit personajul „un om de vis in ca el este ceea ce mai simt detectivilor privati ​​​​cu care am lucrat si-ar fi dorit sa fie si, in momentele lor mai infatisate, au crezut ca s. -au. apropiat”. In mainile bruste, dar netede ale lui Bogart, asta suna bine. De asemenea, aceasta este adaptarea la care incercari cu mult inferioare, inclusiv o versiune din 1931 cu acelasi nume si Satan Met a Lady din 1936, nu au putut decat sa aspire. Este impecabil din toate punctele de vedere. Huston a scris si scenariu, la sfatul lui Howard Hawks, aproape literal din romanul tare al lui Hammett. El a creat cu minutiozitate scenariul dramei pentru a include lucrari complexe de camera si schema de lumini, POV-uri evocatoare si o filmare neintrerupta de sapte minute a carei logistica incurca mintea. Piesele de decor violente, stilizate, sunt la fel de viscerale ca si confruntarile verbale. In afara de turnarea legendara a lui Bogie, celelalte spectacole sunt pe masura: printre ele, o Mary Astor deja scandalizata in rolul femeii fatale; Sydney Greenstreet (Casablanca) in rolul uriasului rau Kasper „Fat Man” Gutman – in mod uimitor, debutul sau in film; si Peter Lorre ca un asociat evident gay al lui Gutman a carui homosexualitate a fost dezactivata pentru cei de la Hays Code. Unul dintre primele titluri care au fost pastrate in Registrul National de Film al Bibliotecii Congresului, Soimul Maltez este un film de referinta. — Amanda Schurr Unul dintre primele titluri care au fost pastrate in Registrul National de Film al Bibliotecii Congresului, Soimul Maltez este un film de referinta. — Amanda Schurr Unul dintre primele titluri care au fost pastrate in Registrul National de Film al Bibliotecii Congresului, Soimul Maltez este un film de referinta. — Amanda Schurr

---

37. Tina

Povestea Tinei Turner este una a promisiunilor: promisiuni tinute si incalcate, promisiune inabusita apoi implinita. Un juramant de loialitate fata de fostul ei sot abuziv Ike si-a suprimat propriul potential. S-ar putea sa nu fie o poveste de revenire, dar este cu siguranta o poveste de evadare, crestere si autoactualizare in fata adversitatii personale si industriale. Statutul cantaretei in istoria muzicala este de necontestat, dar cei care care care povestesc povestea ei tind sa se indrepte catre cele mai groaznice povestiri tabloide ale acesteia. Regizorii Tina, Dan Lindsay si TJ Martin, incearca sa submineze aceasta mostenire de titluri salace examinand-o din interior spre exterior. Documentarul nu scapa pe deplin de sentimentul de exploatare al circuitului de talk-show-uri pe care il critica, dar punerea lui in context cu noi interviuri si materiale de arhiva ale lui Turner explica ce are de-a face, ce are de-a face cu el. Spectacole de libertate vertiginoasa, in care Turner se laseaza si se scutura pe scena ca zeul rockului ea cu adevarat, convertesc noi discipoli cu fiecare lovitura si urlet cu picioare lungi. Martin, Lindsay si editorii Taryn Gould si Carter Gunn au intersectat spectacolele live pe piese cu o energie care nu este intamplatoare sau neregulate, dar cu aceeasi incredere stralucitoare a subiectului lor. Vocea ei poate fi o forta bruta a naturii, dar performantele ei sunt toate pricepere si profesionalism. Impreuna, combinate in etape si epoci pentru a gasi cele mai mari si mai bune miscari pentru a sublinia melodiile, magnetismul ei este inevitabil. Tocmai cand ne-am acomodat confortabil in ritmurile unui doctor de concert, hipnotizat de carisma si abilitatile ei, bang, ne-am intors la trecutul ei. Toata prima jumatate a filmului ia trebuit sa plece, iar ceea ce a mai ramas ia luat inapoi. Este o imitatie ascutita a carierei Tinei. Chiar si inainteandu-se ca cea mai mare vedeta pop din lume, oamenii s-au concentrat pe cicatrici. In ciuda durerii sale, Tina este o epopee care se simte bine, o evadare din fortele sisteme interne si externe care au conspirat pentru a corupe si a consuma unul dintre cei mai influenti indivizi ai unei generatii. Asocierea si nevoia inerenta de putere printr-o legatura de-a lungul vietii cu fostul partener abuziv al Tinei poate fi uneori putin ipocrita, chiar stiind ca, facand acest lucru, Tina ofera mai multa libertate decat durere. Sunteti, in anumite privinte, acelasi scop ca What’s Love Got to Do with It. Este educational, ceea ce duce la ecuanimitate. Unde ce are de-a face cu dragostea a fost o varsta la mijlocul varstei — un „Buna, iata povestea mea” — Tina este un ramas bun redefinitor, intaritor, care adauga perspectiva in timp ce isi inclina palaria si o scoate fericita pentru totdeauna. . din lumina reflectoarelor.

---

38. Povestea Philadelphia

Iti vine sa crezi ca a existat o perioada in care Katharine Hepburn a fost cunoscuta la Hollywood ca „otrava de box office”? Aceasta adaptare a unui hit de pe Broadway a fost un vehicul pentru a-si readuce cariera pe drumul cel bun dupa o serie de esecuri. Performanta ei ca mostenitoare inghetata Tracy Lord in aceasta comedie „recasatorie” este o forta a naturii. Din fericire, fostul ei, care nu mai este beat, este interpretat de Cary Grant, care este o folie fabuloasa. Jimmy Stewart si Ruth Hussey completeaza distributia in calitate de reporteri in deghizari nu atat de inteligent. Aproape totul despre acest film este o pura incantare, iar scenariul este o capodopera. — Amy Glynn

---

39. Printesa Mononoke

O tema persistenta in toate lucrarile Studio Ghibli, in special in cea a lui Miyazaki, este ca rareori exista raufacatori adevarati. Acest sentiment este poate cel mai evident in Princess Mononoke, al saptelea film al lui Miyazaki si, in special, unul dintre cele mai intunecate. Amplasat la inceputul secolului al XVI-lea, filmul urmareste povestea lui Ashitaka (Yoji Matsuda), ultimul print ramas dintr-un mic sat din est, care este ranit in timp ce isi apara casa de un mistret depasit de un spirit rau intentionat. Blestemat de moarte, fara nicio speranta de vindecare, Ashitaka isi ia asupra sa sa calatoreasca in Occident pentru a descoperi (si a opri) orice forta rauvoitoare care provoaca acest haos. Ceea ce gaste acolo este mai complicat decat si-ar fi putut imagina: o asezare de oameni care mineaza regiunea pentru a-si construi o casa, in timp ce se fereste de fortele padurii din apropiere care vad lumea lor fiind distrusa. Mai tarziu, o intalneste pe San (Yuriko Ishida), o tanara crescuta de clanul de lupi care apara padurea in timp ce incearca sa schimbe o pace nelinistita intre cele doua parti. Prin urmare, Printesa Mononoke este simbolul apelului lui Miyazaki la ecologism, imbinand fantezia traditionala si folclorul japonez pentru a crea una dintre cele mai serioase si se orienteaza spre adulti lucrari ale regizorului. Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan o tanara crescuta de clanul de lupi care apara padurea in timp ce incearca sa schimbe o pace nelinistita intre cele doua parti. Prin urmare, Printesa Mononoke este simbolul apelului lui Miyazaki la ecologism, imbinand fantezia traditionala si folclorul japonez pentru a crea una dintre cele mai serioase si se orienteaza spre adulti lucrari ale regizorului. Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan o tanara crescuta de clanul de lupi care apara padurea in timp ce incearca sa schimbe o pace nelinistita intre cele doua parti. Prin urmare, Printesa Mononoke este simbolul apelului lui Miyazaki la ecologism, imbinand fantezia traditionala si folclorul japonez pentru a crea una dintre cele mai serioase si se orienteaza spre adulti lucrari ale regizorului. Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan Printesa Mononoke este simbolul apelului lui Miyazaki la ecologism, imbinand fantezia traditionala si folclorul japonez pentru a crea una dintre cele mai serioase si orientate spre adulti lucrari ale regizorului. Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan Printesa Mononoke este simbolul apelului lui Miyazaki la ecologism, imbinand fantezia traditionala si folclorul japonez pentru a crea una dintre cele mai serioase si se orienteaza spre adulti lucrari ale regizorului. Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan — Tousaint Egan — Tousaint Egan Violenta filmului este o divergenta puternica fata de munca relativ lipsita de sange a lui Miyazaki, cu membrele taiate cu un abandon insensibil si zei mistreti plangand sange in timp ce merg cu greu intr-un mars al mortii prin padure. Este un film emotionant, sfasietor si colosal al carui mesaj va lasa publicul schimbat prin scena finala. Pur si simplu, este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan este tot ceea ce s-ar putea astepta de la pedigree-ul lui Hayao Miyazaki. — Tousaint Egan

---

40. Planeta fantastica

Nu conteaza daca vizionati excelenta si excentrica Planeta fantastica a lui Rene Laloux pentru prima data sau a patruzecea, sub influenta sau sobru de piatra: filmul este o ciudatenie atat de unica in cinema, incat fiecare vizionare. se simte ca propria experienta cu totul unica. Mai simplu spus, nu exista nimic asemanator. Daca nu ati vazut inca aceasta capodopera a anilor 1970, psihedelia-intalneste-social-comentarii, ati ratat. Daca l-ai vazut, sunt sanse sa nu fi mai vazut ceva asemanator de atunci, pentru ca nu exista prea multe in cinematograful animat care sa se potriveasca. Cel mai aproape veti ajunge la stilurile de animatie ale benzilor de hartie ale lui Terry Gilliam din Circul zburator al lui Monty Python, sau poate aborda picturii fixe din Belladonna of Sadness de Eiji Yamamoto. Niciuna dintre acestea nu echivaleaza cu schema vizuala a Planetei fantastice, care doar subliniaza individualitatea acesteia. De unde vine un film precum Fantastic Planet? Cum se face chiar? Laloux a oferit putine raspunsuri de-a lungul anilor, desi documentarul Laloux Sauvage ofera o perspectiva asupra modului in care functioneaza mintea lui. Poate ca raspunsurile nu merita urmarite in primul rand, si poate cel mai bun mod de a intelege Planeta fantastica este doar sa o urmaresti si apoi sa o vezi din nou. — Andy Crump Poate ca raspunsurile nu merita urmarite in primul rand, si poate cel mai bun mod de a intelege Planeta fantastica este doar sa o urmaresti si apoi sa o vezi din nou. — Andy Crump Poate ca raspunsurile nu merita urmarite in primul rand, si poate cel mai bun mod de a intelege Planeta fantastica este doar sa o urmaresti si apoi sa o vezi din nou. — Andy Crump

---

41. Mad Max: Fury Road

La trei decenii de cand am vizitat ultima data arida si distopica a lui George Miller, cel mai recent film il joaca pe Tom Hardy in rolul lui Max Rockatansky, cu Charlize Theron in calitate de co-protagonista – o lovitura de casting. Dar asteptarea lunga la facut pe Miller sa se leaga spre garduri. Incercati sa denumiti un blockbuster modern care are la fel de multa nebunie ca Mad Max: Fury Road. Nu poti, pentru ca nu exista. Iata ce se intampla atunci cand expuneti toate nebunile pe ecran deodata: divertisment glorios, trosnitor. Fiecare dolar din bugetul sau raportat de 150 de milioane de dolari este in cadru in orice moment, dar Miller este atat de nepretentii incat nu vei intelege pretul. Oameni adevarati navigheaza in vehicule reale prin intinderi reale de desert. Cand filmul se sprijina pe computer, este pentru a completa marginile sau pentru a convoca ocazional furtuna de praf. Miller isi defineste estetica prin textura fizica, spune povestea prin actiune si nu arata niciun interes pentru rutina spectacolului contemporan de la Hollywood. In plus, Mad Max: Fury Road este un efort inclus in care nu invita sa nu alaturam eroilor sai in distrugerea dihotomiilor de gen. George Miller a realizat un film de actiune fenomenal cu o cauza dreapta, un film care adauga comentarii inteligente peste decoruri uluitoare. Fie ca el sa calareasca etern, stralucitor si cromat. — Andy Crump Fury Road este un efort incluziv care nu va invita sa nu se alatureze eroilor sa distruga dihotomiilor de gen. George Miller a realizat un film de actiune fenomenal cu o cauza dreapta, un film care adauga comentarii inteligente peste decoruri uluitoare. Fie ca el sa calareasca etern, stralucitor si cromat. — Andy Crump Fury Road este un efort incluziv care nu va invita sa nu se alatureze eroilor sa distruga dihotomiilor de gen. George Miller a realizat un film de actiune fenomenal cu o cauza dreapta, un film care adauga comentarii inteligente peste decoruri uluitoare. Fie ca el sa calareasca etern, stralucitor si cromat. — Andy Crump

---

42. Vanzator

Oda lui Maysles la atitudinea „poate face” a asa-numitei „Cea mai mare generatie” este un studiu mereu intristat in carisma: cine o are, ce este si cat de adanc, neintentionat este inradacinata in intregul nostru model al Visul american. Urmarim patru vanzatori ai Bibliei, fiecare cu o porecla animala pentru ai tine deoparte, putem observa procesul de prezentare din orice unghi aparent persuasiv. Unii vanzatori sunt intelepti si respectuosi, altii entuziasti si glumesc, iar altii recurg la hartuirea mamelor nervoase care stau acasa sau a sotilor emasculati pentru a semna un talon de plata. Cuplati acea enigma etica cu produsul pe care il care il care il pun in joc – „Cartea buna” originala, aparent – ​​​​​​si nu este surprinzator cand unul dintre vanzatori (Bursucul, care are o serie de noroc de rahat, Niciodata la inaltimea numelui sau) isi pierde orice speranta in vocatia sa si isi petrece fiecare noapte in camera de hotel comuna plangandu-se colegilor sai de vanzare ca ceea ce fac ei este in mod existential obligat sa esueze. Si totusi, Rabbit nu are probleme in a-si mentine vanzarile, iar Taurul iese mereu cu fise mazgalite. Bursucul se intampla sa fie un vanzator pe moarte, un tip a carui carisma refuza sa se adapteze. Ce este mai rau: nu are pe nimeni de vina in afara de el insusi. Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola Bursucul se intampla sa fie un vanzator pe moarte, un tip a carui carisma refuza sa se adapteze. Ce este mai rau: nu are pe nimeni de vina in afara de el insusi. Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola Bursucul se intampla sa fie un vanzator pe moarte, un tip a carui carisma refuza sa se adapteze. Ce este mai rau: nu are pe nimeni de vina in afara de el insusi. Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola Si capitalismul. — Dom Sinacola

---

43. Vantul se ridica

Dintre toate cele mai persistente tropi si motive ale lui Miyazaki, nu exista niciunul mai consecvent impartit in intreg corpul sau de lucrari decat cel al descrierii zborului. Asa ca nu este surprinzator ca The Wind Rises, al 11-lea si ultimul sau lungmetraj de la momentul scrierii acestui articol, se concentreaza direct pe viata inginerului de aviatie japonez Jiro Horikoshi si pe mostenirea complicata a creatiilor sale. O poveste despre modul in care un creator nu poate controla ceea ce devine opera sa, doar daruirea si mestesugul la care se revarsa in lucrare in sine, The Wind Rises se refera nu numai la identitatea culturala pacifista a Japoniei contemporane, ci si la nivel. personal, la Miyazaki insusi. Filmul este nimic mai putin decat testamentul artistic final al lui Miyazaki cu privire la capacitatea paradoxala a umanitatii atat pentru actul mantuitor al creatiei, cat si pentru urmarirea obstinata a autoanihilarii. Este in termeni siguri o concluzie – daca nu la venerabila cariera a lui Miyazaki ca unul dintre patriarhii de necontestat ai animatiei moderne japoneze, atunci o coda tematica care leaga un nod elegant la sfarsitul carierei sale de regizor. — Tousaint Egan

---

44. Persona

Ingmar Bergman nu parea sa aiba niciun raspuns la intrebarile pe care le-a ridicat in acest film – sau la cele ridicate in multe altele – dar le-a tot intrebat, aducand povestile sale la concluzii dramatice adecvate, fara a cauteriza toate ranile personajelor sale. . . Era un regizor lin, precis, dar care a lucrat in cadrul conventiilor gramaticii cinematografice, mai degraba decat sa apese la marginile mediului – de cele mai multe ori. Persona nu numai ca recunoaste acest mediu, dar il deschide larg. Liv Ullmann si Bibi Andersson — care au lucrat ambele cu Bergman de multe ori — joaca rolul unei actrite de scena si, respectiv, o asistenta. Actrita a avut o cadere – a ramas muta in mijlocul unui spectacol – si se recupereaza la o cabana pe malul marii. Acest complot simplu este scheletul pentru o examinare foarte complexa a identitatii si psihologiei. Cele doua femei par sa se contopeasca in anumite puncte – poate ca sunt doua laturi ale aceleiasi femei – si istoriile lor sangereaza in prezent printr-o varietate de tehnici cinematografice, de la prima fotografie a unui proiector care se aprinde si infama, orbitoare. montaj care pare sa dezgroape inconstientul, pana la momentul din mijlocul filmului, cand stocul pare sa arda si sa alerge invers. Persona nu isi dezvaluie sensul cu usurinta; Bergman a echilibrat pentru totdeauna lumea teatrului cu lumea filmului, un artist cu o personalitate scindata. — Robert Davis cand stocul pare sa arda si sa ruleze in sens invers. Persona nu isi dezvaluie sensul cu usurinta; Bergman a echilibrat pentru totdeauna lumea teatrului cu lumea filmului, un artist cu o personalitate scindata. — Robert Davis cand stocul pare sa arda si sa ruleze in sens invers. Persona nu isi dezvaluie sensul cu usurinta; Bergman a echilibrat pentru totdeauna lumea teatrului cu lumea filmului, un artist cu o personalitate scindata. — Robert Davis

---

45. Mikey si Nicky

Toata lumea are un prieten ca Nicky (John Cassavetes), desi Nicky-ii lumii exista la o scara variabila. Nu fiecare Nicky lucreaza pentru mafio, sau femeie, sau tradeaza gloata sau, in general, se comporta ca un nemernic de mare diametru la orice provocare sau sub presiune. Dar dezlipiti-l pe Mikey si Nicky de particularitatile genului sau, de capcanele sale de gangster si ceea ce ramane este o poveste recunoscuta a doi prieteni aflati in bataie de cap, alaturi de istorie vietii lor, inseparabili si totusi volatili din punct de vedere chimic. . atunci cand stau la indemana unul de celalalt. Mikey (Peter Falk) si Nicky se intorc. Au fost prieteni de dintotdeauna, de inainte sa devina escroci mici, de inainte ca parintii lor sa-si amestece colacele muritoare. Mikey este cel equanim, Nicky cel fierbinte, desi Mikey este doar cool si calm cand sta langa Nicky. „Imi dai asta in 30 de secunde sau te omor, ma auzi?” urla el la un servitor de restaurant, disperat dupa o ceasa de smantana care sa ajute la calmarea stomacului bolnav al lui Nicky. Niciunul nu este deosebit de bun pentru femei si amandoi sunt in apa clocotita, desi Mikey este pana la degetele de la picioare si a lui Nicky pana la talie, dupa ce si-a smuls seful si ia castigat o lovitura pe frunte. Cea mai sincera miscare pe care Mikey o poate face aceasta sa-l lase pe Nicky in mila mafiei, dar el nu este un barbat cinstit si, sincer, relatii masculine nu sunt chiar atat de oneste. Elaine May intelege cat de repede oscileaza barbatii intre emotie si violenta, ranchiune si joaca. Intr-un minut, Mikey se supara pentru ca Nicky raceste. Urmatoarea, ei sunt casatori pe strada, de parca prietenia lor nu a contacta niciodata in primul rand. Uimitor cat de usor pot transgresa barbatii de la adulti la baieti, fie ca schimba lovituri sau pur si simplu se intrec cu bucurie unul pe altul pe trotuar. Chiar si atunci cand toti sunt mari, sunt inca copii la suflet. Peste 40 de ani mai tarziu, Mikey si Nicky au imbatranit mai bine decat amandoi. — Andy Crump

---

46. ​​​​​​​Casa

Filmele sunt rareori, sau vreodata, la fel de bogate si ciudate ca House. Povestea ca vis din 1977 al regizorului japonez Nobuhiko Obayashi a fost debutul unui tip care era cunoscut mai ales pentru reclamele sale TV. Avand posibilitatea de a realiza primul sau lungmetraj de catre un studio care se lupta si care nu avea nimic de pierdut, Obayashi a facut ceea ce ar face orice autor aspirant: a mers la fiica sa, Chigumi, in varsta de 11 ani, pentru idei. . . Ceea ce au venit cu ei este un festival tragi-comic al neobisnuitului despre un grup de sapte scolari japoneze, o matusa fecioara cu un secret sfasietor, pisica ei alba ciudata pe nume Fulg de zapada si casa titlului, o halucinatie ciudata si infricosatoare. a mitului gotic si a folclorului japonez, animat de un spirit animat, afectat de ADD, ca ceva din mintile lui Tex Avery si Busby Berkeley pe crack. Desi: Niciun rezumat nu face cu adevarat dreptate Casei, si fiecare lucru mic despre ea necesita atentie, de la scolarile insesi – arhetipuri precoce care poarta poreclele Gorgeous, Melody, Fantasy, Prof, Sweet, Mac si Kung Fu – pana la orice inflorire a trucurilor si tehnicii, care evoca totul. de la film mut la spectacole pentru copii, cinema suprarealist clasic la giallo italian. Obayashi inghesuie fiecare cadru cu un surplus de idei nebunesti, de parca fundalul sau in spoturi de 30 de secunde i-ar fi cerut sa nu lase ecranul sa ramana calm pentru o clipa. House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar Mac si Kung Fu – pana la inflorirea de orice fel de truc si tehnica, care evoca totul, de la film mut la spectacol pentru copii, cinema suprarealist clasic la giallo italian. Obayashi inghesuie fiecare cadru cu un surplus de idei nebunesti, de parca fundalul sau in spoturi de 30 de secunde i-ar fi cerut sa nu lase ecranul sa ramana calm pentru o clipa. House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar Mac si Kung Fu – pana la inflorirea de orice fel de truc si tehnica, care evoca totul, de la film mut la spectacol pentru copii, cinema suprarealist clasic la giallo italian. Obayashi inghesuie fiecare cadru cu un surplus de idei nebunesti, de parca fundalul sau in spoturi de 30 de secunde i-ar fi cerut sa nu lase ecranul sa ramana calm pentru o clipa. House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar — Steve Dollar House sugereaza ca hipermotorul de oxid de azot al culturii pop japoneze – la fel de viu acum ca niciodata – este o forma de terapie genial imaginata, daca nu chiar transcendentala. — Steve Dollar

---

47. King Kong

Au existat filme cu monstri sau „trasaturi cu creaturi” inainte de Kong, dar a devenit punctul de referinta cheie pentru intregul film demografic din momentul lansarii sale pana cand genul a suferit sau reimaginare a epocii atomice cu personaje precum Bestia din 20.000 Fathoms in 1953. si Ei! in 1954. De asemenea, a pus stacheta efectelor sale speciale la un nivel atat de inalt, in multe cazuri, fotografii si secventele din King Kong nu au fost duplicate in mod adecvat in deceniile urmatoare. O mare parte din meritul ii apartine pionierului animator stop-motion Willis O’Brien, care inventa zilnic noi tehnici pe platourile de filmare ale lui Kong, punand bazele unui intreg domeniu de efecte vizuale care sunt inca in curs de rafinare de studiouri precum Laika azi. . Aceste tehnici au fost, de asemenea, continuate si perfectionate de catre cel mai faimos protejat al lui O’Brien, Ray Harryhausen, care le-a folosit cu mare efect in a doua epoca de aur a filmului cu monstri, din anii 1950 pana in anii 1970. Kong, totusi, region o realizare de neegalat pentru vremea sa – mult mai maret si mai ambitios ca anvergura decat orice altceva cu care poti compara atunci. Pe de o parte, este un film de aventura captivant, cu o intriga clasica „calatorie in necunoscut”, care este inca reciclata pentru versiuni moderne cu monstri precum Kong: Skull Island. In acelasi timp, totusi, a fost, de asemenea, un experiment interesant de amestecare a genurilor – un film de aventura-drama bazat pe FX, cu elemente de groaza si niciun „antagonist” traditional clar. Carl Denham s-ar putea sa se potriveasca, dar este mai bine descris ca un visator naiv, cu stele in ochi, fara a tine seama de dilema etica de a arata in shanghai sau fiara uriasa de a fi afisat in mijlocul orasului New York. Kong, intre timp, este o creatura neinteleasa, care opereaza pe baza sentimentului de autoconservare pe care la invatat intr-o casa in care a cunoscut doar o lupta zilnica pentru supravietuire impotriva unui flux nesfarsit de monstri. Empatia filmului pentru Kong si condamnarea lui fata de orgoliul care a dus la ascensiunea lui la Empire State Building sunt cele care au facut din poveste un clasic atat de emotional. — Jim Vorel care opereaza pe baza sentimentului de autoconservare pe care la invatat intr-o casa in care a cunoscut doar o lupta zilnica pentru supravietuire impotriva unui flux nesfarsit de monstri. Empatia filmului pentru Kong si condamnarea lui fata de orgoliul care a dus la ascensiunea lui la Empire State Building sunt cele care au facut din poveste un clasic atat de emotional. — Jim Vorel care opereaza pe baza sentimentului de autoconservare pe care la invatat intr-o casa in care a cunoscut doar o lupta zilnica pentru supravietuire impotriva unui flux nesfarsit de monstri. Empatia filmului pentru Kong si condamnarea lui fata de orgoliul care a dus la ascensiunea lui la Empire State Building sunt cele care au facut din poveste un clasic atat de emotional. — Jim Vorel

---

48. Vecinul meu Totoro

Vecinul meu Totoro nu este doar cel mai iconic film al lui Miyazaki de pana acum, este si un film de familie aproape perfect, care reuseste sa distileze esenta capriciului copilariei pana la starea sa cea mai pura. Amplasat in 1958, filmul urmareste profesorul universitar Tatsuo Kusakabe (Shigesato Itoi) si fiicele sale Satsuki (Noriko Hidaka) si Mei (Chika Sakamoto) in timp ce se muta intr-o casa veche de-a lungul zonei rurale pentru a fi mai aproape de mama lor, care este recuperarea dupa o boala lunga. Vedem lumea prin ochii fetelor: sarind prin campurile de-a lungul casei, urmarind acarienii care zboara, prabusind in gaurile din baza copacilor pentru a ateriza in siguranta pe stomacul bulbos al unui animal spirit binevoitor. Vecinul meu Totoro a fost revolutionar pentru timpul sau pentru a se bucura de momentele contemplative linistite intr-o perioada in care cea mai mare parte a anime-urilor era, altfel, dominata de goana de la un fulger la urmatorul spectacol. In acest fel, filmul are un fel de atractie atemporala, dezarmand publicul nou si vechi de cinismul si suspiciunile lor cu decoruri frumoase, personaje empatice si o tema molipsitoare de fanfara. Raposatul critic de film Roger Ebert a descris-o cel mai bine: „Vecinul meu Totoro se bazeaza pe experienta, situatie si explorare – nu pe conflict si amenintare”. Este un film izvorat pe deplin din imaginatia unui maestru animator, un film despre magia de zi cu zi de a fi copil si simpla putere de a intalni lumea cu inima deschisa. — Tousaint Egan dezarmand publicul nou si vechi de cinismul si suspiciunile lor cu decoruri frumoase, personaje empatice si o tema molipsitoare de fanfara. Raposatul critic de film Roger Ebert a descris-o cel mai bine: „Vecinul meu Totoro se bazeaza pe experienta, situatie si explorare – nu pe conflict si amenintare”. Este un film izvorat pe deplin din imaginatia unui maestru animator, un film despre magia de zi cu zi de a fi copil si simpla putere de a intalni lumea cu inima deschisa. — Tousaint Egan dezarmand publicul nou si vechi de cinismul si suspiciunile lor cu decoruri frumoase, personaje empatice si o tema molipsitoare de fanfara. Raposatul critic de film Roger Ebert a descris-o cel mai bine: „Vecinul meu Totoro se bazeaza pe experienta, situatie si explorare – nu pe conflict si amenintare”. Este un film izvorat pe deplin din imaginatia unui maestru animator, un film despre magia de zi cu zi de a fi copil si simpla putere de a intalni lumea cu inima deschisa. — Tousaint Egan ” Este un film izvorat pe deplin din imaginatia unui maestru animator, un film despre magia cotidiana de a fi copil si simpla putere de a intalni lumea cu inima deschisa. — Tousaint Egan ” Este un film izvorat pe deplin din imaginatia unui maestru animator, un film despre magia cotidiana de a fi copil si simpla putere de a intalni lumea cu inima deschisa. — Tousaint Egan

---

49. Ochi fara chip

Imi amintesc ca am vazut prima mea reprezentatie cu Edith Scob in 2012, cand Holy Motors a lui Leos Carax si-a facut drum spre tarmurile SUA, in care a imbracat o masca de spuma de mare, la fel de goala si lipsita de expresie ca a lui Michael Myers, in finalul filmului. M-am gandit in sinea mea: „Pai, asta s-ar juca ca gangbusters intr-un film de groaza”. Ce idiot eram: Scob aparuse deja in acel film, Ochi fara fata a lui Georges Franju, un film inghetat, poetic si totusi facut cu dragoste despre o femeie si tatal ei, un om de stiinta nebun, care vrea doar sa rapeasca domnisoarele care ii impartasesc facialul. trasaturi in speranta de a le altoi pielea pe propria ei cana desfigurata. (Acesta este materialul despre tatal anului chiar acolo.) Desigur, nimic nu merge bine in naratiunea filmului si totul se termina in lacrimi, plus o frenezie de pofta de sange canin. Regizorul Franju joaca Ochi fara fata in registrul potrivit, echilibrand tulburarile, perversul si intimul, asa cum tind sa faca cele mai durabile povesti de groaza. Daca Franju ajunge sa revendice cea mai mare parte a meritului pentru asta, economisiti macar o parte pentru Scob, ai carui ochi sunt cel mai bun efect special din repertoriul filmului. A ei este o performanta care provine chiar din suflet. — Andy Crump

---

50. Al saptelea pecete

Ca orice piatra de incercare culturala, orice reper omniprezent al artelor mai absorbit mitotic decat experimentat in realitate, Al saptelea sigiliu trebuie sa fie gresit amintit. Cunoastem bine jocul de sah cu Death (Bengt Ekerot), precum si imbracamintea Mortii – un fel de amestec gotic intre Musketeer si calugar – gravate in firmamentul obsesiilor noastre pop (pentru majoritatea varstei mele, era in Bill si Calatoria falsa a lui Ted ca fata si pelerina alba ca osul au fost intalnite pentru prima data), chiar daca nu am vazut niciodata filmul. Cunoastem bine numele regizorului Ingmar Bergman sau cel al starului Max von Sydow, chiar daca nu suntem familiarizati cu munca lor, atat de inradacinate in orice conceptie de lucru despre „cinema international”, dintre care o mare parte se datoreaza The Seventh. Sigiliu. Cunoastem bine clarobscurul dur al cinematografiei suedeze, pretentia arhi-simbolica a lucrurilor de arta care stoarce toata veselia din fiecare orificiu al privitorului. Dar uitam cat de putin din acest film este jocul de sah – cat de prost poate fi Moartea? Cat de amuzant este de fapt The Seventh Seal? „Este atat de crunt de neconceput sa-L intelegi pe Dumnezeu cu simturile?” intreaba cavalerul Antonius Block (von Sydow). „Ce se va intampla cu cei dintre noi care vor sa creada, dar nu sunt in stare?” Cu Al saptelea sigiliu, o poveste simpla despre un cavaler obosit care se intorcea din cruciade pentru a descoperi ca lumea pentru care a luptat a fost parasita de Dumnezeu, Bergman a cautat claritate in problema credintei – a vrut sa cartografieze vastul teren spiritual dintre experiente. si cunoasterea, intre simtire si credinta. Motivul pentru care filmul inca rezoneaza astazi, de ce cunoastem filmul fara a fi nevoie sa-l experimentam, se datoreaza acestei claritati in viziunea lui Bergman: Al saptelea pecete este totul simbol, metafora, aluzie — dar ceea ce este simbolic, o metafora sau la care se face aluzie nu este prea greu de imaginat pentru niciunul dintre noi. Cand cavalerul pune o intrebare, Dumnezeu raspunde cu tacere – si exista putini oameni care inteleg mai bine decat ceea ce se simte. — Dom Sinacola